Figurální malba Bay Area (také známá jako Bay Area figurative art a související variace) je umělecké hnutí z poloviny dvacátého století vytvořené skupinou umělců ze San Francisco Bay Area , kteří opustili tehdy dominující abstraktní expresionistický styl ve prospěch návrat k figurativnímu umění . Během 50. a 60. let prošlo hnutí třemi obdobími: první generací, přechodnou generací a druhou generací.
Mnozí z umělců první generace byli vášnivými obdivovateli abstraktního expresionismu a pracovali tímto směrem, dokud neopustili neobjektivní malbu ve prospěch práce s reálným objektem. Do první generace patří David Park, Richard Diebenkorn , Rex Ashlock, Elmer Bischoff, Glenn Wessels, Wayne Thiebaud a James Wicks.
Přechodnou generaci zastupují Nathan Oliveira, Theophilus Brown, Paul Wanner, Roland Petersen, John Hultberg a Frank Lobdell [1] .
Mnoho umělců druhé generace se učilo od umělců první generace nebo vstoupilo do hnutí v pozdějším období. Patří mezi ně Bruce McGaugh, Henry Vilherme, Joan Brown, Manuel Neri a Robert Qualters.
Mnoho škol a institucí v Bay Area hrálo důležitou roli ve vývoji a zlepšování tohoto uměleckého hnutí. Mezi ně patří Art Institute of San Francisco , California College of Arts and Crafts a University of California v Berkeley .
Odmítnutí abstraktního expresionismu vedlo umělce ke stylu, ve kterém emoce odrážejí okolní realitu. Styl se vyznačuje jednoduchostí a jasem palety a formy a silným projevem pocitů v dílech [2] .
David Park (1911-1960) byl možná nejvýznamnějším figurálním malířem Bay Area. Park začínal v San Franciscu jako abstraktní umělec, ale byl jedním z prvních, kdo se začal věnovat figurativní malbě. Na jaře roku 1951 obdržel Park cenu za malbu napsanou v tomto stylu a postoupil do výstavní soutěže. Parkův obrat k figurativnímu umění některé jeho kolegy zmátl, protože abstraktní malba byla v té době považována za jediné progresivní umění. Jeho odvážný odklon od abstrakce k objektu vedl k nárůstu zájmu o figurativní umění, jeden z nejdůležitějších poválečných vývojů v umění západního pobřeží.
Parkův přechod od abstrakce k figurativnímu umění se odehrál okamžitě. Teta Parka v rozhovoru řekla, že umělec odnesl svá abstraktní díla na skládku a vyhodil je nebo je rituálně zničil. Rok o této proměně kolegové ani nevěděli [3] .
V roce 2004 uspořádala Hackett Friedman Gallery v San Franciscu výstavu 35 děl Davida Parka, vytvořených v letech 1953 až 1960, v posledních letech umělcova života. Některá z raných děl na výstavě zachycují vliv Maxe Beckmanna na Park , zejména v The Band (1955). Během několika let se Parkova paleta proměnila v bouřlivý chromatismus , ale jeho ostrý přístup k práci s barvou byl přítomen až do roku 1959, kdy se umělec rozhodl vzdát se oleje .
Nejvýznamnější díla Davida Parka - "Mother in Law" ( Mother in Law , 1954-1955), "Torso" ( Torso , 1959), "Figure in the chair" ( Figure in Chair , 1960) [4] .
Elmer Bischoff (1916-1991) zažil tvůrčí období ve 40.-50. letech 20. století, které označil za napodobeninu Picassa [5] . Po návratu z války v roce 1945 cítil potřebu zpochybnit všechny předpoklady o umění a životě. Když se na to v rozhovoru zeptali, řekl: "Dosud bylo umění externí akvizicí, ale nyní se stalo spíše hledáním." Přibližně ve stejné době dočasně působil jako pedagog na umělecké škole.
Stejně jako u abstraktní malby si Bischoffova raná figurální tvorba rychle získala uznání. Na páté výroční výstavě olejů a soch v Richmond Art Center představil svůj obraz Postava a červená zeď a vyhrál první cenu 200 $ [6] . Tento úspěch mu zajistil samostatnou výstavu v Paul Kantor Gallery v Los Angeles . Sám Bischoff však považoval osobní výstavu v galerii Kalifornské školy výtvarných umění, která se konala v lednu 1956, za určující ve své kariéře.
Nejvýznamnějšími díly Elmera Bischoffa jsou Figura u okna s lodí (1964), Hřiště ( 1954), Řeka (1953) [7] .
Richard Diebenkorn (1922-1993), který se v roce 1955 obrátil k figurativnímu umění, vzal na sebe největší riziko ze všech umělců první generace. Do této doby byl celonárodně uznáván jako abstraktní umělec. Výstava Jamese Johnsona Sweeneyho Young American Painters [8] učinila jeho práci oblíbenou u obchodníků v Los Angeles a Chicagu . Spolu s národní reputací byl Diebenkorn také oblíbeným abstraktním umělcem mezi místními obyvateli Sausalita .
Po připojení k figurativnímu umění se Diebenkorn teprve v roce 1956 pokusil vytvořit komplexní figurativní obraz. Jeho nejstarší práce jsou údajně založeny na autoportrétech. V polovině 60. let se Diebenkorn vrátil k abstraktnímu umění [9] .
Nejvýznamnějšími díly Richarda Diebenkorna jsou „Cityscape 1“ ( Cityscape 1 , 1963), „Interiér s dveřmi“ ( Interior with Doorway , 1962) [10] .
Theophilus Brown (1919-2012) a Paul John Wanner (1920-2008) byli silně ovlivněni zavedenějšími umělci. V roce 1955 si Brown a Wonner pronajali studia ve stejné budově, kde pracoval Diebenkorn. Pack, Bischoff a Diebenkorn pořádali s Brownem a Wannerrem lekce kreslení života, k nimž se občas připojili James Wicks a Nathan Oliviera.
Wannerova figurativní malba byla vystavena na výstavě konané v galerii California School of Fine Arts na konci roku 1956. Wanner se od začátku držel zásad prezentace .
Nejvýznamnější díla Theophila Browna jsou „Seated Nude“ ( Mužský akt sedící , 1960), „Sun and Moon“ ( Slunce a Měsíc , 1960)
Nejdůležitější díla Paula Johna Wannera jsou „Side of the house in Malibu“ ( Side of the house, Malibu ; 1965), „Mountain near Tucson“ ( Hora blízko Tucsonu , 1963 ) .
Roland Petersen (nar. 1926) zahájil svou „piknikovou sérii“ v 60. letech. Tyto obrazy se vyznačovaly bohatými barvami, tlustým vrstveným pigmentem a geometrickými kompozicemi. Petersen, který působí na umělecké scéně Bay Area více než čtyřicet let, učil generace umělců nejen v malbě, ale také v grafice a fotografii. Petersenovo dílo bylo vystaveno v muzeích a galeriích po celé zemi a je zastoupeno v hlavních muzejních sbírkách včetně Muzea moderního umění v New Yorku , Whitney Museum of American Art ; San Francisco Museum of Contemporary Art , Hirshhorn Museum and Sculpture Garden , San Francisco Museum of Fine Arts a Philadelphia Museum of Art [12] .
Nathan Oliveira (1928–2010) zpočátku projevoval zájem o hudbu, která se s věkem vytrácela. Během cesty do de Young Memorial Museum se rozhodl stát se portrétistou. Během vojenské služby byl nadále v kontaktu s uměleckou veřejností. Umělec se nepovažoval za avantgardního umělce ani za součást určitého hnutí [13] .
Oliveiraova raná figurativní tvorba obsahuje více detailů a barev, typickým příkladem je malba Sedící muž se psem . Díla namalovaná ve studiu v San Leandru v roce 1959 se Oliveirovými vlastními slovy „stala samotným základem celé jeho identity jako umělce“.
Nejvýznamnějšími díly Nathana Oliveiry jsou Sedící muž se psem (1957), Man Walking (1958), Adolescent by the Bed (1959).
Henrietta Burke (1919–1990) malovala především oleji. Její tvorba se vyznačovala výraznými barvami a tvary [14] . Burke navštěvovala California College of Arts and Crafts v Oaklandu v letech 1955 až 1959 [15] [16] , kde ji vyučovali Richard Diebenkorn a Harry Krella [14] .
Bruce McGaugh (narozen 1935) je jediným umělcem druhé generace, který se v roce 1957 zúčastnil výstavy současné figurativní malby Bay Area. Studoval na California College of Arts and Crafts a byl jedním z prvních studentů Diebenkorn v roce 1955. Mezi McGawem a Diebenkornem se vyvinul úzký vztah [17] a Diebenkorn se dokonce setkal s McGawovými rodiči, aby jim ukázal podporu pro práci svého syna. McGaugh také studoval u Leona Goldina, který vyučoval abstraktní malbu.
Figurování nebylo pro McGaugha tajným koníčkem. Stejně jako ostatní umělci druhé generace se neomezoval na žádný konkrétní směr a přecházel z jednoho stylu do druhého. Jedna z raných zralých figurativních prací McGaw jasně ukázala Diebenkornův vliv, ale také ukázal své vlastní myšlenky. Rád pracoval ve velmi malém měřítku, rozkládal tělo na standardní pohledy na trup nebo jeho neobvyklé části.
Nejdůležitějšími díly Bruce McGaugha jsou "Abstrakce" ( Abstrakce , 1955), "Postava" ( Obrázek , 1957), "Patt's Feet" ( Patt's Feet , 1957).
Joan Brown (1938-1990) se v letech 1955 až 1965 věnovala figurativní malbě, z toho polovinu byla studentkou Kalifornského institutu výtvarných umění. V důsledku toho je její období zralého figurativního umění nejkratší mezi nejvýznamnějšími umělci. Navzdory tomu její produktivita produkovala některá z nejdůležitějších děl figurativní malby v oblasti Bay Area [18] .
Po střední škole ji rodiče chtěli poslat do Lone Mountain, katolické ženské vysoké školy. Při hledání alternativy narazila na inzerát Kalifornské školy výtvarných umění. Atmosféra ve škole se jí líbila, i když Joan se o malování příliš nezajímala. Po nepříliš úspěšném prvním ročníku chtěla odejít, ale nakonec zůstala na schůzce se svým budoucím manželem Billem Brownem, který jí navrhl absolvovat kurz krajiny u Bischoffa. Zasvětil ji také do dějin umění a nabídl jí, že si přečte několik knih o Goyovi , Velázquezovi , Rembrandtovi a impresionistech .
Nejvýznamnějšími díly Joan Brownové jsou Žena a pes v pokoji s čínským kobercem (1975), Noel u stolu s velkou mísou ovoce , 1963) [19] .
Manuel Neri (narozen 1930) je sochař. Jako všichni mladí umělci v Bay Area byl na začátku své kariéry abstraktním umělcem. Po absolvování California College of Arts and Crafts v roce 1959 se obrátil k figurativnímu umění. Neri ve svých dílech dbal na barvu a formu, přičemž obsah ponechal nejasný. Právě nespecifičnost jeho postav a jejich abstraktní kvality z něj udělaly součást figurativního umění Bay Area, a ne jen moderního amerického figurativního sochaře.
Neri, stejně jako Nathan Oliveira, neměl v mládí žádný zájem o umění. Neri si ve škole vybrala kurz keramiky kvůli jednoduchosti ve srovnání s jinými předměty. Jeho učitelem byl Roy Walker, který podporoval umění. V důsledku toho Nery opustil svou kariéru inženýra a začal studovat na California College of Arts and Crafts v roce 1951, ačkoli se oficiálně zapsal až v roce 1952.
Nejvýznamnějšími díly Manuela Neriho jsou Untitled Standing Figure (1956-1957), College Painting No. 1 (1958-1959) [20] .