Seicento ( italsky seicento , doslovně přeloženo jako šest set ) je období italské historie a kultury pokrývající 17. století . Seicento znamenalo konec renesance v Itálii a také začátek barokní éry .
Většina důležitých kulturních, politických a uměleckých průlomů v italských knížectvích a v Evropě nezačala v 17. století. Byly pouze logickým pokračováním mocných ideologických procesů, které vznikly v 16. století a dále se rozvíjely v 17. století. Mezi takové změny patří zrod manýrismu a baroka, vznik prvních uměleckých akademií, první vítězství vědeckého poznání nad středověkým světonázorem.
Všechny nejlepší úspěchy italského umění v první polovině 17. století patří umělcům, kteří se narodili v 16. století, nebo je započali:
Vyplenění a zničení Říma v květnu 1527 mělo významné politické, morální, náboženské a umělecké důsledky. Jako poražená strana se papež pod tlakem císaře Karla V. vzdal práv na Parmu , Piacenzu , Civitavecchiu a Modenu . Násilím souhlasil s korunovací císaře Karla V. také na italského císaře. To výrazně oslabilo politické postavení papeže jak v samotné Itálii, tak v Evropě. Události v Římě dokonce podnítily přesun korunovace Karla V. do Boloně , protože v Římě nebyl jediný vyloupený nebo rozbitý kostel, který by si zasloužil přijímat hosty a císařovu družinu.
Navíc již v 16. století evropský protestantismus posílil své pozice (úpadkem autority papežské moci). V Německu nabývalo na síle luteránství . Anglikanismus vznikl v Anglii , kde se hlavou místní církve stal světský vládce, král Jindřich VIII . Velká Británie proto oficiálně odmítla poslat peníze do Říma a neuznala nadřazenost papeže ve státě. Na papežské náklady dokonce italská knížectví posílila své pozice. Sigismondo Malatesta , dědičný pán města, se vrátil do města Rimini . Nezávislí benátští dóžové si podmanili papežská města Cervia a Ravenna . Římským papežům bude trvat jen několik desetiletí, než obnoví své pozice v Itálii. Západoevropské společenství bylo ale navždy rozděleno na dva náboženské tábory – katolicismus a protestantismus . Papežský Řím reagoval na reformaci v Evropě protireformací , jejíž strategii a hlavní ustanovení určil Tridentský koncil (1545-1563).
V 17. století pokračovala papežská vláda ve svém ofenzivním kurzu jak v Evropě, tak i na dalších kontinentech (v Americe, v Asii). V Itálii se křižáci nezastavili u pronásledování vědců (represe proti Galileovi Galileimu a Tommasu Campanellovi ) a dokonce ani před upálením jednotlivců ( Giordano Bruno ), aby zastrašili věřící. Zároveň však nesmírně sílí misionářské hnutí a propagace myšlenek katolicismu pomocí umění. Jak umění (monopolizované v Itálii papežskou vládou a reakční aristokracií), tak tiskařský lis se obracejí k propagandě myšlenek katolicismu. Poslední rozkvět národního umění přežije jen několik katolických států.
Iniciativa už ale není na straně papeže. V 17. století , po potlačení separatismu aristokratů francouzským králem, se zrodila mocná francouzská státnost pod vedením absolutismu . Francie se bude moci postavit Římu i svým vlastním slohovým systémem - akademickým klasicismem , který se s úkoly povznášejícího absolutismu dokázal vyrovnat o nic hůře než římské baroko . Mistři francouzského klasicismu pečlivě studují starořímské kulturní dědictví a nevyužívají ani tak dramatické efekty baroka , jako vážnou vznešenost a zdrženlivost obrazů při zachování rovnováhy, symetrie, elegance a sofistikovanosti výzdoby. Právě ve Francii se myšlenka souboru, zrozená italskými umělci vrcholné renesance, dočká tvůrčího pokračování a svých hotových forem ( Vaux-le-Vicomte ). Archetypy vytvořené ve stylu francouzského klasicismu , jako je Versailles nebo francouzská barokní zahrada , budou mít významný vliv na architekturu jiných států.
Na samém počátku své nezávislosti na Španělsku (a feudalismu jako takovém) si Evropa podmanila severní provincie Nizozemska, kde vládl protestantismus . V protestantské Británii se k moci dostala národní buržoazie a plně využila své „slavné revoluce“. Na evropském horizontu se objevují nové supervelmoci - Commonwealth , protestantské Švédsko , které provádějí vlastní politiku, nekoordinovanou s papežským Římem. Na počátku 18. století se Rusko připojí k velmocím , které se rychle promění v další impérium, které nepodléhá papeži ani ekonomicky, politicky, ani nábožensky.
Itálie vstupuje do dlouhého období ekonomické a politické krize. Vedoucí postavení v prvních několika desetiletích 17. století . zůstane zachována pouze italská verze baroka, styl je flexibilní, silný, účinný, schopný řešit různé problémy a má celou škálu ideologických zátěží (od reakčních po pokrokové).
Baroko mělo své regionální charakteristiky. Baroko Mexika nebo Brazílie proto nelze zaměňovat s barokem Portugalska a Rakouska nebo Ukrajiny. Hlavní směr samozřejmě udávali Italové a jezuité , takže barokní styl byl poněkud mylně nazýván „jezuitským stylem“. Na druhou stranu to byli jezuité, kteří udělali baroku svůj charakteristický styl a v tomto stylu stavěli katedrály a kláštery.
V baroku existovaly dva směry – tzv. baroko světské (paláce šlechty a královských rodů, památky) a baroko církevní (církevní stavby od klášterů po jednotlivé kaple). Směry existovaly samostatně, ale neustále se vzájemně obohacovaly o podobné prostředky zpracování a použití materiálů či dekoru. Proto se v 18. století sál kostela podobal velkolepému sálu paláce a naopak.
Stav architektury v papežském státě 17. století zcela závisel na konfrontaci a konkurenčním boji mezi Berninim a Borrominim .
Již v 16. století , v chaoticky zastavěném Římě, byla pozornost upřena na potřebu přestavby města. Souborovost byla neodmyslitelnou součástí jednotlivých komplexů již v Římě. Například vatikánské nádvoří navržené Donato Bramante , Villa Madama navržená Rafaelem Santi , Villa Giulia navržená Giacomem Vignolou . Nyní se pokoušejí vybavit římská náměstí průvodem. Například nové uspořádání navržené Michelangelem Buonarrotim získalo náměstí na vrcholu Capitoline Hill . I přes zničení půdorysu nádvoří Vatikánu, které navrhl Donato Bramante , přes opuštěnou nedokončenou vilu Madama, navrženou Rafaelem Santi , nezmizely zkušenosti předchůdců. Jejich projekty pečlivě studují a kreativně přenášejí poznatky a principy do přestavby jednotlivých, významných míst ve městě, jejíž částečnou přestavbou dal papež již v 80. letech 16. století pokyn talentovanému Domenica Fontanu (1543-1607).
Piazza del Popolo mělo důležitou městskou funkci , kam přicházeli katoličtí poutníci ze severních zemí (papežský Řím žil po staletí a živil vlastní ekonomiku na úkor peněz poutníků). Domenico Fontana dal tomuto náměstí nový vzhled a skryl chaotické budovy s půlkruhovými zdmi. Pomocí lichoběžníku historického náměstí do něj zavedl tři osy, které daly vzniknout třítrámovému uspořádání hlavních ulic, a propojil náměstí s hlavními kostely pro příchozí poutníky. Akcenty, přední pylony Piazza del Popolo budou dva téměř identické kostely na rohu tří ulic - Santa Maria dei Miracoli a Santa Maria in Montesanto , které postavil architekt Carlo Rainaldi mnohem později. Velkolepé náměstí s téměř divadelní kompozicí, křižovatka tří os a daleké vyhlídky hluboko do města silně zapůsobily na současníky i potomky. A to mělo významný dopad na urbanistickou situaci v různých městech a barokních zahradách v různých zemích (rozvržení města Versailles , uspořádání Petrohradu , uspořádání Dolního parku v Peterhofu atd.).
Funkci ukrytí chaotických, ještě středověkých budov Vatikánu plní dodnes mohutná kolonáda Lorenzo Bernini . Lorenzo Bernini - stal se dirigentem oficiální linie římských papežů v umění barokní éry a postavil se jako člověk schopný stejně produktivně se věnovat malbě, architektuře a sochařství. Ukázalo se však, že je slabým umělcem a v architektuře zůstal nadaným amatérem, schopným vyvinout nápad, pracovní program, ale všechny potíže s výpočty, technickou podporou a skutečnou realizací hodil na velkou armádu sochařů a asistentů. architekty vlastní římské dílny. Zanechal si obrovské honoráře a slávu. Ne všechny projekty a vylepšení Lorenza Berniniho byly schváleny ani v Římě. Například dvě zvonice, které Bernini přidal do římského panteonu , byly v Římě vystaveny posměchu . Byli nuceni je odstranit. Jako architekt poznal i hořkost vlastních nerealizovaných projektů.
Francesco Borromini - zabýval se pouze architekturou, nikdy se nepostavil jako univerzální člověk. Byl virtuózním architektem-praktikantem, mistrem kresby, na čemž plodně pracoval v Miláně. Borrominiho kresby neměly v Itálii 17. století v profesionální dokonalosti obdoby. Architektonická grafika Francesca Borrominiho (obchodní a poněkud suchá) nebyla malebná, ale přesto mohla konkurovat kresbám kteréhokoli římského architekta. A to v centru evropského baroka , kde tehdy působily nejlepší architektonické síly Itálie, mezi nimi sám Lorenzo Bernini, Pietro da Cortona , Pirro Ligorio , Giovanni Francesco Grimaldi , kteří dokázali současně řešit složité inženýrské a umělecké problémy.
Francesco Borromini prošel dobrou školou lombardských stavitelů, historicky spjatých s tradicemi severních gotických mistrů. Na rozdíl od amatéra Berniniho absolvoval odbornou stáž v dílně Carla Maderna . Díky svému talentu a cílevědomosti mohl ekonomicky a mistrovsky realizovat nečekaný a fantastický architektonický obraz. Borromini se přitom spoléhal pouze na sebe, na vlastní výpočty. Neměl ty kolosální příležitosti, které si Lorenzo Bernini zajistil, když získal místo dvorního architekta pro několik papežů od svých konkurentů. Virtuozita Francesca Borrominiho byla děsivá, dokázal realizovat jakoukoli fantazii nebo architektonickou chiméru . Vzbuzovala tak respekt a dokonce i skrytý odpor. Dokonce i Lorenzo Bernini zkrotí svou vlastní hrdost, když sestaví tým, který vypracuje projekt nového typu budovy pro Řím – Palác Barberini , omezující se pouze na nápady a umělecky nakreslené skici. Francesco Borromini bude pozván k realizaci neobvyklého projektu.
Borromini, který je v Římě vytlačen na okraj architektonické praxe, se stává architektem klášterních řádů a často jen něco dokončí. Proto je jeho tvorba neoprávněně skromná. Značná umělecká hodnota a popularita Borominiho děl však překročí hranice Itálie a skutečné pokračovatele a znalce najde v tvůrčích osobnostech, mezi které patří Gvarino Gvarini v Turíně , Nicolo Michetti ( Konstantinovský palác , Střelna, Ruská říše ) nebo Jan Blazhey Santini Aichl ( česky republika ).
Francesco Borromini. Plán kostela Sant Ivo alla Sapienza a kresba kleneb kostela
Francesco Borromini. Nádvoří univerzitního kostela Sant Ivo
Francesco Borromini. Složení paláce a kostela Sant Ivo
Centrum barokní architektury, nezávislé na Římě , se rozvinulo v království Sardinie (severozápadně od Benátek a Lombardie ). Armády Emmanuela Philiberta a následně i Charlese Emmanuela přispěly k vytvoření silného sardinského království schopného se bránit. Tradičně se Sardinie nezaměřovala na papežský Řím, ale na Francii a Paříž. Vzorem Sardinského království se stávají významné vojenské a kulturní úspěchy francouzského absolutismu , vítězství nad opoziční aristokracií, velkolepý rozvoj Paříže a vytvoření velkolepé rezidence ve Versailles .
Hlavní město království, město Turín , rychle ztrácí své středověké půdorysy a buduje se jako šachovnice (s širokými třídami, které končí pravoúhlými čtverci). Turín se příznivě lišil od většiny italských měst a dokonce i od Říma samotného svými širokými třídami, přehledným uspořádáním, poněkud suchou a racionalistickou architekturou.
Po smrti Ascania Vittozziho v roce 1615 pokračovali v přestavbě a rozvoji hlavního města Carlo a Amedeo Castelmonte . Vzorem je pro ně budova Paříže - s příhodnými ulicemi pro pohyb kočárů, obdélníková náměstí, paláce bohatých občanů a místních aristokratů, král z rodu Savojských ( Palazzo Reale navržený Amedeem Castelmontem). V parku Palazzo Reale byly použity skici slavného francouzského zahradního architekta André Le Nôtre . Zámek Valentino je turínský palác podle francouzského vzoru (jak dispozičním řešením v parku, tak za fasádou směřující k řece Pád ).
Guarino Guarini . Kopule kostela San Lorenzo
Garibaldi Street (Turín)
Kostel San Michele , Turín
Budova právnického náměstí
Pro město byla velmi důležitá činnost architekta Guarina Guariniho , rodáka z města Modena . Mnich řádu Theatin , matematik a filozof, se mu podařilo vyučit a pracovat jako architekt v Messině a Paříži . Během svého pobytu v Římě studoval díla Borrominiho a Berniniho. V Turíně byly odhaleny plné znalosti a mimořádný talent mnicha-filosofa a vědce . Mezi nejlepší díla Guariniho ve městě patří kaple Sacra Sindone v katedrále, kostel San Lorenzo , Palazzo Carignano . Turínští architekti dovedně použili cenné i levné materiály: mramor, kov, ozdobné mříže, omítky, štuky, rez a její imitace, vzorované cihly . Přední fasády turínských paláců jsou často vyrobeny z jednoduchých cihel, kde jsou její vlastnosti výhodně poraženy, virtuózní zdivo, hraje v různých světelných podmínkách. Jen někdy se průčelí turínských kostelů podobají slavným příkladům římských kostelů (hlavní průčelí kostela Santa Cristina , postaveného podle projektu Filippa Juvarry teprve v roce 1718). Po vzoru Říma vznikají i předměstské vily, kde je využit celý arzenál barokní výzdoby ( Villa della Regina kardinála Maurice Savojského ) - niky, plastiky, balustrády, omítky, obelisky, maskarony a podobně. Jedinečnou událostí pro Itálii a místní baroko bude návrh a stavba královského loveckého zámku Stupinigi , kde byl realizován architektonický nápad francouzského architekta Germaina Beaufrana .
Budovy Guarino Guarini se vyznačovaly smělostí v racionálních matematických výpočtech, skutečnou sofistikovaností, konstruktivním překvapením, výpůjčkami z různých architektonických zdrojů (návrh oblouků z muslimské Cordoby, použitý v kupoli kostela San Lorenzo). Architektonické výtvory Guarina Guariniho byly potvrzením mezinárodnosti a apolitičnosti architektury ve službách krásy.
Kostel Santa Cristina , Turín
Kostel San Lorenzo , Turín
kostel a svatyně Consolata , Turín
Kostel svatého Filipa Neriho , Turín
Období vývoje baroka v malířství se nekryje s politickým rozložením. Badatelé se domnívají, že politicky se toto období dělí na protireformaci v čele s papežským Římem a absolutismus , jehož charakteristický obraz vznikl ve Francii v 17. století za „ krále slunce “.
V Římě, oficiálním hlavním městě papeže, se rozvinul takzvaný majestátní způsob malby (Maniera grande). Tato malba byla úzce spjata s žánrem historie a mytologie a inkarnaci zápletek určovala antická či biblická témata v ideálním prostředí, s ideálními postavami uměle očištěnými od každodenního života. Hrdinové byli majestátní, věčně mladí, plní zdraví a elánu, pohybovali se nebo stáli v majestátních pózách a s majestátními gesty. Obrázky byly upřímně oslavovány a prezentovány jako příklady ctností nebo jako vzory v chování. Příklady Maniera grande v 17. století byly Pietro da Cortona , Annibale Carraci , Guido Reni , Guercino . Majestátní způsob oslavoval katolické světce, papeže, starověké římské císaře a současné politické panovníky. Nástěnné malby a fresky v kostelech a palácích, historické malby, oltářní malby, náboženský obraz sám o sobě, slavnostní oficiální portrét byly zakresleny na oběžnou dráhu Maniera grande . Oficiální linii ztělesňovali umělci, kteří sloužili papežskému dvoru.
Annibale Carraci . Triumf Bakcha a Arianny, freska
Pietro da Cortona . Plafond Palazzo Barberini
Pietro da Cortona . Papež Urban VIII
Ve stejném Římě se objevila demokratická větev baroka, personifikovaná v dílech Caravaggia a jeho následovníků. Caravaggio nekoreloval svá díla s požadavky aristokratického Maniera grande (ačkoli většina jeho děl byla náboženská témata), ale naplňoval je skutečnými pocity demokratického, lidového prostředí, pocity, které sám dobře znal. Caravaggiovu cizost dobře pociťovali představitelé oficiálního umění papežského hlavního města, kteří zahájili kampaň drtivé kritiky umělcova uměleckého způsobu a diskreditace jeho autority jak za jeho života, tak v teoretických pojednáních a memoárech. To nebránilo méně nadaným umělcům z tábora oficiálního umění studovat umělecké nálezy Caravaggia a využívat je ve svých dílech ( Giovanni Baglione ).
Gverchino . "David se modlí vedle useknuté hlavy Goliáše"
"Judith s hlavou Holofernes"
Georges de Latour . „Svatá Irene zachraňuje svatého Sebastiana“
Orazio Gentileschi . "Dívka hrající na loutnu"
Kapuce. Valentin de Boulogne . „Mučednictví svatého Martyriana a Processa“
Theodor Rombouts . "Hráči karet"
Battistello Caracciolo . "Cesta na Kalvárii"
Matyáš Stom . "Zajatý Mucius Scaevola si spálí vlastní ruku, aby vyděsil vetřelce Porsenu."
Artemisia Gentileschi . „Judith usekne Holofernesovi hlavu“
José de Ribera . "Anděl vyvádí apoštola Petra z vězení"
Ve 20. století pokračoval proces hloubkového studia umění minulých epoch, který začal v 19. století. Jestliže historikové umění 19. století vrátili slávu Frans Hals , Jan Vermeer , El Greco , pak vědci 20. století znovu objevili velikost a vysoké umělecké kvality Pinzelových soch a barokních „umělců reality“.
Italský historik umění Roberto Longhi upozornil na skupinu barokních mistrů , kteří zaujímali zvláštní místo v umění té doby. Nedrželi se Maniera grande, ale nebyli ani zastánci karavagismu . Drobné výpůjčky z obou stylových směrů jen potvrzovaly jejich soužití s karavaggisty a mistry oficiálního Maniera grande. Tito mistři přitom neztratili svou osobitost, odlišnost od tvůrců kostelních a palácových fresek či příznivců karavagismu .
Roberto Longhi a nazval je „umělci reality“. Obsahují:
Z nich poněkud uměle byli do skupiny „umělců reality“ přidáni Gaspare Traversi a Giacomo Ceruti , jejichž tvorba spadala do 18. století, ačkoli navazovala na realistické trendy minulého století v barokním stylu Itálie .
Dá se říci, že v malířství Itálie 17. století se historicky vyvinula situace koexistence tří uměleckých směrů:
Na počátku 17. století stále aktivně působili představitelé pozdního italského manýrismu , kteří ztráceli své pozice. Tvůrčí počiny nových generací italských i zahraničních mistrů vytlačují manýrismus na okraj umění v okrajových zemích Evropy ( Holandsko , německá knížectví, ruský stát ).
Eberhard Keil . "Krajkář"
Gaspare Traversi . "Kdyby mládí vědělo, kdyby stáří mohlo"
Giacomo Ceruti . "Trpaslík"
Eberhard Keil . "Návrat z lovu"
Giovanni Battista Recco . "Zátiší s jablky a zeleninou"
Bartolomeo Passarotti . "Řeznictví"
Caravaggio . "Ovocný koš"
Guido Cagnacci . "Květiny"
Giuseppe Recco . „Zátiší s rybami“
Paolo Porpora . "plazi"
Cristoforo Munari . "Zátiší s keramickým nádobím, dýní a zelím"
Událostí v umění města byla krátká a vynucená návštěva Michelangela da Caravaggia , který si v Neapoli zachránil život před trestem za vraždu spáchanou v Římě. Dvě kompozice od Caravaggia („Sedm děl milosrdenství“ a „Bičování Krista“) kladou velmi vysokou úroveň morálních požadavků v místní malbě. Na místní řemeslníky zapůsobil i umělecký styl umělce s ostrými kontrasty světla a stínu a prostý typ postav. Neapolská umělecká škola se neřídila aristokratickým vkusem bohatých. Pozitivně proto vnímala nálezy demokratické větve baroka, jejímž zosobněním byla díla Caravaggia. Navíc v Neapoli nedošlo k žádné tvrdé konfrontaci mezi představiteli pozdního manýrismu a baroka , jako v Římě. Většina neapolských umělců bude mezi následovníky Caravaggia, včetně Španěla Jose de Ribera , jeho studenta Lucy Giordana (všechna raná díla), Battistello Caracciolo , Artemisia Gentileschi , Mattia Preti , Massimo Stanzione . V Neapoli byly požadavky Maniera grande a akademická hierarchie žánrů stěží hmatatelné, takže umělci ochotně malují tzv. „nízké žánry“ – krajiny a zátiší. A tyto žánry rozvíjejí po svém, čili fantasy (fantastické krajiny měst Monsou Desiderio , krajiny Salvatora Rosy ), nebo čistě realistické (zátiší Jacopa da Empoli , Giovanni Battista Ruoppolo , Paolo Porpora , Giuseppe Recco ).
Bravurní alegorickou a dekorativní malbu vyvinuli Luca Giordano (pozdní období kreativity) a Francesco Solimena .
Příspěvek benátských umělců k baroknímu umění 17. století byl tak nepatrný, že jej nelze srovnávat s etapami 15. nebo 16. století . Část umělců – rodáků z Benátek jej opouští a pracuje v jiných uměleckých centrech. Například Carlo Saraceni , původem Benátčan, pracoval téměř celý život v Římě , kde se stal jedním z následovníků Caravaggia . Ale jeho dílo nemělo žádný vliv na uměleckou situaci v Benátkách. Na konci 17. století působila v Benátkách řada mistrů, kteří se drželi stylu tenebroso , započatého Caravaggiom a rozvinutého jeho následovníky ( caravaggism ), avšak bez významných úspěchů svých předchůdců.
Všechny nejlepší kvality italského baroka jsou plně ztělesněny v sochařství. Sochařství bylo úzce spjato s architekturou a jeho ideová zátěž, sloužila jako akcenty římských náměstí, se odrážela v nikách průčelních fasád kostelů, paláců a na jejich parapetech. Stejně jako v renesanci byly hlavními materiály italských sochařů bronz a mramor . Zdá se, že každou událost v životě církve nebo v životě člověka dokázali zákazníci a architekti využít k vytvoření soch. Jedná se o oltáře a reliéfy s biblickými či mytologickými náměty, sochy pro fontány a bronzové pomníky, náhrobky, dekorativní plastiky pro venkovské vily a četné barokní zahrady.
Ale sochaři byli přísně kontrolováni zákazníky - samotným papežem, kardinály , zástupci církevních obcí, vysokými úředníky, bankéři a šlechtou. Právě oni regulovali tématiku a ideovou zátěž budoucích děl. Cílem je chválit katolicismus jako vyznání a jeho vítězství nad nepřáteli. Papežský Řím, výheň duchovního a hříšného, nebeského a pozemského, náboženského a skutečného, prokázal architekturou a sochařstvím svou vlastní oddanost katolicismu a zbožnosti. Proto je v italském sochařství tolik oltářů na biblické náměty, jednotlivé plastiky apoštolů a církevních otců, reliéfy s výjevy ze života Panny a Krista, andělé a výjevy umučení svatých.
Stefano Maderno je považován za prvního výhradně barokního sochaře (zrozeného z děl Michelangela Buonarrotiho ) . Mezi charakteristická díla sochaře patří mramorová svatá Cecílie (ve výklenku nad oltářem v kostele pojmenovaném po ní). Sochař použil legendu a představil Cecilii v poloze, ve které údajně našli mrtvou ženu v hrobě (nepřirozená póza, hlava odhozená dozadu atd.). Stefano Maderno se stane hlavní postavou italského sochařství.
Vysokou uměleckou a technickou úroveň římského barokního sochařství nastolila díla Lorenza Berniniho a o něco méně Alessandra Algardiho . Došlo také ke konfrontaci mezi dvěma autoritativními mistry barokního sochařství, ale ne tak napjaté a dramatické jako mezi Lorenzem Berninim a Francescem Borrominim .
Lorenzo studoval u svého otce, sochaře Pietra Berniniho , představitele manýrismu . Když se otec a syn přestěhovali do Říma, začali jako mistři běžných zahrad a zahradních soch. Několik okolností se vyvinulo příznivě ve prospěch Lorenza a jeho otce a oni jich úspěšně využili. Právě Berniniho otec a syn pracovali na vytvoření zahrady Villa Borghese ve Frascati , kterou vlastnil Scipione Borghese , synovec papeže a nejvlivnější z patronů tehdejšího Říma. Když si kardinál všimne Lorenzových bystrých schopností, stane se jeho patronem a patronem . Záštita kardinála byla oficiálním krytím záštity a samotného papeže. Tři z nejlepších děl raného období od Lorenza Berniniho byla vytvořena speciálně pro Scipione Borghese (Pluto a Proserpina 1622, David 1623, Apollo a Daphne 1622-1625).
Lorenzova první sochařská díla naznačují jeho studium soch z helénistické éry, s menšími vlivy z manýrismu . Kromě tematických soch vytvořil Lorenzo také portréty - bustu . Ve 22 letech vytvořil bustu papeže Pavla V., což byl nesmírně zodpovědný úkol. Poprsí se mi líbilo. V důsledku toho se Lorenzova kariéra rychle plížila nahoru.
Lorenzo Bernini sehrál velmi důležitou roli při výzdobě interiéru sv. Petra sochami . Obrovské bronzové ciborium , Stolice sv. Petra (prvního papeže podle církevní legendy), řada plastik světců, reliéfy, náhrobky, obkladové zdi a pylony s různobarevným mramorem - to vše bylo vytvořeno podle skic Lorenza Berniniho mistry z jeho velké římské dílny. Bernini se bude na výzdobě katedrály podílet téměř padesát let (s přestávkou).
Giovanni Battista Foggini . Vittoria della Rovere
Alessandro Algardi . „Souboj archanděla Michaela s démonem“
Pietro Tacca . socha fontány "Chlapec s dýmkou"
Massimiliano Soldani . "Plakání Krista"
Giovanni Battista Foggini . "Vévoda Ferdinand II Medici"
Massimiliano Soldani . Váza s Galateou, zlacená terakota
Pierre Le Gros mladší . Apoštol Tomáš, terakota
Ercole Ferrata . Náhrobek Giulia del Como
Antonio Tarsia . Socha Nemesis v letní zahradě Petrohradu
Bernardo Falconi . "Madonna a dítě" (fasáda kostela Santa Santa Maria di Nazareth )
Lorenzo Bernini . "Pravda, kterou čas odhalí"
Stefano Maderno . "Herkules"
Mezi obrovským počtem římských sochařů bylo několik generací - Stefano Maderno (1576-1636), Pietro Baratta (1659-1729), Alessandro Algardi (1598-1654), Pietro Tacca (1577-1640), Giovanni Battista Foggini (1652- 1725), Ercole Ferrata (1610-1686), Giuliano Finelli (1602-1653), Paolo Naldini (1619-1691), Domenico Guidi (1625-1701), Camillo Rusconi (1658-1728), Melchiore -166636 Giuseppe Mazzuoli (1644-1725) a další.
Atraktivita římského baroka a vyhlídky na kreativitu v papežském hlavním městě byly tak významné, že do Itálie přicházeli pracovat i zahraniční katoličtí sochaři. Vlámský François Duquesnoy (1597-1643), Francouz Pierre-Etienne Monnot (1657-1733), Jacques Sarazin (1590-1660) a Pierre Le Gros mladší (1666-1719) se zapojí do italského uměleckého procesu v Římě nebo v Itálii . Giovanni Maria Morlaiter (1699-1781), původem Němec, působil v Benátkách.
Méně kontrolované cenzurou bylo portrétní sochařství. Mezi nejlepší příklady portrétu éry Seichento patří díla Lorenza Berniniho : bustové portréty vévody Francesca I d'Este a francouzského krále Ludvíka XIV . Plně ztělesňovaly Berniniho dar v dekorativním umění a schopnost vytvořit komplementární , ale velkolepý obraz, připomínající ideál šlechty.
Villa Poiana . farma terra
Pietro Baratta . Kostel San Ste , sousoší na fasádě
Druhé známé centrum dekorativního a krajinářského sochařství se rozvinulo v Benátské republice . Po vojenském zachycení Konstantinopole osmanskými Turky a zániku Byzance jako státu se rozsah obchodu v Benátkách znatelně snížil. Vláda Benátek vedla kampaň za získání půdy pro farmy terra obchodníky . Kampaň byla úspěšná a bývalí obchodníci a majitelé lodí se stali vlastníky půdy. Pozemky však byly bažinaté, a tak zde byly zahájeny rozsáhlé rekultivační práce na odvodnění. Jsou zde četné farmy, vinice a venkovské vily. Známé se staly zejména vily podél řeky Brenty . Majitelé sem přenesli i šlechtické zvyky: budovy zdobí fresky , obrazy, jsou zváni hudebníci, zpěváci a herci, vybavují se fontány, kanály a mola, vznikají barokní zahrady se sochami. Proslavila se například vila Antonia Riccardiho, kde bylo dokonce vybaveno divadlo pod širým nebem, které se dochovalo dodnes.
Baroko mělo na benátskou sochařskou školu minimální vliv, protože v Benátkách byli jezuité podezřelí z monopolizace baroka. Styl benátských mistrů je méně divadelní a vyváženější, i když většina mistrů se drží stejných dějových schémat a alegorických obrazů. V Benátkách je virtuózních mistrů méně a mají blíže k řemeslnému prostředí (lidové umění zedníků a řezbářů). Existují případy, kdy se lodní tesaři ujali vyřezávání mramorových zahradních soch, které se používaly k výzdobě malých zahrad u venkovských domů (vil). Jsou mezi nimi Pietro Baratta , Alvise Tagliapietra , Giovanni Bonazza , Francesco Robba , Giuseppe Torretto , Antonio Tarsia , Antonio Corradini .
Velký rozkvět zaznamenala zahradní a parková plastika. Dominovaly mu dekorativní kvality, mytologické a alegorické zápletky vlastní práci na seriálu - čtyři roční období (Zima, Jaro, Léto, Podzim), čtyři alegorie průběhu dne (Den, Večer, Noc, Jitřenka nebo Aurora). ), alegorie věd (Astronomie, Navigace) nebo ctností (Milosrdenství, Spravedlnost, Velkorysost), bohové starověkého římského panteonu a podobně.
Pietro Baratta . "Alegorie obchodu" v letní zahradě Petrohradu
Pietro Baratta . "Alegorie architektury", v letní zahradě Petrohradu
Villa Porto terra farma
Villa Pisani ve Stra , barokní socha v zahradě
Jacques Callot . "Starý šlechtic" (série "Nobility of Lorraine")
Jacques Callot . "Apoštol Pavel"
Jacques Callot . "Slepec a jeho společník" ze série "Žebráci".
Daniel Maro . "kovová brána"
Jean Berin. "panelový ornament"
Simon Wue . "Vzor grotesky"
Claude Lorrain . "Tanec na břehu řeky", lept
Robert Nanteuil . "Ministr Jean Baptiste Colbert "
Stefano della Bella . "Přístav". leptání
Daniel Maro . „Groteska s krajinou“
José Ribera , "opilý Silenus", lept
Jacques Callot . „Dvě divadelní postavy“
Daniel Maro . Interiér knihovny.
Abraham Boss , " Tiskárna leptů "
Robert Nanteuil . „Nemocná Anna Rakouská , královna Francie“
Abraham Boss , "dílna rytců"
Období baroka vyprodukovalo více sběratelů medailí než vynikajících řemeslníků v oboru. Skříňky byly hojně využívány – obsahovaly specifický nábytek, kde byly uloženy šperky, dopisy, psací potřeby, mince a medaile. Později se sálům, kde byl tento nábytek umístěn, říkalo také skříně.
Itálie ztrácí své vedoucí postavení v medailérském umění , které měla v 15. a 16. století. To je poněkud překvapivé, protože v Itálii byla v předchozích etapách řada vysoce nadaných sochařů a šperkařů tradičně spojovaných s medailérským uměním .
Přestože výroba medailí zcela neustala, své pozice na horizontu medailérského umění začala posilovat i neitalská centra (Německo) . Kromě toho vznikají nové státy - Commonwealth , Švédsko , Rusko . Je známo, že Falešný Dmitrij I. po vstupu do Moskvy vydal rozkaz k výrobě několika medailí. Přežili. Předpokládá se, že byly vyrobeny razítky polských mistrů z Krakova nebo Sandomierze .
Po bitvě u Norimberku v roce 1632 nařídil švédský král Gustav II Adolf Vasa výrobu speciálních medailí pro armádu, které se nosily na zlatých řetízcích. Stali se předchůdci moderních cen.
V Moskvě v roce 1682 princezna Sofya Alekseevna udělila medaili generálu Shepelevovi za potlačení povstání Streltsy . Sláva medailéra z Německa, který působil ve městech Augsburg a Norimberk , zasáhla i Rusko. Philip Heinrich Müller (1654-1719) Plnil zakázky jak od bohatých lidí z německých knížectví, tak od ruského cara Petra I. , kde medailová škola západoevropského stylu teprve dělala své první krůčky.
Medaile na počest vítězství Zikmunda III u Smolenska v roce 1611
Polský král Zikmund III . a manželka Anna Rakouská
Massimiliano Soldani . Medaile na počest Christiny Švédské
15 dukátů z doby Zikmunda III . s erbem Commonwealthu
Medailář Samuel Ammon. Zikmund III
Národní tradice výroby keramiky byly založeny v Itálii během renesance . Již v první polovině XVI. století. proslula řada keramických center, mezi nimi - Gubbio , Castel Durante, Siena , Faenza , Deruta , Savona . Tehdy se objevilo lékárnické náčiní, vázy, tzv. „svatební nádobí“, zdobené portréty nevěst a jejich jmény. O něco později jsou výjevy ze slavných obrazů a rytin italských umělců přeneseny do malby. Výroba fajánse a majoliky neustala ani v 17. století. Nejznámější jsou výrobky manufaktury Castelli s obrazy krajin a výrobky savonských dílen , malované vzory napodobujícími malbu na čínský porcelán.
Cenný čínský porcelán už desítky let obrací hlavy evropských keramiků, chemiků a technologů. Pokus o nalezení tajemství výroby čínského porcelánu provedli florentští keramikáři, což vedlo pouze k vytvoření měkkého medicejského porcelánu . Čest znovuobjevit tajemství čínského porcelánu patří vědci a technologovi Böttgerovi ze Saska , nikoli Italům.
Výroba koberců nebyla v Itálii rozšířená. I když jsou známy vzácné případy, kdy byly stěny italských kostelů a katedrál zdobeny koberci. Například slavná Sixtinská kaple ve Vatikánu má vlastní sadu dějových koberců .
Na vytváření kartonů pro budoucí koberce se podílela řada italských umělců, včetně Rafaela Santiho , Giulia Romana , Beccafumiho , Antonia Baccacca, Battisty Dossiho a dalších mistrů manýristické éry . Italští tkalci nechápali specifika výroby koberců, a tak jejich výrobu svěřili zručnějším cizincům, parcelové koberce objednávali ve Francii nebo Flandrech. Italové dokázali vytvořit řadu kobercových dílen ve městech Mantova , Ferrara , Florencie , Milán na dvorech místních knížat. Ale výrobky byly výrazně horší než koberce mistrů Francie a zejména Flander. Italové šli jinou cestou. Takže manufakturu na koberce v Římě na dvoře papeže založil Francouz Renaud de Menuar. Tato manufaktura vydržela až do 19. století.