Matierismus ( fr. Matiérisme ) je obrazové hnutí související s evropským neformálním uměním , které vzniklo ve Francii krátce po druhé světové válce . V Evropě se rozšířil koncem 40. a začátkem 50. let 20. století . Významnou roli v šíření hnutí sehrál francouzský historik umění Michel Tapie [1] .
Předpokládá se, že maternalismus se zrodil ve Francii poté, co se objevila díla umělců Jeana Fautiera a Jeana Dubuffeta . Charakteristická je však i pro díla Antoniho Tapiese , která byla ve Španělsku připisována hnutí pintura materica - materiálové malbě v letech 1947-1948. Také u počátků hnutí je práce Alberta Burriho , který popsal svůj styl jako „polymaterialismus“ a vytvořil díla z pemzy, pryskyřice a pytloviny, a práce Lucia Fontany , odkazující na prostorovost .
Španělsko , Itálie a Francie jsou tedy zeměmi, kde se materiálová malba rozvinula nejvíce, právě zde vznik nového směru odráží stávající hnutí jako COBRA a Gutai .
Hlavním znakem materismu je abstraktní malba s použitím různých netradičních materiálů přidaných na plátno, konzervovaných jako hlavní nosný materiál díla a zpracovaných v tloušťce a impastu pomocí oxidu zinečnatého , uhličitanu vápenatého nebo polymerovaného oleje , s nečistotami jako jsou: písek , štěrk , sádra , vosk , dehet , hadry , dřevo , nitě , kusy skla , kovový šrot , botanické předměty a tak dále. Kromě přidávání těchto atypických materiálů mohl umělec povrch figurálního materiálu třít různými nástroji nebo holýma rukama, zanechávat za sebou stopy škrábanců, řezů nebo dokonce otisků vzorovaných předmětů, případně použít lak, který způsobil deformaci, praskání a praskání. také by mohlo dojít k deformaci nebo částečnému zničení povrchu použitím řezů, propíchnutí nebo popálení. Barvy pláten se mohly lišit a kompozičně se plátno mohlo skládat z odlišných ploch s přidáním materiálu nebo bez něj [2] .
Před vzestupem hnutí existovaly v dějinách umění precedenty, kdy jiní umělci zacházeli s plátnem ledabyle nebo do něj vnášeli prvky, které byly malbě cizí.
Kubisté do svých koláží zařazovali atypické materiály, písek, novinové články nebo krabičky cigaret , např. Pablo Picasso na obraze Hlava muže s kloboukem (1912-13) použil uhel, olejomalbu, inkoust, písek a papírové tyčinky popř. Georges Braque v Compotier , láhev a sklo , (1912), použil plátno, olej a písek. Zvláštní způsob zpracování povrchu plátna (řezy, záhyby) měli již dadaisté , např. Paul Klee na obraze Anatomie Afrodity (1915), Jean Arp na obraze Der Hirsch (1914). V dílech již hotového Marcela Duchampa „ Bicycle wheel“ (1913), Raoula Hausmana a Ray Mana lze vysledovat předjímání umění asambláže , některé práce byly provedeny na jiných površích než plátno (dřevěné desky, kov , atd.); zatímco kubistické sochy Picassa a Henryho Lorena ovlivnily ruské avantgardní umělce jako Vladimir Tatlin („malířské reliéfy“ a „kontrareliéfy“ z roku 1914) nebo „ Kompozice “ Ivana Pugniho (1915).
Nakonec surrealisté také začali na plátno nanášet různé materiály, například Andre Masson na plátně „ Mrtví koně“ (1927), olej a písek na plátně, „ Prohnilý osel “ Salvadora Dalího (1928), použitý olej, písek, štěrk na dřevě, Joan Miro , in C ollage , (1929), použitý pryskyřičný papír, tužka, brusný papír, drát, šité látky nalepené na položený papír položený na překližce.
Pokud jde o zpracování obrazového materiálu, kromě „škrábání“, které použil Antoine Pevsner na obraze Žena v přestrojení , (1913), poté Max Ernst , Paul Klee nebo Esteban Frances, začali umělci používat vosk, průkopník Camille Briand v roce 1936 a Viktor Brauner v roce 1943. Ten bude také jedním z prvních, který bude připevňovat předměty přímo na velká plátna, přičemž si zachová jejich podpůrnou roli, jako jsou celuloidové panenky a umělé rostliny. Simon Huntay nakonec dokonce představí zvířecí kostry.
Informalističtí umělci nebo ti, kteří v Americe uspěli v abstraktním expresionismu , používají stejné metody a také obnovují myšlenku kombinování každodenních předmětů nebo odpadu z plátna ( nový realismus , pop art , COBRA atd.). S přihlédnutím k velikosti a různé povaze materiálů (dřevo, kov, plast). Většina těchto děl je pak snadněji asimilována s asamblážemi vyplývajícími z dadaistického či surrealistického příkladu, nebo dokonce s trojrozměrnými díly či skutečnými sochami (Lie Bontecou, Martial Rice , Daniel Spoerri atd.) [3] .
Jean Fautier vyzdvihuje věcnost svých obrazů a ukazuje je „předmětům“. K nereálnosti absolutního „neformálu“, který podle jeho názoru nelze za účelem vyvolání emocí zbavit reálné části, přidává protest proti praxi „uvolněné konfigurace“, jejíž vzorec platí i pro ostatní umělci, jako jsou Wols nebo Henri Michaud .
Jean Paulan o technice Jeana Fautiera píše, že si vyrobil vlastní materiál, který obsahuje akvarel a fresku, temperu a kvaš, kde se drcený pastel mísí s olejem, tuší a benzínem. Vše se narychlo nanáší na mastný papír a nátěr přilne k plátnu. Nejednoznačnost v jistém smyslu opouští téma. [čtyři]
V kontextu, kterému dominuje existencialismus , představuje Jean Dubuffet své umění jako tvůrčí proces, z něhož musí mít divák možnost zažít vývoj prostřednictvím stop, které umělec zanechal. Zkoumá několik metod zpracování svých obrazů ( Paysage Vineux , (1944); Dhôtel nuancé d'abricot , (1947); La Mer de peau , (1958), série obrazů Hautes Pâtes (1946), Pâtes battues (rok 1953) , Peintures laquées (1954) používá různé druhy asambláže . Maďarský umělec Zoltan Kemeny použije stejné techniky, přidá kusy kovu, např. dílo Orient Fair , (1948), používá reliéfní koláž na panelu, maltu , olej, sádra, kov, hadry [5] .
Antoni Tapies , vystavující své dílo poprvé v roce 1948 na Salonu 1. října v Barceloně, projevuje ve svých kompozicích zvláštní zájem o řezy, řezy, uzly a škrábance. Své dílo popisuje jako „bojiště, kde se donekonečna množí rány“, postrádající všechny anekdotické rysy a „podporující, jak říká, všechny imaginární, nevědomé, anachronické impulsy...“. Věnuje se také výzkumu na toto téma. Grafické a plastické prvky, které používá, jsou na plátně a tvoří svůj vlastní vesmír. Opracovává povrch a používá také techniky impasto , škrabání a koláže . Právě smícháním lepidla a barviva, někdy spojovaného s pískem, prachem, zeminou, mramorovým práškem, sametem, slámou, papírem a předměty, jako jsou hadry, provazy nebo přikrývky, nachází Tàpies zcela originální médium, materiál, kterým vyjadřuje hloubku. , tvary, stín, světlo, práce s nářadím, ale i s vlastním tělem. V této otázce, pevné, tlusté, písčité, v této struktuře, která je zároveň magmatem, lávou a bahnem, umělec vstupuje, řezy a řezy. Kříž nabývá různých forem, skvrny, obdélníkové tvary (které vypadají jako uzavřené prostory, stěny, zavřené okenice), písmeno T jako podpis jsou opakující se prvky jeho plastické slovní zásoby. Z jeho děl si lze všimnout ( Collage de riz et cordes , (1949), Le feu intérieur , (1953), Peinture avec croix rouge , (1954), Rideau de fer au violon , (1956). V roce 1960- V r. V 90. letech spolupracoval s Manolem Millaresem, Antoniem Saurou a mnoha dalšími umělci.
V roce 1948 vystavoval Alberto Burri svá první abstraktní díla v Galería La Margherita v Římě a poté v roce 1949 v Paříži na Salon des realités nouvelles. Právě tentokrát jsou jeho série " Catrami " (dehtové) a " Muffe " ( shnilé ) datovány . V roce 1950 založil s Ettorem Kollou uměleckou skupinu Origin. Následně rozvíjí techniku koláže a vnáší do malby použití heterogenních prvků vypůjčených z každodenní reality, přičemž využívá i materiály, které se používáním rozkládají, jako je ohořelé dřevo a hadry. Jeho výzkum, který je předmětem přímého zájmu kritiků, podněcuje úvahy o „estetice odpadu“, která je zásadní pro art brut a nový realismus . V roce 1952 začal vyrábět svou slavnou sérii „ Sacchi “ (tašky), do které zahrnul pytlovinové pytle, které namaloval, seškrábal a namočil do lepidla, než je zakryl použitou látkou a jinými materiály. Od roku 1969 používá ve svých dílech kusy dřeva, rezavé plechy deformované vysokým žárem, pálený plast. Od roku 1973 začal vytvářet sérii " Cretti " (trhliny), díla byly velmi velké kompozice, které využívaly pryskyřice, připomínající praskání sluncem vysušeného bahna. Využití prasklin jako rytmického procesu připomíná starou čínskou keramiku ( Cesare Brandi ). Nakonec v 70. letech začal Burri zavádět do své práce cellotex (směs pilin a lepidla) s velmi malým počtem barev: černou, bílou a zlatou.
Již v roce 1949 začal Lucio Fontana malovat jednobarevné povrchy a „špatně s nimi zacházet“ vytvářením děr nebo zářezů na plátně. Nový typ práce nazývá „ Space Concept “. V roce 1950 zakládá Spacialismus , hnutí, na kterém se podíleli i další umělci jako Roberto Crippa , Enrico Donati a Emilio Scanavino . Specializovaní umělci se již nevážou na barvu a malbu plátna, spíše než aby na něm vytvořili obrazovou konstrukci trojrozměrného charakteru, motivovanou zachycením pohybu v časoprostoru prostřednictvím uvědomění si skrytých přírodních sil elementární částice a světlo, které nekontrolovatelně působí na povrch plátna.
Kvůli nehodě, která poškodila jeden z umělcových obrazů naplánovaných na výstavu v Paříži , pak Fontana toto poškození napraví suverénním gestem škrábání, děrování a řezání roviny obrazu čepelí, břitvou, řezákem, aby odhalil tři- dimenzionální prostor.
Jacques Daucet ze skupiny COBRA také mění povrch některých svých obrazů, jako například „ Equilibrists “ (1948), a mezi umělci patří do skupiny Gutai , kterou v Japonsku založil Jiro Yoshiharo a v Evropě ukázal Michel Tapie . Kazuo Shiraga tedy maluje bosýma nohama, plátna vznikají, když umělec, držíc se lana visícího ze stropu, vytváří dílo pouze nohama, zatímco Shozo Shimamoto obraz trhá, poškozuje plátno a používá dělo, které promítá smaltované malovat. Umělecká vystoupení skupiny Gutai výrazně ovlivní hnutí Fluxus .