Obrazy neživých předmětů se v umění vyskytují již od starověku . V následujících staletích prvky zátiší existovaly v jiných žánrech maleb na mytologická, náboženská a historická témata. Avšak až v porenesanční době a především v Holandsku 17. století se zátiší začalo vyčleňovat jako samostatný žánr výtvarného umění [1] .
Holandské zátiší mělo velké množství odrůd, mezi nimiž lze rozlišit květinové zátiší, „vědec“, „kuchyň“ a také takzvané „prostřené stoly“. Monochromatické „snídaně“ se staly typickým holandským typem zátiší, které se vyznačují lakonismem obsahu, zdrženlivostí barev a sjednocující rolí světelného a vzdušného prostředí.
Většina malířů zátiší patří k tzv. „ malým Holanďanům “. V tomto žánru působili Pieter Claesz , Willem Claesz Heda , Willem Kalf , Abraham van Beijeren , Baltasar van der Ast , Willem van Aelst , Jan van Huysum a další .
Nizozemsko zažilo v první polovině 17. století nebývalý hospodářský a kulturní rozkvět. Byly hlavním obchodním centrem severní Evropy, holandské lodě neustále pluly mezi nizozemskými přístavy a koloniemi v Asii a Africe. Vysoké úrovně bylo dosaženo ve společenských vědách, mechanice, matematice, fyzice a přírodních vědách. Díky všem těmto okolnostem se nizozemští měšťané snažili zvěčnit svůj blahobyt v umění [2] .
Nizozemští umělci reagující na tento požadavek se opírali o tradice nizozemské renesance , zejména o práce Roberta Campina , Rogiera van der Weydena , Jana Gossaerta a dalších, kteří začali hojně využívat prvky zátiší v malbách s náboženskou tematikou. V 16. století začali Bartholomeus Brein starší , Dirk Bouts , Peter Aartsen , Joachim Beikelar , Bartholomeus van der Helst a další tvořit obrazy, v nichž vystupovaly do popředí motivy zátiší a výjevy ze života Krista se přesouvaly do hlubin [3] .
Obrazy byly v 17. století určeny zpravidla k výzdobě interiérů a měly komorní formát. Jejich zápletky odrážely každodenní život holandských měšťanů a umělci úzkostlivě zaznamenávali objektivní svět kolem nich. Poprvé na obraze zaujaly své místo různé předměty, nikoli kvůli symbolickému významu, který se jim váže, ale výhradně kvůli jejich vlastní kráse a malebnosti [2] .
Zátiší jako samostatná větev vyniklo kolem roku 1600 [4] . Nový žánr se v Holandsku nazýval „ stilleven “ (doslova „tichý život“), i když se tento termín začal používat až v polovině 17. století. Dokonce i Holanďané měli na mysli obraz přírody, nehybné v době obrazu. Proto spolu s květinami, ovocem, jídlem, pokrmy, lebkami, mrtvými rybami a mrtvou zvěří lze v holandských zátiších 17. století vidět obrazy hmyzu, ještěrek a dokonce ptáků a zvířat [5] .
Holandské zátiší prošlo ve svém vývoji řadou etap, z nichž každá měla svá specifika. V rané fázi převládala květinová zátiší, což odráželo holandskou fascinaci květinářstvím. Malíři nastupující generace ( Klas , Kheda aj.) přešli ke skromným „snídaním“ s kovovými a skleněnými předměty seskupenými na bílém ubrusu. Tato zátiší se vyznačují stručností a jednoduchostí; všechny komponenty jsou navrženy v jediné zašedlé škále. Takzvaná „rybí“ a „kuchyňská“ zátiší odrážela skromný puritánský vkus demokratických vrstev první poloviny století [6] .
Později s posilováním měšťanstva a jeho postupnou aristokratizací se mění i požadavky na umění. V letech 1650-60 v díle Willema Kalfa a Abrahama van Beyerena ztrácí zátiší svůj skromný, jednoduchý charakter, stává se luxusnějším a velkolepějším a nápadným v bohatosti barev. Jeho stálou součástí jsou exotické ovoce, elegantní sklenice a cenné šperky, zalité teplým a měkkým světlem [7] . V „loveckých“ zátiších Jana-Baptista Venikse a Melchiora de Hondekutera je také patrný nárůst dekorativnosti a touhy po vnějších efektech.
Námět a vývoj zátiší ovlivnila nejen doba, ale i místní zvláštnosti konkrétního města. Tak například v rychle se rozvíjejícím Haarlemu se silnými občanskými sdruženími se vyvinul typ tónového zátiší a v centru hospodářského a kulturního života Holandska - Amsterdamu - vznikly luxusní "dezerty" Kalf a Streck. . V Haagu , centru námořního průmyslu, pracovali tvůrci „rybího“ zátiší Pieter de Putter a Abraham van Beijeren a v univerzitním městě Leiden „filosofické“ zátiší s vyobrazením lebky a oblíbené byly přesýpací hodiny, připomínající křehkost pozemské existence [8] [7] .
Charakteristickým rysem nizozemského malířství 17. století byla extrémně úzká specializace umělců. V rámci hlavních žánrů, které malbě tohoto období dominovaly – krajina, zátiší a každodenní žánr – existovaly četné podžánry. Bylo to dáno vysokou konkurencí na malířském trhu: čím již existovala oblast, na kterou se ten či onen malíř specializoval, tím více dovedností v ní mohl dosáhnout [9] .
Striktní rozdělení zátiší do subžánrů je obtížné, protože často se v jednom obraze kombinovalo několik motivů. Přesto je zvykem vyzdvihnout několik nejběžnějších odrůd tohoto žánru.
Květinové zátiší ( holandské bloemsstilleven ) bylo jedním z prvních, které vyniklo jako nezávislý subžánr. Stejně jako jiné žánry té doby odrážel skutečné rysy života Holanďanů 17. století, zejména jejich vášeň pro květinářství a zahradnictví. V květinových zátiších umělci zobrazili tulipány , růže , mečíky , hyacinty , karafiáty , lilie , kosatce , konvalinky , pomněnky , fialky , sedmikrásky , nigellu , rozmarýn , sasanky , měsíček a jiné měsíčky , levko květiny [10] .
Při výběru květin pro zátiší byla hlavním kritériem jejich krása a vzácnost. Květiny byly zpravidla čerpány z přírody, protože byla ceněna přesnost a spolehlivost obrazu). Zároveň bylo možné v jednom zátiší znázornit květiny kvetoucí v různých časech, takže se někdy nakreslení kytice zdrželo celé měsíce. Tak dlouhá práce se však vyplatila: květinová zátiší byla vysoce ceněna a mohla být dokonce použita jako drahý dárek na státní úrovni [11] .
K průkopníkům žánru patří vlámský umělec Jan Brueghel starší (1568-1625). Nejstarší dochované květinové zátiší od Brueghela pochází z let 1606/07 a bylo objednáno Albrechtem VII [12] . Je známo, že za účelem psaní svých děl přijel Jan Bruegel z Antverp do bruselské botanické zahrady , aby mohl zkoumat a načrtávat různé květiny. Vytvořil předběžné skici akvarelem a tuší, zobrazující květiny z různých úhlů a pod různým osvětlením [13] .
Mezi prvními holandskými umělci 17. století, kteří malovali vázy s květinami, byl Jacob (Jacques) de Gijn mladší (1565-1629). Jeho tvorba se vyznačuje protáhlým vertikálním formátem obrazů, vícepatrovým aranžováním květin se střídáním velkých a malých rostlin a také použitím technik, které se mezi umělci tohoto žánru stanou velmi populární: vkládání kytice květin do výklenek a vyobrazení drobných zvířat u vázy [14] .
Vzhled hmyzu, zvířat a ptáků, lastur v květinových zátiších jako pomocných detailů je odrazem tradice využívání skrytých významů zobrazovaných předmětů, které mají symbolický význam. Na obrazech zátiší všech žánrů se objevují různé symboly.
Následovníci Jacoba de Gein mladšího byli Jan Baptist van Fornenburg (1585-1649) a Jacob Wauters Vosmar (1584-1641).
Fornenburg maloval kytice tulipánů, narcisů, růží, physalis , přičemž v jeho obrazech jsou motivy „ marnosti marností “ a klasického „ blendu “ [15] .
Charakteristickým znakem Vosmarových obrazů je také motiv „marnosti marností“ v podobě visící růže. Kromě toho v zátiších často zobrazoval různé druhy hmyzu: mouchy, motýly, vážky a včely.
Zakladatelem celé dynastie mistrů zátiší s květinami a ovocem byl Ambrosius Bosschaert starší (1573-1621). Dynastie zahrnovala tři syny (Johannes, Abraham a Ambrosius), dva švagrové (Johannes a Baltasar van der Asty) a zetě (Jeronymus Swerts).
Díla Ambrosia Bosschaerta staršího se naturalistickou důkladností blíží dílům Jana Brueghela staršího. Je známo, že Bosshart také dělal na zakázku skici exotických rostlin z přírody [16] . Maloval převážně drobná zátiší s kyticí ve váze (porcelánové nebo skleněné) umístěné ve výklenku nebo na okenním parapetu. Takové uspořádání vázy zdůrazňovalo opozici divoké zvěře, viditelné z okna, a trhaných zahradních květin umístěných ve váze. Jako doprovod na jeho obrazech jsou kromě malých zvířat mušle.
U Bosschaertových synů se talent umělce nejzřetelněji projevil u Johannese Bosschaerta (1610/11 - po 1629). Charakteristickým rysem jeho tvorby je uspořádání objektů po diagonále obrazu a matná metalická barevnost.
Ambrosius Bosschaert mladší (1609-1645) maloval zátiší se skrytou symbolikou; v pozdějších dílech využíval techniky černobílého modelování utrechtských karavagistů .
Abraham Bosschaert (1612/1613 - 1643) kopíroval techniky svých bratrů.
Bratři manželky Ambrosia Bosschaertových, Johannes a Balthasar van der Asta, pokračovali v tradicích Bosschaerta.
Dílo Johannese van der Asta bylo málo studováno; v současnosti je mu připisován pouze jeden obraz [17] .
Velký význam pro vývoj zátiší mělo dílo nejstaršího z bratrů - Balthasara van der Asta (1593/1594 - 1657), který zanechal bohaté tvůrčí dědictví - více než 125 obrazů. Rád zobrazoval na stole košík s květinami nebo misku s ovocem a do popředí podél okraje stolu umisťoval mušle, ovoce a motýly. Umělce zvláště přitahovaly neobvyklé předměty: bizarní mušle, exotické květiny a ovoce, jasný hmyz, papoušci. Charakteristické pro něj bylo také vnášet do zátiší děj a pohyb [18] .
Roelant Saverey (1576-1639), známý také jako vynikající krajinář, patří do školy Ambrosia Bosschaerta staršího . Jeho zátiší jsou postavena na principu kytice květin umístěné ve výklenku. Obrazy doplnil o motivy „marnosti marností“, jako doprovod, brouk hrobník, hnojník, motýl mrtvolný a další hmyz, ale i ještěrky.
Dílo Ambrosia Bosschaerta ovlivnilo takové umělce jako Anthony Claes I (1592-1636), jeho jmenovec Anthony Claes II (1606/1608 - 1652) a zeť Ambrosia Bosschaerta staršího - Hieronymus Swerts .
V díle Hanse Bollongiera (kolem 1600 - po 1670) byly široce používány techniky utrechtského karavaggismu. Umělec pomocí šerosvitu vyčlenil květiny na pozadí soumraku.
Další vývoj květinového zátiší byl pozorován v díle middelburských mistrů: Christoffela van den Berghe (kolem 1590 - po 1642), který v květinových zátiších zobrazoval prvky "marnosti marností": láhev vína, tabatěrka, dýmka, hrací karty a lebka; a Johannes Goodart , kdo široce používal hmyzy a ptáky jako doprovod [19] .
Do školy dordrechtských mistrů květinového zátiší patří Bartholomeus Abrahams Asstein (1607 (?) - 1667 nebo později), Abraham van Calrath (1642-1722), otec slavného malíře krajiny a zvířat Albert Cuyp , Jacob Gerrits Kuyp (1594- 1651/1652). Jejich práce se vyznačuje širokým používáním šerosvitu [20] .
Spolu s květinovým zátiším v Holandsku 17. století se rozvíjí a získává stále větší oblibu další typ zátiší - obraz prostřených stolů (v pořadí rozdělených na tzv. "bankety" ( holand . banketjes ) a „snídaně“ ( holandština. ontbijtjes )) [21] [22] . Rodištěm a centrem tohoto typu zátiší byl Haarlem . Předpokladem pro jeho vznik bylo již v 16. století rozsáhlé šíření portrétů členů střeleckých cechů při hostině. Postupně se obraz prostřeného stolu stal samostatným žánrem [23] .
Soubor předmětů tvořících zátiší původně obsahoval pro Holanďany tradiční výrobky: sýr, šunku, housky, ovoce, pivo. Později se však v zátiších začaly objevovat stále více pokrmy typické pro slavnostní příležitosti nebo stoly zámožných měšťanů: zvěřina, víno, koláče (nejoblíbenější byl ostružinový koláč ) [24] . Kromě tradičního sledě se objevili humři, krevety a ústřice. Mezi další lahůdky, které holandští umělci rádi zobrazovali, patřily hrozny, olivy a artyčoky [22] .
Začalo se používat i drahé nádobí ze stříbra a čínského porcelánu, džbány a tazze . Sklenice zaujaly zejména umělce: römer , berkemeier , pass glass, flétnové sklo, benátské sklo, akeley glass . Nejkrásnější byly poháry - " nautilus ", vyrobené z lastury stejnojmenného měkkýše [25] .
Častými atributy zátiší byla slánka a stolní nůž. Jako barevná skvrna se často používal napůl oloupaný citron.
Jedním z nejstarších zátiší zobrazujících holandské prostírání je Prostřený stůl od haarlemského umělce Nicholase Gillise (kolem roku 1580 – po roce 1632). Ve svých obrazech používal vyvýšené hledisko, které mu umožňovalo dívat se na celý stůl.
Obrazy zátiší od Florise Gerritse van Schotena (kolem 1590 - po 1655) se vyznačují složitostí, množstvím servírovacích předmětů a detailů. Jeho zátiší však díky umně postavené kompozici a obratnému použití šerosvitu nepůsobí přetíženým dojmem. V řadě případů umělec použil techniku posunutí akcentu skupiny zátiší od geometrického středu obrazu [26] .
Významnou postavou tohoto typu malby zátiší byl Floris van Dyck (1575-1651), rovněž z Haarlemu. K jeho štětci se zachovala čtyři zátiší, která jsou typickými „servírovanými stoly“. Střed van Dyckových obrazů tvořila pyramida ze sýrů, pozadí bylo rozpuštěno v oparu [27] .
Na tento typ zátiší se specializovala vlámská malířka Clara Peters (1594-1657). V té době byla jedinou ženou pracující v žánru zátiší [28] . Clara Peters vytvořila velké množství děl, která se vyznačovala pečlivým provedením. Často zobrazovala drahé gurmánské pokrmy, humry a ústřice. V některých svých zátiších používala snížené hledisko, téměř na úrovni stolu.
Hans van Essen (1587/1589 - po 1648), který se narodil v Antverpách a později žil v Amsterodamu , vytvořil také skladby v žánru "prostřené stoly" .
Roelof Coots (1592/1593 - 1655) z Haarlemu používal metodu úmyslné nedbalosti: talíř nebo nůž na jeho obrazech visel do poloviny okraje stolu. Byl jedním z prvních, kdo vytvořil plátna zobrazující nikoli prostřený stůl, ale stůl se stopami po snídani, do obrazů vnesl motivy „marnosti marností“: hodiny, knihy, padlé hrozny.
Tonální zátišíV Haarlemu se v letech 1620-30 vyvinul zvláštní druh zátiší - tzv. tonální neboli jednobarevné zátiší . V čele nového směru stáli umělci Pieter Claesz a Willem Claesz Heda. V jejich tvorbě se zátiší vyvíjelo od luxusních „rautů“ ke skromným „snídaním“, od slavnostní slavnosti a přísného řádu k intimitě a malebnému „nepořádku“ [29] .
V té době už nizozemští krajináři vyvinuli tonální směr: jejich díla se vyznačovala jemnými gradacemi a přechody tónů a předměty jako by se rozplývaly v šedohnědém oparu [30] . Jejich výdobytků využili autoři zátiší: malíři vytvářeli obrazy v tlumených barvách, využívali především odstíny šedé a hnědé. Důležitou roli má světlo: hraje na povrchu skleněných a kovových nádob a spojuje předměty seskupené do různých plánů [31] . Můžeme předpokládat, že právě jednobarevné „snídaně“ se staly prvním skutečně originálním typem holandského zátiší [30] .
První zátiší Pietera Claesze (1597/1598 - 1661) byla napsána v tradici "prostřených stolů" (i když jistá asymetrie a záměrná nedbalost jsou v nich již patrné). Poté přešel k zátiším „ marnost marností “. Jedním z hlavních prvků těchto zátiší byla dýmka: v Holandsku v té době rádi kouřili dlouhé hliněné dýmky a jejich móda se odrážela jak v literatuře, tak ve výtvarném umění [32] . Postupně se ale téma „snídaní“ stalo hlavním tématem Klasovy tvorby. Právě ve „snídaních“ si umělec rozvinul svůj vlastní styl, který se vyznačuje malým souborem vyobrazených předmětů, kolorovaných v jediném stříbrnošedém tónu s jemnými šerosvitnými přechody a odleskem světla na kovu nebo skle [31] . Klas umisťuje předměty do různých plánů a všestranně zdůrazňuje trojrozměrnost zobrazovaného prostoru. V řadě případů použil vertikální formát plátna s dominantní sestavou römer nebo vysokou sklenicí.
Styl podobný Klasovi vyvinul Willem Klaes Heda (1594-1680/1682), ale v jeho dílech je tónový začátek výraznější: Hediny kompozice prakticky postrádají jasné lokální barvy [33] . V jeho zátiších jsou stůl a servírovací předměty navrženy v olivově šedých tónech, často kontrastujících s bělostí ubrusu; samostatnými barevnými akcenty jsou citron, šunka nebo koláčová kůra.
Kheda staví kompozici svých „snídaní“ s výjimečnou dovedností, předměty umisťuje buď rovnoběžně s rovinou plátna, nebo diagonálně [34] . Po 30. letech 17. století stále více používal vertikální formát svých obrazů. Zobecňujícím začátkem, stejně jako Klas, je světlo hrající na povrchu předmětů.
Mnoho předmětů zobrazených v Khedových zátiších ztělesňuje „marnost marností“: rozbité sklenice, převrácené tazze , prázdné lastury ústřic. Jídlo je u konce a to by mělo být chápáno jako narážka na křehkost všeho pozemského [35] .
Typ jednobarevné „snídaně“ vytvořený Claesem a Hedou se v Holandsku rozšířil ve 30. a 40. letech 17. století.
Jedním z Claesových následovníků byl Franchuis Elaut , také Haarlemian (1596-1641). Za svého života byl velmi oblíbený, ale do dnešních dnů se dochovalo jen málo jeho obrazů.
Kheda měl mnoho studentů a následovníků, mezi nimi jeho syn Gerrit Willems Kheda (1620-1702). Jeho tvorba se vyznačuje vertikálním formátem s dominancí objektu umístěného ve středu a užitím šerosvitu, který ostře vyzdvihuje atributy zátiší na pozadí šera místnosti.
Dalším žákem Hedy byl Marten Bullema , přezdívaný „The Mute“ ( De Stomme ). Svá zátiší stavěl také kolem centrální osy a poté přešel k volnější kompozici a zobrazování již hotových snídaní [36] .
K tradicím Hedy se hlásil i Jan Jans den Eyl (1595/1596 - 1640) . Ve své vyzrálé tvorbě se omezil na zobrazování 4-5 objektů, nejčastěji s nepostradatelným průsvitným sklem, a preferoval vertikální formát. Den Eil ovlivnil tvorbu svého švagra Jana Janse Trecka (1605/1606-1652), který také použil olivově šedé tóny a malý soubor objektů, kterým dominovalo průsvitné sklo.
Ještě jednodušší jsou skladby Jana Janse van de Velde (1619/1620 - po 1663), který byl ovlivněn zátišími Pietera Claesze a často zobrazoval dlouhé dýmající dýmky. Jeho zátiší vytvářejí atmosféru přirozenosti, intimity a každodenního života.
Díla Pauluse van den Bosa (kolem 1615 - po 1655) se vyznačují kompaktností, maximální jednoduchostí kompozice a řídkou barevností.
Philips Angel (1616 - po 1683), Francis Geisbrechts a Joseph de Bray (? - 1664) vytvořili zvláštní typ "snídaně" - selský: zobrazovali sýr, sledě, zeleninu a místo sklenic dřevěné hrnky [37] .
Takzvané „kuchyňské zátiší“ se rozšířilo jak v Holandsku, tak ve Flandrech. Obrazy tohoto žánru zobrazovaly nejrůznější kuchyňské náčiní a výrobky určené k přípravě večeře. Částečně zachována (podle umělců 16. století Petera Aartsena a Joachima Beikelara ) tradice zobrazování paní domu, kuchařky či služebnictva, ale stále častěji se odsunuly do pozadí. V popředí byly kuchyňské náčiní a maso, ryby a mnoho zeleniny přinesené do kuchyně: dýně, tuřín, rutabaga, zelí, mrkev, hrášek, fazole, cibule a okurky. Movitější lidé měli na stolech květák, melouny, artyčoky a chřest . Na vývoji žánru se podíleli především mistři z Rotterdamu , dále haarlemský Floris van Schoten (kterého lze považovat za zakladatele tohoto typu zátiší) a mistr z Middelburgu François Reykhals [39] . Kromě toho bylo mezi umělci z Delftu oblíbené kuchyňské zátiší [40] .
Floris Gerrits van Schoten je známý především pro své „prostřené stoly“, ale také maloval kuchyňské výjevy. Některé z nich mají blízko k žánrové malbě; jiné jsou „čisté“ zátiší [41] .
Rodák z Delftu Pieter Cornelis van Rijk (1568-1628) maloval podle tradice 16. století, někdy s biblickými výjevy v pozadí. Po cestě do Itálie se v jeho obrazech projevil vliv italské malby [42] .
Cornelis Jacobs Delff (1571-1643), student van Rijka, kombinoval zátiší a žánrové motivy. Používal vyvýšené vyhlídkové místo a rád umisťoval kuchyňské náčiní do popředí.
Díla žánrových malířů, kteří malovali výjevy z každodenního života Holanďanů, se často přibližují kuchyňskému zátiší. Žánrový malíř a portrétista Gottfried Schalken (1643-1706) tak na svém obraze „Víno vzorku“ ztvárnil milostnou scénu, ale doprovodem byla spíž se sudy vína a zásobami.
Cornelis Pieters Bega (1631/1632 - 1664) také maloval převážně žánrové výjevy. Vlastní obraz „V kuchyni“, neobvyklý tím, že umělec vnáší do zátiší mytologické motivy, zobrazující satyra , který přišel na návštěvu k rolníkům [43] .
Skupina mistrů domácího žánru, bratři Cornelis a Herman Saftlevens (1607/1608 - 1681 a 1609-1685), Pieter de Blot (1601-1658), Hendrik Martens Sorg (1611-1670) a Eckbert van der Pool ( 1621-1664) kombinovala „kuchyňská“ zátiší s žánrovými motivy, ale v jejich obrazech dominovaly domácí potřeby a lidské postavy hrály až druhořadou roli.
Blízko k dílům rotterdamských žánrových malířů jsou zátiší slavného mistra „selských snídaní“ Philipse Angela .
Na rozdíl od umělců, kteří znázorňovali kuchyni bohatého měšťana s její čistotou a pořádkem, maloval Francois Reykhals (po letech 1600-1647) chudé selské kuchyně a pečlivě sepisoval nábytek. Ve své pozdější tvorbě se Reykhals obrátil k žánru „luxusního“ zátiší [44] .
Více než 60 prací bylo věnováno tématu kuchyňského zátiší a dalšímu známému mistrovi "luxusních" zátiší - Willemu Kalfovi .
Haag se stal rodištěm zátiší s rybami . Blízkost Scheveningenu umělce disponovala nejen k malování mariňáků , ale také k vytvoření zvláštního druhu malby zátiší – maleb zobrazujících ryby a mořská zvířata [45] . Dalším centrem „rybího“ zátiší byl Utrecht , a to i přes odlehlost tohoto města od mořského pobřeží [46] .
Zakladateli tohoto typu zátiší byli Pieter de Putter, Pieter van Scheyenborg a Pieter van Noort.
Pieter de Putter (1600-1659) se specializoval téměř výhradně na rybí zátiší. Takové sebeovládání bylo od umělce odvážným krokem; zjevně si byl jistý, že jeho práce bude úspěšná u Holanďanů – národa námořníků a rybářů [47] .
Ve svých dílech se de Putter zpravidla řídil stejným vzorem: zvolil si vysoké hledisko, ze kterého je jasně viditelný stůl s rybami na něm vysypanými, někdy k zátiší přidal další detaily - rybářskou síť, košík, kuchyňský nůž nebo pánev. Jeho díla se vyznačují přísným vzorem a lakomou barvou [48] .
Hlavním představitelem tohoto trendu v malbě byl de Putterův žák Abraham van Beyeren (1620/1621 - 1690), který pracoval v mnoha dalších žánrech zátiší, maloval také maríny. Zobrazoval ryby v různých situacích: ležící na hromadě na břehu, položené na stole, zavěšené na hácích [49] . van Beierenova zátiší se vyznačují svým realismem; není těžké určit jím vyobrazené druhy ryb. Obzvláště častý je obraz kapra zavěšeného na jeho ploutvi, který může mít nějaký symbolický význam [50] .
Van Beieren byl vynikající kolorista: stříbrno-šedá paleta, ve které jsou zachovány rybí šupiny, byla zvýrazněna jednotlivými jasnými barevnými skvrnami a odlesky světla dodávaly obrazu zvláštní živost a expresivitu.
Snad van Beierenovým žákem byl Isaac van Duynen (1628-1677/1681), který také rozvinul dvě hlavní témata rybího zátiší – „rybu na břehu“ a „rybu na stole“.
Pieter van Scheienborg (? - po 1657) maloval ryby na šedém nebo hnědém pozadí; vlastní párové obrazy zobrazující mořské a říční ryby [48] .
Zvláštní barvu měly malby Pietera van Noorta (asi 1600 -?), který barvitě vyjadřoval lesk rybích šupin .
Albert Cuyp (1620-1691), známý spíše jako krajinář, se řadí mezi mistry rybího zátiší .
Utrechtští mistři Willem Ormea (1611-1673) a jeho žák Jacob Gillig (asi 1630-1701) měli rádi „rybí“ zátiší. Willem Ormea často zobrazoval ryby na pozadí moře (pracoval ve spolupráci s krajinářem Adamem Willaertsem, který maloval moře). Gilligovy obrazy jsou tradičnější; obsahují především sladkovodní ryby, čerstvě ulovené nebo již poražené [51] .
Významné místo v nizozemském malířství zaujímalo filozofické a moralistické zátiší, které dostalo latinský název „ vanitas “ („marnost marností“ – narážka na Kazatele ). Zátiší tohoto typu se poprvé objevily ve vlámském malířství 17. století a poté se rozšířily v Holandsku, Itálii a Španělsku [52] . Předchůdci žánru jsou tzv. memento mori , alegorické obrazy známé již od středověku, které mají připomínat křehkost a pomíjivost všeho pozemského. Nejprve tedy na náhrobcích a později na rubu zakázkových portrétů bylo zvykem zobrazovat lidskou lebku [53] [54] .
Typické zátiší vanitas zobrazovalo předměty, které tak či onak souvisely s křehkostí lidského života: lebka, zhasnutá svíčka, hodiny, knihy, hudební nástroje, uschlé květiny, hnijící ovoce, převrácené nebo rozbité nádobí, hrací karty a kosti, dýmky, mýdlové bubliny atd. Někdy umělec zařadil do díla to či ono latinské rčení na téma „marnost marností“ ( Vanitas vanitatum , Memento mori , Sic transit gloria mundi aj.). Zátiší byla zpravidla navrhována v tmavých barvách, s převahou šedohnědých barev. Vyobrazené předměty byly obvykle uspořádány důrazně ledabyle, chaoticky: to mělo demonstrovat pohrdání jejich materiální hodnotou a také symbolizovat marnost lidských skutků [22] [55] .
Leiden se stal centrem rozvoje „vědeckého“ zátiší (jedno z názvů žánru) : univerzitním městem, tiskařským centrem a baštou kalvinismu. Podle B. R. Vippera se „v ideologických základech tohoto směru zvláštně prolínaly středověké představy o křehkosti všeho pozemského, moralizující tendence kalvinismu a humanistický ideál moudrého člověka usilujícího o pravdu a krásu“ [56] .
První zátiší ze 17. století, které se k nám dostalo, patřící do žánru „marnosti marností“, namaloval Jacob de Gein mladší v roce 1603. Zobrazuje lebku umístěnou ve výklenku ve zdi, nad níž se vznáší mýdlová bublina odrážející část interiéru umělcova ateliéru. V horní části výklenku se čte latinský nápis „HUMANA VANA“ („lidský povyk je marný“); lebka je tradičním symbolem smrti a mýdlová bublina je připomínkou toho, jak pomíjivý je veškerý život [57] .
Vývoj zátiší „marnosti marností“ výrazně ovlivnila činnost leidenského malíře Davida Baillyho (1584-1657) a mistrů seskupených kolem něj. David Bailly vlastní slavné „Zátiší s autoportrétem a symboly marnosti marností“. Na tomto obrázku je v poměrně stísněném prostoru soustředěno mnoho předmětů - atributů žánru: knihy, svíčka, mince, zrcadlo, dýmka, utržené a uvadající květiny, přesýpací hodiny atd. Lebka na stole, soška trpícího Krista a mýdlové bubliny vypovídají výmluvně o pomíjivosti života [58] .
Baillyho žákem byl Peter Simons Potter (1597-1652), otec slavného malíře zvířat Pauluse Pottera . Ve svých zátiších používal stejnou sadu předmětů jako Bailly: lebku, knihy, zhaslou svíčku, dýmku, paletu, noty a hudební nástroje. Inovací byl obrázek brka s kalamářem, zeměkoule a taška - věci, které symbolizovaly marnou touhu po slávě a cestování [59] .
Baillyho studenty byli také jeho synovci Harmen Stenwijk (1612 - po 1655) a Peter Stenwijk , původem z Delftu. O obou umělcích je málo známo a jejich dochovaných děl je velmi málo. Předpokládá se však, že Harmen Stenwijk byl jedním z vůdců Leidenské malířské školy [60] . Jeho práce se vyznačuje teplejší barvou než Baillyho; navíc ve standardním souboru vyobrazených předmětů zavádí další symbol „marnosti marností“ – běžící stíny [59] .
I vynikající mistr „luxusních“ zátiší Jan Davidsz de Heem byl pod vlivem Baillyho , který po přesídlení do Leidenu z Utrechtu namaloval několik obrazů v žánru „marnost marností“. De Heem kombinoval různé typy zátiší: vanitas , květinové a tónové [61] [62] .
De Heem a po něm i mnozí další autoři „vanitas“ přisoudili důležitou roli kontrastu světla a stínu, symbolizujícímu boj mezi životem a smrtí. Na obraze Marnost marností od Abrahama van der Schora jsou tedy tradiční atributy žánru — kosti, lebky a utržené růže — namalovány světlými barvami a umístěny na tmavém pozadí. Šerosvit hraje důležitou roli také v dílech Jacquese de Clauve (1620 - po 1679), kde jasné sluneční světlo kontrastuje s ponurými lebkami a krucifixy; a v zátiších Adriana van der Spella (1630-1673), v němž také vytváří iluzi objemu [63] .
Ve druhé polovině 17. století doznala interpretace zápletky určitých změn: z ponuré připomínky nevyhnutelného konce zátiší se „marnost marností“ proměnila v jakousi mysteriózní malbu, která vyžaduje, aby divák poznal v nich použitá symbolika. Stále častěji se v nich objevuje motiv marnosti pozemské slávy, honby za vědou a uměním [64] .
Několik obrazů tohoto žánru vytvořila studentka Jana Davidsze de Heem Maria van Oosterwijk (1630-1693), která malovala převážně květinová zátiší. Proto v jejích obrazech typu „marnost marností“ hrají významnou roli květiny spolu s lebkou, zeměkoulí, knihami, flétnou, bankovkami a mincemi. Zátiší jsou doplněna citáty jako „Muž zrozený ze ženy má krátké trvání a je plný smutku“ ( Kniha Job ) [65] .
Taková moralistická maxima používala ve svých dílech mnoho mistrů, kteří se věnovali žánru vanitas: například slavný krajinář Jan van der Heyden (1637-1712) a leidenský umělec Abraham Susenir (kolem 1620 - po 1667) zařazený do zátiší Bible otevřená na požadované stránce.
Obrazy řady umělců druhé poloviny 17. století mají blízko k jinému druhu zátiší – tzv. „ blendu “, určenému k vytvoření iluze objemu a skutečnosti zobrazovaného. Rysy „klamu“ jsou přítomny v dílech Petruse Schotanuse (asi 1601-1675), Juriana van Strecka (1632 -?), Vincenta van der Winna (1629-1702), Matthiase Vythose (1627-1703), Petera Ringa (1615-1660) a Edward Collier (asi 1640 - po 1706). Jimi vyobrazené předměty působí díky své zručně vybudované kompozici a mistrnému využití šerosvitu mimořádně naturalisticky [66] .
Od starověku se umělci snažili o co nejspolehlivější, iluzionistickou reprodukci přírody. Přibližně od 15. století se v evropském umění rozšířily obrazy určené k vytvoření iluze trojrozměrnosti. Nejčastěji byly vyobrazeny předměty typické pro zařízení domova bohatého měšťana - knihy, psaní a toaletní potřeby, různé drobnosti, lovecké trofeje - a umělec se je snažil nakreslit tak, aby vypadaly, jako by skutečně stály na poličce nebo visely. na zeď [67] . V polotemném interiéru nizozemského domu takové obrazy vyvolávaly efekt reality.
V 50. a 60. letech 17. století dostal zvláštní žánr „iluzionistického“ zátiší, takzvané „ triky “ ( nizozemsky bedriegertje ), později v uměleckohistorické literatuře název „ trompe l'œil “ (z francouzských slov „ tromper ” - klamat a “ l 'œil “ - oko). Hrají si s neexistujícími okny, rámy a závěsy a také s různými předměty umístěnými ve svislé rovině a jakoby přichycenými stuhami nebo špendlíky [68] .
Jeden z prvních holandských „triků“ – malovaná víčka na ukládání obrázků – vyrobil Gerard Dou (1613-1675). Iluze byla taková, že uzavřená krabice se zdála být otevřená [66] .
Mistry „klamného zátiší“ byli Rembrandtovi žáci Samuel van Hoogstraten (1627-1678) a Heyman Dullart (1636-1684). Některá Hoogstratenova dochovaná zátiší zobrazují dveře skříně s předměty na nich. Umělec s výjimečnou dovedností zprostředkovává texturu různých materiálů - kůže, kov, dřevo. Mnoho nejmenších, pečlivě vysledovaných detailů dodává vyobrazenému zvláštní autenticitu.
Hogstratenova práce skutečně uváděla lidi v omyl: v biografii umělce od Arnolda Houbrakena se uvádí, že sám císař Ferdinand III . podlehl podvodu . Tentýž Houbraken píše, že v domě samotného Hogstratena byly „triky“ všude a malované předměty vypadaly jako skutečné [69] . Jak byl oklamán vynikající dovedností Hogstratena, vzpomíná ve svých pamětech Samuel Peeps [70] .
Autoři „podvodů“ často vytvářeli zátiší s psacími potřebami: dopisy rozložené na stole, obálky, kapesní nože, čtecí lupy atd. Podobná díla mají Cornelis Brize (1622 - po 1670), Vallerand Vaillant (1623-1677). a mistr zátiší typu „marnost marností“ Edward Collier [71] . Posledně jmenovaný vlastní četné triky v duchu Hogstraten [72] .
Mnoho mistrů kombinovalo ve svých dílech dva typy zátiší - „iluzionistické“ a „lovecké“. Tento druh „návnady“ znázorňoval zbitou zvěř a lovecké potřeby. Umělci se snažili nejen vykreslit zabitá zvířata a ptáky co možná naturalisticky, ale také zprostředkovat texturu a barvy ptačího peří. Podvody na lovecké téma vytvořili bratři Anthony Lemans (asi 1631-1673) a Johannes Lemans (asi 1633-1688), Jacob Biltius (1633-1681) a jeho bratr Cornelis Biltius , stejně jako autor "rolníka" snídaně Philips Angel a portrétista Christoffel Pearson (1631-1714) [73] .
Od 50. let 17. století získává na oblibě nový druh zátiší – „luxusní“ zátiší ( holandský pronkstilleven ). Zakladateli žánru byli vlámští umělci Frans Snyders a Adrian van Utrecht [74] . Náměty a estetika tohoto typu zátiší odrážejí vkus buržoazie druhé poloviny 17. století, její touhu po bohatství, eleganci a luxusu [75] . Stále častěji se na obrazech objevuje stříbrné a zlacené nádobí, čínský porcelán , delftská fajáns , benátské sklo , orientální ubrusy a koberce, jižní ovoce, humři a další drahá a znamenitá jídla a nahrazuje se střední barevnost jednobarevných „snídaní“. barevnými a teplými [76] [76] [ 75] .
Jedním ze zakladatelů žánru byl mistr z Utrechtu Jan Davidsz de Heem (1606-1684). Zkoušel se v různých žánrech - květinová, vědecká, kuchyňská, tónová zátiší. V roce 1636 se umělec přestěhoval do Antverp a spadl pod vliv vlámského malířství. Od té doby začal vytvářet luxusní zátiší, která se vyznačovala barevností a dekorativností [77] . Představují skutečnou „svátku hojnosti“: bohatě naservírované stoly doslova praskají nejrůznějšími pokrmy. De Heemova květinová zátiší měla také zřetelnou vlámskou stopu, odlišující se barokní symfonií barev [78] .
Jan Davidsz de Heem měl workshop s velkým počtem studentů a asistentů. Kromě mistrova syna Cornelise de Heem (1631-1695), který se naučil mnoha malířským technikám svého otce, byli jeho přímými žáky Peter de Ring, Nicholas van Gelder, Johannes Bormann, Martinus Nellius, Matthijs Naive, Jan Mortel, Simon Luttihuis , Cornelis Kick. Kik zase vychoval nadané studenty – Eliase van den Broeka a Jacoba van Valskapelleho. Z dílny Jana Davidsze de Heem pocházeli také Maria van Oosterwijk, mistr zátiší marnosti, a dva mistři pozdního květinového zátiší: Jacob Rotius (1644-1681/1682) a Abraham Mignon [79] .
Jedním z de Heemových prominentnějších studentů byl Pieter de Ring . V jeho dílech dominují světlé, syté tóny; hra světla na různé předměty je pečlivě zprostředkována. Místo podpisu de Ring často používal obrázek prstenu ( ring znamená v holandštině prsten) [80] .
Současně s de Heem se François Reykhals obrátil k žánru luxusního zátiší . Jasná barevnost jeho děl je o to překvapivější, že vznikla v období nadvlády tonální malby. Ve svém díle tak předjímal další vývoj holandského zátiší [81] .
Touha po lesku je charakteristická i pro luxusní zátiší Abrahama van Beierena . Jeho malba získává zvláštní expresivitu díky dovednému využití kontrastu teplých a studených barev a různých odstínů téže barvy. Kompozice je obvykle postavena kolem jediného středu, kterým je nádoba s vínem nebo nejjasnější servírovací předmět - humr. Prakticky ve všech zátiších je vyobrazení kapesních hodinek, které stejně jako v žánru „marnosti marností“ připomínají pomíjivost času [82] .
Jeden z mála následovníků van Beierena, Abraham Susenir , převzal od svého učitele základní rysy jeho chování. Některá Susenirova zátiší byla dlouho připisována van Beierenovi.
Velké množství děl v žánru "luxusního" zátiší vytvořil žák Francoise Reykhalsa, vynikající mistr zátiší Willem Kalf (1619-1693). Ve svých raných dílech umělec často používá asymetrickou kompozici a symboliku typickou pro zátiší vanitas: svícen s nedohořelou svíčkou, kapesní hodinky, převrácený pohár. Po zkušenostech s Rembrandtovým vlivem během cesty do Amsterdamu začal Kalf vytvářet plátna prosycená barvami a světlem, kombinující teplou barevnost s mistrovským využitím šerosvitu [81] . Díla „amsterdamského“ období, která ze všeho nejvíce proslavila jméno Kalf, se vyznačují vertikálním formátem, přítomností čínského porcelánového nádobí a omezeným repertoárem zobrazovaných předmětů, mezi které jistě patří stříbrný podnos. Skupina zátiší často zahrnuje römery, akel-brýle, nautilské poháry, čínské vázy a džbány zobrazené s výjimečnou autenticitou [83] .
Kalfovo dílo odhalilo nové možnosti ztělesnění objektivního světa a mělo rozhodující vliv na následný vývoj zátiší. Kalfovými následovníky byli Jurian van Streck, jeho syn Hendrik van Streck (1659-?), Christian Jans Streep (1634-1673) a Barent van der Meer (1659-do 1702).
Jurian van Streck hodně experimentoval se světlem a barvami. Jeho díla se vyznačují bohatou barevnou škálou a rozmanitostí tónových přechodů [84] . Dalším charakteristickým rysem van Streckových zátiší je pocit přítomnosti člověka: zdá se, jako by právě vstal od stolu [85] .
Další Kalfův následovník Peter Gerrits Rustraten (1627-1698) se vydal cestou přiblížení „luxusních“ zátiší k těm „podvodným“ . Kromě toho se v jeho dílech objevují i rysy „marnosti marností“ zátiší: vzácné věci se v jeho dílech stávají jasně čitelnými symboly marnosti všeho pozemského [86] .
Ve 2. polovině 17. století se rozšířila zátiší s poraženou zvěří, odrážející zálibu zámožných měšťanů v lovu. V Amsterdamu, Haarlemu a Delftu byla oblíbená především maloformátová zátiší s propracovanými detaily, zatímco v Utrechtu umělci malovali většinou velká dekorativní plátna zobrazující nejen samotné trofeje, ale i lovecké vybavení, někdy i včetně fragmentu krajina [87] .
Zřejmě počátek tohoto typu zátiší položil Rembrandt , který namaloval obrazy „Tlučený buřič“ (1639) a „Dva mrtví pávi a dívka“ (1639) [88] . „Lovecká“ zátiší napsal také Rembrandtův žák Ferdinand Bol , který mistrně kreslil opeření ptáků.
Mezi průkopníky žánru patřili Elias Vonk (asi 1605-1652) a jeho syn Jan Vonk (asi 1631-1663) a také Matthaus Bloom [89] .
K motivu drobné zvěře se jako jeden z prvních obrátil Jan Vonk . Jeho hlavní technikou je výběr jednotlivých prvků skupiny zátiší pomocí lehkého akcentu [90] .
Matthaus Bloom byl naopak zakladatelem monumentálního zátiší s loveckými trofejemi [91] . V budoucnu tento žánr rozvinul Jan Weniks.
Uznávaným mistrem loveckého zátiší byl Willem van Aelst , známý také jako mistr „květinových“ a „luxusních“ zátiší. Zobrazoval ubitou zvěř ležící na mramorovém stole nebo zavěšenou v kamenném výklenku. Kompozici doplňují lovecké atributy: zbraň, lovecký postroj, brašna nebo roh [89] .
Tématu mysliveckého zátiší se dotkl slavný krajinář Jan Baptist Veniks (1621-1660), který zobrazil mrtvé srnce a labutě. Jeho syn Jan Weniks (1640-1719) vytvořil nejméně sto obrazů znázorňujících zbité zajíce na pozadí kamenného výklenku nebo parkové krajiny [92] . Kromě toho maloval složité, vícefigurální kompozice, zobrazující mrtvou zvěř nikoli v interiéru, ale na pozadí přírody. Jeho styl se vyznačuje extrémně naturalistickým ztvárněním textury zvířecí srsti a ptačího peří [93] .
Žáci Jana Baptisty Weenixe byli také jeho synovec Melchior de Hondekuter (1636-1695) a Willem Frederick van Rooyen (1645/1654-1742).
Melchior de Hondekuter je známý především jako autor tzv. "ptačích dvorů" a "ptačích koncertů", zobrazujících nikoli zbitou zvěř, ale živé ptactvo. Vytvořil však i řadu loveckých zátiší, drobných i monumentálních. Jejich charakteristickým rysem je souběh živé a neživé přírody: vedle loveckých trofejí jsou vyobrazeni živí psi a kočky [94] .
Dirk de Bry byl také přívržencem ceremoniálního loveckého zátiší, jako Aalst a Royen . Představoval trofeje sokolnictví, které bylo oblíbenou zábavou aristokratů a bohatých měšťanů [95] .
Spolu s velkoplošnými dekorativními plátny „loveckých trofejí“ se hojně využívalo i „komorní“ lovecké zátiší. V tomto stylu vytvořili svá díla Cornelis Lelienberg (1626 - po 1676), Aalstův žák Willem Gau Ferguson (kolem 1633 - po 1695), Hendrik de Fromenthue (1633/1634 - po 1694) a Peter Harmens Verelst (1618-1678) . také jeho syn Simon Peters Verelst (1644-1721). „Komorní“ lovecká zátiší vytvořili i malíři, kteří se věnovali jiným žánrům zátiší: Abraham Mignon, Abraham van Beyeren, Jacob Biltius. Slavný krajinář Salomon van Ruisdael (1600/1603 - 1670), který napsal „Zátiší s Batten Game“ (1661) a „Lovecké trofeje“ (1662), a žánrový malíř, žák Adriana van Ostade, Cornelis Dusart (1660) -1704) vzdal hold loveckému zátiší [96] .
Specifickým zpestřením zátiší jsou malby, které vznikly v druhé polovině 17. století a zobrazují různé zástupce zemské fauny - hady, ještěrky, pavouky, housenky, motýly - v jejich přirozeném prostředí. Zakladateli žánru byli Otto Marseus van Skrik (1619/1620-1678) a Matthias Vythos (1627-1703) [97] .
Je známo, že Screek choval na svém panství terárium s hmyzem, pavouky, hady a dalšími zvířaty, které zobrazoval na svých obrazech. Rád vytvářel složité kompozice s exotickými rostlinami a zvířaty a vnášel do nich filozofický přesah. Například na drážďanském obraze Had u ptačího hnízda sbírají motýli nektar z květů, drozd chytá motýly a krmí jimi své mládě a další mládě spolkne had, kterého loví hranostaj [98] .
Vythos v popředí obrazů nejraději zobrazoval divoké rostliny, mezi kterými se to hemží životem. Jeho díla pečlivě zachycují tajemný, lidskému oku obvykle nepřístupný svět [97] .
Willem van Aelst má několik děl věnovaných zobrazování rostlin a zvířat. Jeho studentka Rachel Reusch začala svou tvůrčí dráhu napodobováním Skrika, ale poté vyvinula svůj vlastní styl, který se vyznačuje obrazem malých živých tvorů na pozadí zlaté krajiny [99] .
Melchior de Hondekuter (1636-1695) se proslavil jako umělec, který zobrazoval širokou škálu zvířat a ptáků. Jeho „ptačí dvory“ a „zvěřince“ nejsou zátiší v pravém slova smyslu, ale pro Holanďany sedmnáctého století byly ve stejné kategorii jako obrazy květin nebo ovoce [100] .
Zvířecí zátiší vytvořili také umělci jako Willem Frederik van Rooyen, Christian Jans Streep, který pracoval na způsob Screaka, nebo Abraham de Hoes.
Ve 2. polovině 17. století opět přichází do módy květinovo-ovocná zátiší. Vyznačovaly se nádherou, dekorativností a světlou barvou. Velký vliv na pozdní zátiší měla malba mistra „luxusních“ zátiší Jana Davidsze de Heem [101] .
Umělec z Delftu Willem van Aalst (1626/1627 - po roce 1683), který ve své tvorbě obsáhl nejrozmanitější druhy malby zátiší, vytvořil květinovo-ovocná zátiší podle tradice Balthasara van der Asta a jeho strýce, malíř Evert van der Aalst [102] . Van Aalst byl subtilní kolorista a techniku malby ovládal k dokonalosti. Vyvinul vlastní metody nanášení několika vrstev barvy na sebe, díky čemuž dosáhl výjimečné bohatosti barvy a rozmanitosti jejích odstínů [103] . Další novinkou, kterou van Aelst do květinového zátiší přinesl, byla asymetrická kompozice kytice [104] .
Van Aalst měl četné následovníky, kteří se z větší části stali vyznavači „intimního“ zátiší, šli cestou zjednodušování kompozice a snižování počtu zobrazovaných objektů. Abraham de Lust, Willem Frederick van Rooyen, Simon Peters Verelst, Hendrik de Fromenthue a Dirk de Bry pracovali v tomto stylu .
Podobně jako v Aalstově přístupu jsou pokusy o přechod k novému obrazovému způsobu viditelné také v dílech Justuse van Huysuma staršího (1659-1716). Vyzkoušel se v široké škále žánrů, od portrétu po krajinu, ale největšího úspěchu dosáhl v zobrazování květin a ovoce [106] .
Justus van Huysum přivedl k malbě svého syna Jana van Huysuma (1682-1749), v jehož tvorbě dosáhlo pozdní zátiší svého nejvyššího vrcholu. Popularita jeho děl byla tak vysoká, že jejich cena byla stokrát vyšší než cena obrazů Rembrandta, Steena, Aalsta a Cuypa [105] .
Jan van Huysum maloval dva druhy květinových zátiší: inscenované kytice na tmavém pozadí a dekorativnější „luxusní“ kytice určené k výzdobě bohatých domovů. V nich stejně jako Jan Davidsz de Heem využívá světlé pozadí, což bylo v té době novinkou v malbě zátiší.
Van Huysumova zátiší se vyznačují barevností, jemnými nuancemi, velkým barevným schématem a nejlepším řemeslným zpracováním detailů. Umělec dovedně odhaluje vlastnosti každé květiny a ovoce a ukazuje je v různých aspektech [107] .
Představitelem „světlého“ způsobu květinového zátiší byl spolu s de Heem a van Huysum německý umělec působící v Holandsku Abraham Mignon . Maloval také květiny na tmavém pozadí, nejraději měl růže. Jeho kytice jsou elegantní, barevné a jakoby na výstavu. Mignonovo dílo se vyznačuje dekorativností a hladkým rukopisem štětců [107] . Občas do zátiší přidal žánrové prvky: vázy se mu občas houpaly a padaly. Jako zábavné detaily byly použity kočky, veverky, ptáci, motýli, mravenci a hlemýždi [108] .
Velmi originálním umělcem byl Adrian Korte z Middelburgu – „čistý sólistický hlas finále nizozemské symfonie zátiší“ [109] . Nenásledoval obecný trend a neusiloval o okázalost a dekorativnost. Korte maloval malá zátiší, elegantní a výstižná, postavená na kontrastu tmavého pozadí a světlého předmětu [110] . Ústředním tématem kompozice by mohl být svazek chřestu, plátek citronu, angrešt - skromné, každodenní předměty. Přesto, zalité světlem dopadajícím shora, působí věčně a nadčasově [111] .
V nizozemském malířství 17. století byly položeny základy nového žánru, zátiší, které v figurativní podobě ztělesňovalo světonázor člověka v jeho vztahu k objektivnímu světu a přírodě. Nizozemští umělci výrazně rozšířili okruh témat pokrytých uměním; přímá apelace na okolní realitu se stala hlavním faktorem ovlivňujícím nový žánr na diváka [112] . Holandské zátiší však nezachycovalo jen realitu: rafinovaně zprostředkovávalo propojení věcí a jevů duchovního života člověka. Obrazy vstoupily do dialogu se současníky, informovaly je o důležitých mravních pravdách, připomínaly křehkost všech věcí a přiměly je přemýšlet o smyslu lidského života [75] .
V následujících desetiletích holandská malba upadala. Estetika holandského zátiší však měla velký vliv na umělce jiných evropských zemí, zejména Německa a Francie [7] . Technická zručnost a zvláštní vidění světa vlastní nizozemským umělcům tzv. „zlatého věku“ se staly vzorem pro mnoho generací malířů.