Nositelné umění nebo art-a-porter (angl. Wearable art , fr. Art-a-porter) je jedním z druhů umění a řemesel zaměřených na vytvoření kusu oděvu nebo doplňku, který má umělecký význam. Nositelné umění je velmi těžké nazvat oblečením, i když jeho předměty vypadají jako známé věci. Jinými slovy, kromě estetické složky by dílo „nositelného umění“ mělo být považováno za vážné a jedinečné umělecké dílo.
Při vytváření art-a-porter používá umělec širokou škálu materiálů ( kůže , plast , kov , tkanina , papír , živé rostliny atd.), které jim dávají požadovaný tvar a barvu.
Od konce 19. století až do současnosti se lidé často rozhodli nosit oděvy, které se záměrně liší od konvencí haute couture nebo je zpochybňují . Koncem 19. století, na prahu éry modernismu , byl tzv. umělecký nebo estetický kostým (nikoli kostým umělců) výsledkem reformního hnutí v módě, v podstatě antimódní. Tento trend, původně spojený s feminismem , se později stal majetkem obecného vkusu, zmíněný oděv nosili především představitelé buržoazní inteligence v uměleckých a literárních kruzích (i samotní umělci a spisovatelé). Tato móda našla širokou podporu nejen ve Velké Británii , ale také ve Spojených státech , v Evropě a v menší míře i v britských koloniích, jako je Austrálie . Vycházel z myšlenky rozdílu mezi ruční a sériovou výrobou a byl to spíše oděv idealistů, nikoli módních.
Ve 20.–30. letech 20. století. móda byla považována za součást kontrakultury. Takové oblečení a šperky (často ručně vyráběné) sloužily jako alternativa k hromadné výrobě. Oblíbené byly zpravidla neobvyklé světlé barvy charakteristické pro dámské šaty minulého století. V Austrálii ve stejných desetiletích návrháři experimentovali s modernistickými vzory na šátcích a textiliích s použitím australských motivů (často botanických). Je zřejmé, že ručně vyráběné oblečení bylo v tomto případě proti masově vyráběnému oblečení. Lucy Dalgarno (1874–1945), návrhářka ze Sydney, ve dvacátých letech minulého století malovala látky a brože pomocí místních motivů. Je ironií, že také malovala batikované oblečení pro špičkový obchod s masovou módou Davida Jonese .
Avšak teprve nonkonformní , anti-masová kontrakulturní estetika 60. let přivedla k životu koncept nositelného umění. Nejen umělci, návrháři nebo intelektuálové, ale i muži a ženy vedoucí alternativní životní styl přehodnocovali známé vazby mezi textilem, ženskou prací a ručními pracemi. Tento vysoce opoziční styl oblečení, zasněný, s převahou květinových vzorů, je běžně známý jako „ hippie “. Svědčil o odmítání konzumního unifikovaného oblečení i populistické politiky. Zdobení ručně vyráběnými detaily a znaky, které bylo původně individuálním povoláním, si získalo oblibu a začalo se používat ve standardním oděvu. Tito odpadlí designéři vytvořili brikoláže z použitých a ručně vyrobených látek a oblečení v originálních barvách, inspirovali se tradicemi mimoevropských kultur: Asie , Indie , Střední východ . Styl art-a-porter byl běžný na západním pobřeží Spojených států (zejména v San Franciscu ), Velké Británii, Austrálii a Novém Zélandu.
V 60. a začátkem 70. let se na módním trhu začalo objevovat oblečení s „autobiografickým obsahem“. Sedmdesátá léta lze označit za bouřlivou dekádu, ve které byly konzumentem asimilovány drsné, retro a etnické motivy, pozůstatky pozdního kontrakulturního hippie stylu, což vyvrcholilo zhrubnutím stylů v druhé polovině sedmdesátých let. Pojem nositelné umění dnes začíná získávat odpudivě kýčovité konotace a postupně ztrácí na aktuálnosti. [jeden]
Americká umělkyně Darla Theagarden vytvořila šaty z papírových košíčků s fotografiemi očí uvnitř. Výtvor se jmenuje sugestivně - Lovers Eye Archived 20. září 2015 na Wayback Machine . Američanka Eloise Corr Danch vytvořila z papíru úžasné šaty ve stylu španělské módy 16. století. A Jolis Paons uvedla na trh koktejlové šaty s tutu sukní, které byly vyrobeny ze spousty návodů pro mobilní telefony [2] .
V roce 2015 představili nizozemští návrháři Viktor Horsting a Rolf Snoeren [ 3] kolekci „Wearable Art“ na přehlídce Haute Couture v Paříži. Zpočátku malebné reprodukce zdobené v drahé bagetě zdobily kostýmy ženských modelů, ale s příchodem dvou módních návrhářů na scénu okamžitě změnily svůj účel. Viktor a Rolf přímo během přehlídky odstranili z modelů „obrázky“ a přeměnili je na součást dekorativní výzdoby jeviště. Modelky se tak snadno proměnily v pohyblivá umělecká díla a nadrozměrné siluety šatů svými hranatými detaily připomínaly neskutečné architektonické fantazie.
Na Novém Zélandu byla v roce 1987 založena každoroční soutěž s názvem New Zealand Wearable Art Awards. V roce 2001 byla akce přejmenována na World of Wearable Art, neboli WoW [4] . Soutěž je sérií tematických velkolepých přehlídkových mol s ukázkou mimořádně originálních kostýmů a doplňků, které spojuje společný koncept, spojený s choreografií , zvukem , osvětlením a speciálními efekty . Akce se účastní místní i zahraniční umělci a designéři.
Od roku 1993 existuje nová tichomořská sekce, později nazvaná „Oceánie“, ve které existuje kategorie „nositelné umění“. Pouliční módní přehlídka je součástí veřejného festivalu založeného jako pokus vyjádřit politické názory radikalizované části populace na stav věcí v Pacifiku. Rozvinula se v samostatnou akci Style Pasifika [5] , která se soustředila méně na nositelné umění než na pacifické kreativní módní styly a body art .
V roce 1998 začalo australské město Broome pořádat každoroční zábavní akci s uměleckými díly navrženými k nošení z různých materiálů.
V roce 2002 uspořádala společnost Port Moody Art Center Society v Britské Kolumbii své první výroční ceny Wearable Art Awards a ve stejném roce udělila Sandy Bay v Tasmánii v Austrálii své první výroční ceny „Fashion Fantasy“ (Fashion Fantasia), které vyhlásily tělo jako plátno pro nejneobvyklejší a originální oblečení. [6]
Někteří odborníci na umění se domnívají, že móda není umění. Za vší provokativností, s jakou se tvoří outfity a aranžují módní přehlídky, se skrývá žízeň po zisku a chuť provokovat . Pro své vizuální reference je móda ovlivněna výtvarným uměním , fotografií a filmem . Aby podpořila každou z mnoha kolekcí, které každý rok vytváří, využívá tyto snímky tak nemilosrdně, že jejich témata rychle ztrácí smysl. [7]
Obecně platí, že uvažovaný termín „nositelné umění“ získal pejorativní asociace a samotný koncept vyšel z módy. To je považováno za populistické a je často spojováno s místními uměleckými akcemi a propagacemi. Mnoho malých podniků však stále prodává tento druh personalizovaného oblečení a šperků předstírající umění přes internet. [6]