| Stanislav Sychev | |
|---|---|
| Jméno při narození | Stanislav Ivanovič Sychev |
| Datum narození | 19. prosince 1937 |
| Místo narození | Oděsa , SSSR |
| Datum úmrtí | 2. září 2003 (65 let) |
| Místo smrti | Odessa , Ukrajina |
| Státní občanství | SSSR → Ukrajina |
| Studie | umělecká škola v Oděse |
Stanislav Ivanovič Sychev ( ukr. Stanislav Ivanovič Sichov ) (19. prosince 1937, Oděsa - 2. září 2003, Oděsa ) - ukrajinský umělec , jeden ze zakladatelů oděské školy neoficiálního umění.
Stanislav Sychev se narodil 19. prosince 1937 v Oděse [1] .
V roce 1960 absolvoval Odessa Art College . Grekova (učitelka Frumina, Dina Mikhailovna ).
V letech 1961-1963 žil a pracoval v Uzbekistánu .
Mnozí kritici se domnívají, že Sova + Chruščík, uspořádaný 8. května 1967 na „ Výstavě plotů “ mladými umělci Stanislavem Sychevem a Valentinem Chrušchem na plotě Opery v Oděse, se stal výchozím bodem „Odeského nonkonformismu“ [2 ] . Tato výstava trvala pouhé tři hodiny [2] .
V 70. letech se účastnil neoficiálních výstav v Oděse a Moskvě. V roce 1989 se zúčastnil mezinárodní výstavy "Impreza" v Ivano-Frankivsku . V letech 1989 a 1994 se konaly jeho samostatné výstavy v Oděském muzeu západního a orientálního umění [3] .
Stanislav Sychev zemřel 2. září 2003 v Oděse [4] .
Sychevova díla jsou dnes rozptýlena po zemích a kontinentech. Jeho obrazy, akvarely a kresby jsou uchovávány ve veřejných i soukromých sbírkách, mnohé u náhodných vlastníků, kteří nevědí, co mají.
Málokdy dnes někdo má takový univerzalismus obrazového myšlení. Možná by bylo přesnější nazvat tuto vlastnost Sychevova talentu rozsáhlou multivariancí. Vášnivě pracoval na monumentálních nástěnných malbách - fresce v prostorách Oděské umělecké školy (na příkaz administrativy, která se obávala příliš svobodné kreativity svých nejnadanějších studentů), byla brzy zničena. Pracoval na fresce v Uzbekistánu , prodchnuté radostnými a rafinovanými národními motivy. Pracoval na dalších monumentálních věcech, jejichž osud byl často stejně dramatický jako u školní fresky. V jeho životě bylo celé období velkoplošných obrazů: tragické, zběsilé, kde červená barva pulzovala, prorážela plátno silnými tahy. Byly to stojanové obrazy obrovských rozměrů: 3x4 metry, 5x5 metrů - takové je měřítko toho obrazu, který brzy šel do ohně. Měřítko úměrné tragické intenzitě umělcovy osobnosti. Ale vedle těchto pláten, kdysi spálených vlastníma rukama na dvoře vlastního domu a uchovaných pouze ve vzpomínkách blízkých, jsou jeho dochované rytiny. Bude se o nich diskutovat. Rytina je aristokratické umění ve své zdrženlivosti: černá linka, skvrna, bílý list. Žádný volný pohyb štětce, volné rozstřikování barvy. Pečlivě ověřený pohyb rycí jehly, řezačky, rytce. Zachoval a pečlivě zachoval rodinou umělce, jeho rytiny jsou kouzelně miniaturní, jejich průměrná velikost je 2x3 centimetry. Zde je „suchá jehla“ – dnes již téměř zapomenutá technika škrábání zrcadlového obrazu na kovovou desku, která se pak ocitne v tisku. Tato drobná mistrovská díla ukazují, jak se vší vervou zvládl vyčerpávající techniku rytí. Lept lept, suchá jehla lept, linoryt , dřevoryt (dřevořez) . Je to skutečně stejná ruka, stejné oko, stejná duše, která vytvořila mocnou zuřivost Sychevových tragických pláten a nepatrnou virtuozitu jeho rytin? Díky počítači v nich můžeme donekonečna listovat, zvětšovat a vzdalovat se od sebe, přičemž nezapomínáme, že na rozdíl od tradice tištěné grafiky existují tyto věci každá v jediném exempláři. Nebyly replikovány, zachovány pouze v prvním tisku. Měli štěstí - oni, malí a křehcí, přesto přežili.
Kreseb Stanislava Sycheva je málo a jsou v čase nerovnoměrně rozmístěny. Jednoznačně převažují studentské naučné práce z let 1956-1958 , prezentovány jsou roky 1961 a 1965 , z ostatních zbylo jen pár listů. Z nich lze jen hádat, jak umělec vyrostl v náročném umění kresby: od klasického studia přírody přešel ke stále svobodnějšímu vlastnictví čisté linie, uvolňující formu z roviny listu (kresby „ uzbecké“, „kočky“) a k příjemně uvolněné, ironické hře čáry s rovinou („koza“).
Kresba , kupodivu se to divákovi může zdát, je obecně tím "nejchudším" sběratelským zbožím. Sběratelé vědí, že na trhu s uměním se nejméně setkáte s kresbami. Sami umělci s nimi často zacházejí bez jakékoliv úcty, jako čistě pomocný materiál pro budoucí obraz, takže kresby jsou zřídka zachráněny. Jenže roky ubíhají a náhodně zachovaná skica získává autenticitu a věrohodnost dokumentu. To je také případ Sychevových kreseb uvedených v této části.
Sychevovy akvarely jsou zvláštní sférou jeho obrazové existence. V akvarelu list vždy prosvítá barvou, což mu dodává svítivost, která je pro tuto techniku známá. Ale v prostěradlech Stanislava Sycheva v žádném případě nedominuje svítivost a vzdušnost. Jeho akvarelový list je strukturován linkami, které vytrhávají formu z neexistence a fixují ji v prostoru. Prostor samotný je vytvořen rafinovanou technikou: umělec zcela důvěřuje volnému pohybu barevných skvrn po rovině. V interakci s lineární strukturou listu v něm vytvářejí závan objemu. Velký ruský umělecký kritik Pavel Florenskij tvrdil, že čára v díle ztělesňuje myšlenku a barva emoce. Sychevovy akvarely jsou přesně takové. Vyžadují přemýšlivý pohled, intelektuální „cit“. Podívejte se na jakýkoli list Sychev, alespoň "Psi létají" (7x10 cm, 1979 ) s jeho červeným výkřikem. Barva je zde ve skutečnosti vyjmuta ze subjektu, existuje jako nezávislá emoce, jako výkřik duše, který se ve věci nezhmotní. Tyto akvarely nejsou ani tak jemné a zářivé, jako spíše skryté a často upřímně tragické a dojemné, hustě smíchané s hořkostí pocitu světa. Zde jsou před vámi v souboru nazvaném jednoduše „Akvarel“. Ale tohle je akvarel od Stanislava Sycheva.
K dispozici je mnoho raných portrétních děl a portrétů z poslední dekády umělcova života. Sychevova díla z 50. let jsou formálně vzdělávací. Ale v žádném případě nejsou studenti nebo mladiství. Při pohledu do těchto tváří vidíme lidi a vidíme člověka: vidíme lidi zobrazené na plátně a vidíme osobu, která je zobrazila - mladého muže, téměř chlapce, který má schopnost dívat se na hrdinu stejně objektivně jako možný. V tomto vzhledu je něco zvláštního: jemnost štětce, tak zřídka vlastní mládí.
Mladý Sychev má přísnou malbu, prodchnutou úctou k zobrazené osobě - školní model, atraktivní dívka, otec na portrétu. Uplyne pár let a v portrétech se objeví pronikavý pocit úzkosti (například "Autoportrét", postavený na červené a mnohé další). Tento pocit doslova nahlodává harmonii realismu dosažené v raných portrétech. Destrukce akademické formy výrazem světonázoru se stala jedním z určujících faktorů dalšího vývoje umělce. Tento proces je nepředvídatelný, protože se ukázalo, že jde o dialog.
Sychevského dialog se sebou samým vedl v 90. letech k jeho pojetí ženského portrétu , které se mnohým zdálo nečekané. Mluvíme o takových dílech jako "Patricia Valeria", "Melodie pro Hellas", "Tanec Salome", "Helga's Spring". Ptali se: co je? Styl Belle Epoque , opožděná pocta Salonu nebo něco jiného? - Myslím, že je to poslední. Takové ženské portréty Sychev jsou nepovedeným setkáním hrdinek se sebou samými. Kdo ve skutečnosti "v životě" tyto hrdinky, nezáleží na umělci. Ostatně ve svých básních psal: Je mi jedno, kdo jsi - princezna nebo prostitutka, hrdinka a co se stalo na cestě životem... Opravdu všichni víme, kdo jsme, ale ne jeden ví, kdo bychom mohli být. Těmito portréty umělec ukazuje ženám, kým by mohly být. Být tam, „v nějakých vzdálených staletích“, jak řekla básnířka ( Anna Akhmatova ). Umělec zavedl své hrdinky do prostoru bytí a doby existence, kterou vytvořil. Vzal je a nechal je tam, na fotkách. Taková je cesta portrétů Stanislava Sycheva od 50. do konce 90. let , které divák uvidí v této sekci.
Vše, co Sychev napsal, se promítá do člověka - ať už je to interiér, zátiší nebo krajina (ve skutečnosti se v jeho čisté podobě prakticky nevyskytují). Bydlením u moře mu zůstala marina jako taková cizí, ale rozvinul si vlastní autorský žánr, který bych rád nazval „člověk a živly“. Podívejte se na akvarel "Vítr", kde je zápletkou boj dívčího těla s tlakem vzduchu. Ale takový fyzický boj člověka s živly je u něj spíše výjimkou. On, obyvatel města a jižan, proměňuje interakci člověka s živly vody, slunce a vzduchu ve výpověď jejich spřízněnosti, v interakci spřízněných věcí. Sychev viděl lidské tělo jako něco, co je přirozené pro vodní živel, ohřívaný sluncem a stává se jeho částicí, jako něco přirozeně zahrnutého v plastických rytmech mořského pobřeží. Nápadně krásná jsou těla jeho žen, ležící na břehu moře a omývaná vlnami. Jsou podobné přírodním živlům, jsou součástí této rytmické bytosti a jsou jí generovány. Neviditelná přítomnost člověka v krajinách střední Asie („Kittab“, „Mulberry Tree“) je spíše výjimkou z autorova pojetí. Obvykle je jeho osoba začleněna do krajiny jako viditelné ztělesnění individuálního stavu postavy. Při listování v reprodukcích krajinářského žánru Stanislava Sychova v nich divák zachytí ani ne tak „krajinu duše“, jako krajinu, v níž dominuje samostatný prvek – neodolatelný prvek, jehož jméno je Osud.
Všem milovníkům výtvarného umění dobře známá definice „žánrové malby“ je často chápána jako synonymum pro výraz „každodenní žánr“ , tedy obraz, ve kterém se něco děje. Toto „něco“ v dějinách evropského umění umělci chápali různými způsoby: od svědomitého seřazení postav na obrovské plátno akademiky až po „vytržení“ stavu z proudu momentů impresionisty. Jak však poznamenal přísný a všímavý kritik, impresionisté tak proměnili vše v krajinu, dokonce i lidskou tvář (o události nemluvě). Ve snaze neutopit se v hlubinách teorie žánrů si položme otázku: odkud čerpal výtvarník Stanislav Sychev náměty? Kde jsi to hledal, kde jsi to našel? Rám obsahující děj se často ukazuje jako okna obydlí (náhodný pohled z okna), okna auta, tramvaje, pootevřené dveře. Umělec si tak vyhrazuje právo neskládat postavy na prázdné plátno, nezasahovat do jejich vztahu, ale zafixovat kompozici již složenou Jejich Veličenstvo Chance. Samozřejmě je to vědomá technika - ale jaká míra uměleckého taktu, jemná úcta k hrdinům budoucího obrazu! Co se děje, je řečeno jediným způsobem: tak, jak je to zobrazeno. Plátno „Na přístavu“ lze formálně nazvat krajinou – ale nazvat to tak absolutně nelze, protože obraz je o něčem jiném. Je o osamělosti člověka v krutém chladném světě, kde jedinou živou duší je pes. Pronikavá žlutá barva, chrastící obrysy postav postav vytvářejí žánrovou scénu věnovanou skutečně beznadějné osamělosti a setrvání v divákově paměti jako ukázku sičevského „ tvrdého žánru “. Mnoho děl Stanislava Sycheva, formálně navazujících na portrét nebo skicu, je ze své podstaty přesně „tvrdým žánrem“. Jak vysvětlit tento příležitostný (tedy složený pro konkrétní příležitost) termín? Hledejme metaforu. Milovníci jazzu dobře znají úžasnou definici: "Blues je, když se dobrý člověk cítí špatně." Nejde o obrazy Stanislava Syčeva, které se sice formálně dají definovat jako dějová či portrétní malba, ale ve své podstatě jsou ryze syčevským „tvrdým žánrem“? Obrázky o tom, jak jsou dobří lidé špatní. Jsou před vámi. Buďte vstřícní! Byl tak nadějný .