| Georges Seurat | |
| Cancan . 1889-1890 | |
| fr. Le Chahut | |
| Plátno, olej. Rozměr 170×141 cm | |
| Muzeum Kröller-Müller , Otterlo, Gelderland , Nizozemsko | |
| ( Inv. KM 107,757 ) | |
| Mediální soubory na Wikimedia Commons |
Cancan [1] ( francouzsky Le Chahut ) je neoimpresionistický obraz od francouzského malíře Georgese Seurata , namalovaný v letech 1889 až 1890 [2] . Část sbírky Muzea Kröller-Müller v národním parku De Hoge Veluwe poblíž osady Otterlo v Nizozemsku . Obraz byl poprvé vystaven v roce 1890 na Salonu Společnosti nezávislých umělců v Paříži a stal se předmětem diskuse mezi historiky umění a kritiky symbolistů. Plátno reprezentující kvadrilu v Moulin Rouge ovlivnilo fauvisty , kubisty , futuristy a orfisty .
"Can Can" napsal Seurat ve stylu pointilismu , který zahrnuje vytvoření řady barevných teček, které dohromady tvoří obraz. „Cancan“ je ukázkovým příkladem této techniky. Dominuje mu barevné schéma, které tíhne k červenému konci spektra a skládá se ze zemitých tónů hnědé, teplé šedé a modré, které se střídají se základními barvami (zejména červenou a žlutou) a osmnácti dalšími odstíny (Seurat vytvořil vhodné směsi) na paletě před nanesením na plátno a kteroukoli z nich lze smíchat i s bílou) [3] . Rám podél okraje plátna, sytější modrá, je u horního okraje zakončen jemným obloukem.
Modulace světla a stínu je dosažena pomocí malých barevných teček umístěných vedle sebe a odlišných jak intenzitou, tak koncentrací [4] . Tyto body by se měly v očích diváka slévat, aby při pohledu z dálky vyvolávaly dojem smíšených barev. Zatímco impresionisté se soustředili na harmonii barev na základě podobných nebo příbuzných odstínů (jen částečně oddělených), neoimpresionistická harmonie byla založena na kontrastních odstínech postavených vedle sebe; v důsledku toho se při zvažování plátna objevuje vibrující „optická směs“ ( fr. mélange optique ) [3] .
Obraz je rozdělen do tří hlavních prostorů. Levá spodní strana je obsazena hudebníky; jeden z nich je umístěn uprostřed, zády k divákovi, s kontrabasem umístěným vlevo. Vpravo nahoře je řada tanečníků: dvě ženy a dva muži s nohama nahoře. Hlavní věc v jejich vzhledu jsou křivky a rytmické opakování, které vytvářejí syntetický pocit pohybu. Kulisu tvoří dekorativní svítidla ve stylu kabaretu a několik diváků sedících v první řadě a zírajících na představení. V pravém dolním rohu se další klient dívá úkosem, což naznačuje sexuální touhu nebo lstivý záměr; toto je archetyp mužského voyeur , často líčený v střední-19th-století plechovka-can časopis ilustrace [5] .
Can-can je provokativní, sexuálně nabitý tanec, který se poprvé objevil v pařížských tanečních sálech kolem roku 1830. Taneční styl často vyvolal kontroverzi kvůli vysokým výkyvům nohou a dalším pohybům paží a nohou. V 90. letech 19. století ustoupila sólová představení kankánu v tanečních sálech skupinovým představením na místech, jako je Moulin Rouge na Montmartru .
„Ve srovnání s Degas ’ Café Chantant v Les Ambassadors,“ píše historik umění Robert Herbert, „dílo, které předchází Seuratově práci, jsou tanečníci kankánu sladěni s opakujícím se rytmem ornamentálního umění. Paralelně s povrchem, nikoli ustupující do hlubin spirály se ohýbají a rozvíjejí trhavým pohybem, který doslova vtrhne do našeho zorného pole Opravdu, od doby, kdy byli vystaveni The Lathers at Asnières (o šest let dříve, v roce 1884), Seurat postupně zplošťoval své hlavní kompozice a zvětšoval množství malých akcentů typických pro dekorativní umění, jako jsou klikatky, ostré křivky, blikající paprsky, opakující se rovnoběžky a trvalé ploché zóny“ [5] .
Seurat se zaměřuje na pohyb linií směrem nahoru v celém obraze ("extrémně složitá mechanika čar", jak popisuje historik umění John Revald [6] ), čímž vytváří iluzi energické atmosféry tance a hudby [7] . Karikaturní postavy líčí zdrženlivě a působivě, ale s humorem a zábavou [5] . Antinaturalistická povaha Can-Can, s její nadřazeností expresivity nad piktorialismem a výmluvným použitím čar a barev, odráží vliv jak Charlese Blanca , tak Humberta de Superville . Teorie Humberta de Superville inspirovala Blanca k myšlence, že linie (jako barvy) vyvolávají pocity. Směr čáry mění výraz tváře a je tedy znakem emocí. Vodorovné čáry jsou synonymem pro klid, jsou spojeny s rovnováhou, trváním a moudrostí, zatímco široké čáry představují zábavu díky jejich spojení s expanzí, nestálostí a smyslností.
Seurat také čerpal z teorií francouzského matematika Charlese Henriho o emocionálním a symbolickém vyjádření čar a barev a práce Michela Eugèna Chevreula a Ogdena Rudeho o doplňkových barvách . Kromě toho byl ovlivněn japonskými tisky a grafickou tvorbou Julese Chereta . Ačkoli Seurat uznal, že Henri měl vliv na jeho "estetický", o Superville a Blanc se nezmiňuje [5] . A pokud teoreticky Seurat jasně splácí svůj dluh svým předchůdcům, v praxi stojí „Can-can“ stranou. Jeho formy nejsou abstraktní, ale pouze schematické a jsou dokonale rozpoznatelné jako populární sociální prostředí, do kterého se Seurat ponořil po svém přestěhování na Montmartre v roce 1886; se sexuálně provokativní zápletkou (odhalení nohou a spodního prádla) inspirovanou parodickým tancem montmartrských umělců, šantivých kaváren, divadel, tanečních sálů, hudebních sálů, vaudevillu a módního nočního života Paříže [5] .
Jules Christophe, Seuratův přítel, který s ním udělal rozhovor pro krátkou biografii publikovanou na jaře 1890, popsal kankán takto:
„... konec okázalé čtveřice na jevišti kavárenského koncertu na Montmartru: divák, napůl fanfaron, napůl voluptuary hledající předmět, jako by čichal se zdviženým nosem; sólista orchestru, zobrazený zezadu, jakoby v gestu svátosti; něčí ruce na flétnu; dvě mladé tanečnice ve večerních šatech, s létajícími sukněmi, štíhlýma nohama zvednutým, se smíchem ve zvednutých koutcích rtů, s vyzývavými nosy - a jejich partneři s hadím ocasem... Malíř těchto lahůdek Georges Seurat dává Pařížanům z pracovních předměstí téměř posvátný obraz kněžek, které provádějí rituály. Všechny jeho obrazy nejsou nic jiného než vzestupné linie nad horizontálou, které mají v systému Charlese Henriho vyjadřovat zábavu – ale vyjadřují ji? [osm]
Obraz byl vystaven v Salonu Společnosti nezávislých umělců v Paříži od 20. března do 27. dubna 1890 [9] , čímž zastínil další významné dílo Seury, Prášková žena , kterému se v té době dostalo jen malé pozornosti kritiků [5] . Cancan, větší a modernistický ze dvou pláten, byl široce diskutován symbolistickými kritiky , jako jsou Arsène Alexandre, Jules Christophe, Gustave Kahn , Georges Lecomte , Henri van de Velde , Émile Verhaern a Théodore de Waizeva. Dominovala dvě témata: Montmartre jako předmět zobrazení a ztělesnění teorií lineárního vyjádření Charlese Henriho. Obraz si nezasloužil velkorysou pochvalu, protože jeho lineární kompozice byla kritiky považována za příliš útržkovanou. Nicméně, kvůli antinaturalistickým prvkům plátna, jeho hieratickému formalismu a rituálním složkám, byl Seurat klasifikován jako inovátor [5] .
John Rewald píše o „Cancan“ a „ Circus “:
„Postavám na těchto obrazech dominuje monotónnost nebo radost (v obrazech Seurata není smutek) a samozřejmě se řídí přísnými pravidly, řídí se onou hrou linií a barev, jejíž zákony Seurat studoval. Na těchto plátnech Seurat, aniž by upadl do literární nebo malebnosti, rehabilitoval děj, který impresionisté opustili.
Jeho díla jsou „exemplárními ukázkami vysoce rozvinutého dekorativního umění, které obětuje zápletku pro linii, jednotlivosti pro zobecnění, pomíjivé pro neměnné a obdarovává přírodu – konečně unavenou svou pochybnou a nespolehlivou realitou – skutečnou realitou,“ napsal Felix Feneon. [6] .
Do roku 1904 prošel neoimpresionismus výraznými změnami, odklonil se od přírody, od napodobování, k identifikaci základních geometrických tvarů a harmonických pohybů. Tyto formy byly považovány za nadřazené přírodě, protože obsahovaly myšlenku představující mistrovství umělce nad přírodou. „Harmonie znamená oběť“, napsal Henri Edmond Cross a velká část raného neoimpresionismu byla zavržena. Cross, Paul Signac , spolu s Henri Matisse , Jean Metzinger , Robert Delaunay , André Derain (z mladší generace) začali malovat velkými tahy, které se v očích pozorovatele nikdy nemíchaly. Z jejich pláten se třpytily čisté odvážné barvy (červená, modrá, žlutá, zelená a fialová) a „učinily je tak osvobozené od okovů přírody“, slovy Herberta, „jako každý jiný obraz, který v té době v Evropě vznikal“ [3 ] .
Expresionistickou fázi protokubismu (mezi lety 1908 a 1910) výrazně ovlivnilo dílo Paula Cézanna , zatímco Seuratovy obrazy se svými ploššími, lineárnějšími strukturami přišly do povědomí kubistů až v roce 1911 [3] [10 ] . Seurat byl zakladatelem neoimpresionismu, jeho nejhorlivějším inovátorem a ukázal se být jedním z nejvlivnějších v očích vznikající avantgardy , jejíž mnozí představitelé - Jean Metzinger, Robert Delaunay, Gino Severini a Piet Mondrian - prošli fází neoimpresionismu, která předcházela jejich experimentům ve fauvistickém stylu.kubismus nebo futurismus .
"S příchodem monochromatického kubismu v letech 1910-1911," píše Herbert, "otázky formy vytlačily barvu z pozornosti umělců a Seurat se pro ně stal aktuálnější. V důsledku několika výstav se jeho obrazy a kresby staly snadno k dispozici v Paříži a reprodukce hlavních jeho děl byly široce šířeny mezi kubisty. André Salmon nazval „Can-can“ „jednou z největších ikon nové víry.“ „Can-can“ a „Circus“, podle Guillaume Apollinaire , „téměř patří k syntetickému kubismu “ [3] .
| Obrazy Georgese Seurata | ||
|---|---|---|
| Obrazy |
| |
| jiný | ||