Elektronická hudba

Elektronická hudba ( německy  elektronische Musik , anglicky  electronic music ) je hudba vytvořená pomocí elektrických hudebních nástrojů a elektronických technologií (počítačové technologie od posledních desetiletí 20. století). Jako specifický směr ve světě hudby se elektronická hudba zformovala ve druhé polovině 20. století a začátkem 21. století se rozšířila v akademické i populární kultuře.

Elektronická hudba operuje se zvuky, které jsou schopny produkovat elektronické a elektromechanické hudební nástroje, a také se zvuky, které vznikají pomocí elektrických/elektronických zařízení a různých měničů (magnetofony, generátory, počítačové zvukové karty, snímače atd.), které v pravém slova smyslu nejsou hudební nástroje.

Až do poslední třetiny 20. století byla elektronická hudba spojována především s experimenty (jak v SSSR , tak v zahraničí) v akademické hudbě , ale tento stav se změnil s nastolením masové výroby zvukových syntezátorů v 70. letech 20. století. Syntetizátory se díky své nízké ceně staly dostupnými široké veřejnosti. Tím se změnil obraz populární hudby – syntezátory začalo používat mnoho jazzových, rockových i popových hudebníků. Na počátku 21. století zahrnuje elektronická hudba širokou škálu stylů a žánrů – od jednotlivých experimentů avantgardních umělců až po široce replikovanou užitou hudbu .

Původ: konec 19. a začátek 20. století

Schopnost nahrávat zvuky je často spojována s myšlenkou produkce elektronické hudby. To ale neznamená, že cílem nahrávacího procesu je produkce elektronické hudby.

V roce 1857 si francouzský vydavatel a knihkupec Edouard Léon Scott de Martinville nechal patentovat zařízení, které vynalezl, phonoautograph .

Phonoautograph byl prvním zařízením, které umožňovalo nahrávat zvuky, ale neumělo je reprodukovat.

V roce 1878 si americký vynálezce Thomas A. Edison patentoval fonograf . Edisonův fonograf, stejně jako Scottův fonograf, používal k záznamu zvuků válce, ale na rozdíl od fonografu bylo možné zvuk jak nahrávat, tak přehrávat.

V roce 1887 představil americký vynálezce Emile Berliner svůj vynález – diskový fonograf.

V roce 1906 se objevil zásadní vynález, který měl hluboký vliv na vývoj elektronické hudby. Byl to triodový elektronkový zesilovač ( audion ) navržený americkým vynálezcem Lee de Forest . Byla to první vakuová trubice, sestávající ze skleněné nádoby s termoiontovou katodou uvnitř, která umožňovala generovat a zesilovat elektrické signály. Vynález elektronky znamenal začátek rozhlasového vysílání a umožnil vznik elektronických výpočetních procesů.

Dávno předtím, než existovala elektronická hudba, existovala mezi skladateli touha využívat nově vznikající technologie pro hudební účely.

Vzniklo několik nástrojů, při jejichž konstrukci byly použity mechanické i elektronické součástky. Právě tyto nástroje otevřely cestu ke vzniku pokročilejších elektronických nástrojů.

V období 1898 až 1912 pracoval americký vynálezce Tadeusz Cahill na vytvoření elektromechanického nástroje zvaného telharmonium ( angl.  Telharmonium ). Tento nástroj však nebyl přijat kvůli svým rozměrům: jeho verze z roku 1906 vážila asi 200 tun, jeho pohyb pokrýval plochu přibližně rovnou 18 m².

Theremin je považován za první elektronický nástroj . Theremin vytvořil ruský vynálezce Lev Theremin kolem roku 1919-1920. Jedná se o nástroj, ve kterém je zvuk extrahován pohybem rukou interpreta v elektromagnetickém poli dvou kovových antén.

Mezi rané elektronické nástroje patří také: zvukový kříž ( fr.  Croix Sonore ), vynalezený v roce 1926 ruským skladatelem Nikolajem Obukhovem , a Martenotovy vlny , vynalezené francouzským hudebníkem Mauricem Martenotem v období od roku 1919 do roku 1928. Nejznámějším příkladem použití Vln Martenot je symfonie Turangalila od Oliviera Messiaena a jeho další skladby. Nástroj Waves de Martenot byl také používán k psaní hudby jinými převážně francouzskými skladateli, jako je André Jolivet .

Skica pro novou estetiku hudebního umění

V roce 1907, pouhý rok po vynálezu audionu, vydal Ferruccio Busoni pojednání Náčrt pro novou estetiku hudebního umění (německy Entwurf einer neuen Ästhetik der Tonkunst ), ve kterém se zabýval možností využití elektrických a jiných zdrojů zvuku v hudbě budoucnosti. Předpokládal, že v budoucnu se oktáva bude dělit na více půltónů, než by bylo možné klasické ladění, kdy se oktáva skládá z 12 půltónů, a to se stane možné díky Cahillovu dynamofonu: „Pouze dlouhá a pečlivě provedená řada experimentů a neustálého tréninku sluchu pomůže nové generaci učinit tento neznámý materiál vhodným pro práci a umění.

Také ve svém díle „Náčrt nové estetiky hudebního umění“ Busoni píše (srovnává hudbu se staršími uměleckými formami - malířství, architektura a sochařství):

Hudba jako umění bude sotva 400 let stará; současný stav hudby je jen jednou z fází jejího vývoje, možná úplně první fází nad rámec dnes přijímaného konceptu, a my – říkáme, že hudební forma, která se dnes vyvinula, je „klasika“ a „posvátné tradice“ ! A o tom se bavíme už nějakou dobu! Vytvořili jsme pravidla, stanovili zásady, uložili zákony; Na dítě aplikujeme zákony vytvořené pro zralého člověka. Dítě ale o zodpovědnosti nic neví! Toto dítě je mladé, uvědomujeme si, že je nějak výjimečné, a tato vlastnost nám umožňuje pochopit, že už zašlo dále než jeho starší sestry. A této vlastnosti se zákonodárci nedočkají, protože jinak jsou jejich zákony předurčeny k zapomnění. Toto dítě se vznáší ve vzduchu! Nedotýká se nohama země. Toto dítě nepodléhá zákonu gravitace. Je nehmotný. Skládá se z nějaké průhledné hmoty. Toto dítě je vyrobeno z rezonančního vzduchu. Toto dítě je téměř ztělesněním přírody v celé její podstatě. Je to zdarma! Ale svoboda je něco, co lidstvo nikdy plně nepochopilo, nikdy si neuvědomilo svou pravou podstatu. Lidé nemohou ani pochopit, ani rozpoznat existenci svobody. Zákonodárci popírají poslání tohoto dítěte; visí na jeho bedrech těžký náklad pravidel a zákonů. Sotva je mu dovoleno skákat - zatímco je to jeho přirozenost - sledovat linii duhy a rozbíjet proudy slunečního světla mraky.

Busoniho myšlenky vyjádřené v tomto pojednání měly hluboký vliv na mysl mnoha hudebníků a skladatelů. Nejvíce však ovlivnil svého žáka Edgarda Varèse :

Už dříve jsme spolu diskutovali, jakou cestou se bude hudba v budoucnu ubírat, přesněji řečeno, měla by jít, ale nemůže, protože je svázána rukama a nohama pravidly, která nastavila temperamentní škála. Posteskl si, že jeho klávesový nástroj přiměl naše uši vnímat jen nekonečně malou část nekonečně rozmanitých zvuků přírody. Velmi se zajímal o elektrické nástroje, o kterých jsme slyšeli, a vzpomínám si, že jsem četl o dynamofonu. V jeho pojednání lze najít obrovské množství předpovědí o hudbě budoucnosti, které se postupně naplňují. Nyní není nic, co by nemohl předvídat. Například: „Jsem si docela jistý, že k vytvoření skvělé nové hudby budou potřeba stroje. Snad k uměleckému vzestupu přispěje i průmysl.“

Futuristé

V Itálii přistoupili futuristé ke změně hudební estetiky z různých úhlů. Hlavní myšlenkou futuristické filozofie je ocenit „hluk“ a umístit umělecké a výrazové složky do zvuků, které by se ani přibližně nedaly považovat za hudební.

V roce 1911 vydal italský muzikolog a skladatel Balilla Pratella „Technický manifest pro hudbu budoucnosti“, podle kterého je krédem futuristů: „Ukázat hudební duši mas, velké továrny, železniční tratě, transatlantické parníky , válečné lodě, auta a letadla. K věčným hlavním tématům hudebních děl přidejte ducha strojů a elektřiny, který pronikl do všech sfér života.

11. března 1913 zveřejnil futurista Luigi Russolo svůj manifest The Art of Noises . 21. dubna 1914 v Miláně uspořádal první koncert „noise artu“. Při tomto koncertu byly použity jeho hlukové stroje, které sám Russolo popsal jako „akustické hlukové nástroje, jejichž zvuky (vytí, řev, míchání karet, bublání a podobně) byly vyrobeny ručně a dostávaly se k publiku přes klaksony a megafony“ . V červnu se podobné koncerty konaly v Noterbungu.

20.–30. léta 20. století

Během těchto deseti let se objevilo mnoho elektronických nástrojů a prvních skladeb pro ně.

Prvním elektronickým nástrojem byl etherofon, který vynalezl Lev Theremin v letech 1919-20 v Leningradu, později přejmenovaný na theremin [1] . S příchodem thereminu se objevily i první skladby pro elektronické nástroje. Tyto skladby se hodně lišily od děl „šumoviků“. A to vedlo k tomu, že se změnil účel použití strojů v hudbě.

V roce 1927 vyvinul americký vynálezce JA O'Neill zařízení využívající magnetickou pásku – to posunulo proces nahrávání na novou úroveň. Komerční úspěch ale toto zařízení nepřineslo.

V roce 1928 vynalezl Maurice Martenot , francouzský violoncellista, nástroj „ Martenot waves “ a debutoval s ním v Paříži.

V roce 1929 napsal skladatel Joseph Schillinger suitu pro theremin a orchestr – „První airphonic Suite“ . Suita byla poprvé uvedena s Cleveland Orchestra se sólistou Levem Thereminem. Ve stejném roce americký skladatel George Antheil poprvé ve své tvorbě napsal části pro mechanické nástroje, elektrické šumové stroje, motory a zesilovače. Tyto části napsal pro operu Monsieur Bloom, kterou však nikdy nedokončil.

V roce 1930 Lawrence Hammond (Hammond) založil svou společnost na elektronické nástroje. Zahájil rozšířenou výrobu „ Hammondových varhan “, které uplatňovaly stejný princip zvukové produkce jako v Cahillově telharmoniu . Hammond také uvedl do výroby další vynálezy, jako je časný reverb. Také Hammond ve spolupráci s Johnem Hanertem ( John Hanert ) a CN Williamsem ( CN Williams ) vynalezl další elektronický nástroj – „novacord“. Novacord byl první komerční polyfonní syntezátor. Poprvé byl „novacord“ představen veřejnosti v roce 1939 na Světové výstavě v New Yorku, ale již v roce 1942 byl ukončen.

Metoda fotooptického záznamu zvuku, používaná v kinematografii, umožnila vidět grafický obraz zvukové vlny. Tato metoda také umožnila realizovat proces syntézy zvuku grafickým zobrazením budoucího zvuku na povrchu filmu. Hudebník musel hudbu doslova malovat.

Během tohoto období začali hudebníci jako Tristan Tzara , Kurt Schwitters , Filippo Tommaso Marinetti a další experimentovat se „sound artem“ nebo Sound artem .

Vývoj: 40. a 50. léta

Elektroakustická hudba pro magnetickou pásku

Nekvalitní polovodičové magnetické záznamové stroje se používají od roku 1900. Počátkem 30. let 20. století začal filmový průmysl u zvukových filmů aplikovat metodu fotooptického záznamu zvuku. Přibližně ve stejné době vyvinula německá elektronická společnost AEG první magnetický záznamový přístroj „Magnetophon“ K-1, který byl představen v srpnu 1935 na mezinárodní rozhlasové výstavě v Berlíně [2] .

V roce 1940 obdržel německý inženýr Walter Weber patent na technologii vysokofrekvenčního zkreslení střídavého proudu, která výrazně zlepšila kvalitu záznamu a přehrávání. V roce 1941 společnost AEG vydala nový model magnetofonu (Magnetophon K4-HF), který jako první používal technologii vysokofrekvenčního zkreslení objevenou Weberem. V roce 1942 provedla společnost AEG experimenty se stereofonním záznamem zvuku [3] .

Magnetická páska otevřela řadu nových možností pro manipulaci se zvukem pro hudebníky, skladatele, producenty a inženýry. Magnetická páska byla relativně levným a velmi spolehlivým nosičem zvuku. A znělo to lépe než jakékoli jiné zvukové nosiče té doby. Ale co je nejdůležitější, magnetický film se používal stejně snadno jako film. Stejně jako film mohl být upraven podle představ autora: nežádoucí části filmu bylo možné odstranit nebo přesunout na jiné místo; bylo možné kombinovat filmy z různých médií. Pásku lze slepit tak, aby se vytvořil smyčkový efekt jednoho nebo více zvuků. Rychlost filmu by se dala zpomalit nebo zrychlit. Pásku bylo možné přehrávat tam a zpět a přetáčet.

Zesilovače signálu a editační zařízení dále rozšířily možnosti pásku jako záznamového média, což umožňuje znásobit nahrávky (živé zvuky, řeč, hudbu), aby byly smíchány dohromady a nahrány na další pásku s relativně malou ztrátou kvality zvuku. Dalším nečekaným překvapením bylo, že magnetofony bylo možné přeměnit na echo stroje, které by přehrávaly komplexní, ovladatelné vysoce kvalitní echo a reverb efekty . Většinu těchto efektů prostě nebylo možné simulovat mechanickými zařízeními.

Výroba magnetických záznamových zařízení, která byla uvedena do provozu, okamžitě vedla ke vzniku nové formy elektronické hudby - elektroakustické hudby .

První elektroakustický kus napsal v roce 1944 Halim El-Dabh, student z Káhiry , hlavního města Egypta [4] . Halim El Dabh, přítomný na starověkém mystickém očistném rituálu zaar ( angl.  zaar ), nahrál zvuky nástrojů a hlasy zpěváků pomocí objemného magnetofonu na pevný nosič (na drát). Nahraný materiál zpracoval ve studiu jednoho z místních rádií, do nahrávky přidal echo a reverb efekty. Hra se jmenovala "The Musical Image of the Zaar Ceremony" ( angl.  The Expression of Zaar ) a byla uvedena v roce 1944 na jedné z akcí pořádaných v káhirské umělecké galerii. Experimenty Halima El-Dabha s magnetickým filmem nebyly v té době známy mimo Egypt, ale je známý pro svou pozdější práci v elektronické hudbě na Princetonském centru Kolumbijské univerzity na konci 50. let.

Specifická hudba

Krátce po zavedení nových záznamových médií, magnetofonu a magnetofonu, začali skladatelé používat tato média k vytvoření nové techniky skládání hudby, ve které by nahrávaný zvuk hrál hlavní roli. Tato technika kompozice byla nazývána „ konkrétní hudbou “ ( francouzsky  musique concrète ). Úkolem skladatele pomocí této techniky je vytvořit fonogram z nahraných fragmentů přírodních a industriálních zvuků.

V roce 1918 Arsenij Avraamov , pod pseudonymem Revarsavr, napsal „Symfonii rohů“, která používala výstřely, řev motorů, tovární klaksony a městský hluk [1] . První díla vytvořená touto technikou upravil francouzský zvukař a inženýr Pierre Schaeffer . 5. října 1948 Francouzská rozhlasová společnost ( Fr.  Radiodiffusion Française - RDF ) odvysílala Schaefferův program s názvem „Koncert zvuků“. Na programu bylo pět skladeb, včetně jednoho ze skladatelových prvních děl, Etude  aux chemins de fer . Tato událost znamenala začátek nového hudebního směru - "tape music" ( angl.  tape music ). Způsob provedení této hudby je veřejné přehrávání vytvořeného zvukového záznamu.

V roce 1949 se Pierre Henri připojil k Schaefferovi . Jejich spolupráce měla hluboký a trvalý dopad na vývoj elektronické hudby.

Dalším kolegou Pierra Schaeffera byl skladatel Edgard Varèse , který v té době pracoval na hře "Pouště" ( fr.  Déserts ) - skladbě pro komorní orchestr a film. Části kazety byly nahrány v Schaefferově studiu a později remasterovány na Columbia University .

V roce 1950 uspořádal Pierre Schaeffer první veřejný koncert konkrétní hudby na hudební škole v Paříži. V tomto představení Schaeffer použil systém pro zesílení zvuku, několik gramofonů a několik mixážních pultů. Vystoupení neprobíhalo hladce, protože je neuvěřitelně obtížné a nové zkombinovat všechny nástroje, které se obvykle sekvenčně montují ve studiovém prostředí naživo [5] . Ve stejném roce Pierre Henri a Pierre Schaeffer pracovali na Symphony for a Lonely Man ( francouzsky :  Symphonie pour un homme seul ), prvním zásadním díle konkrétní hudby.

V roce 1951 RDF otevřelo první studio pro produkci elektronické hudby. Po francouzském studiu se podobná nahrávací studia začala otevírat po celém světě. Ve stejném roce Henri a Schaeffer složili operu pro specifické zvuky a hlasy Orpheus ( anglicky:  Orpheus ).

Elektronická hudba

V roce 1949 vydal německý fyzik Werner Meyer-Eppler knihu „Sound Radiation: Electronic Music and Synthetic Speech“ ( německy:  Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und synthetische Sprache ), ve které předložil myšlenku, jak syntetizovat hudbu. výhradně ze signálů produkovaných elektrickými zařízeními. V tom se pojetí německé elektronické hudby lišilo od pojetí konkrétní hudby, v níž hlavní myšlenkou byl záznam zvuku, nikoli jeho syntéza.

K prozkoumání možnosti syntézy hudebních signálů v Kolíně nad Rýnem bylo v roce 1950 na rozhlasové stanici WDR založeno nahrávací studio . Navzdory skutečnosti, že v roce 1950 se studio právě začalo stavět, WDR Corporation již v roce 1951 začala vysílat elektronickou hudbu. Prvním vedoucím kolínského studia se stal Herbert Eimert. Brzy se k týmu studia, který tvoří Werner Mayer-Eppler, Robert Bayer, připojili Karlheinz Stockhausen a Godfried Michael König .

Nejznámější a nejvýraznější postavou německé elektronické hudby je K. Stockhausen. Je autorem více než 350 hudebních skladeb, z nichž podstatná část spadá do oblasti experimentální elektronické hudby. Stockhausen popsal zážitek, který posluchači měli při poslechu jeho hudby. Někteří jeho posluchači tvrdili, že měli pocit létat, být ve vesmíru nebo v nějakém fantastickém neskutečném světě.

Sovětská elektronická hudba

V roce 1929 vynalezl Nikolaj Obukhov „znějící kříž“ (la croix sonore), srovnatelný s principem thereminu [6] . Ve 30. letech 20. století Nikolaj Ananiev vynalezl "sonar" a inženýr Alexander Gurov - neoviolena , I. Ilsarov - ilston [7] , A. Rimskij-Korsakov a A. Ivanov - emiriton [6] . Skladatel a vynálezce Arsenij Avraamov se zabýval vědeckou prací na syntéze zvuku a provedl řadu experimentů, které později tvořily základ sovětských elektrických hudebních nástrojů [1] . V roce 1956 Vjačeslav Meshcherin vytvořil první v SSSR Ensemble of Electrical Musical Instruments (EMI), který používal theremin , elektrické harfy , elektrické varhany, první v SSSR syntezátor „ Ekvodin “ [6] , a také vytvořil první sovětský reverb . Styl, ve kterém soubor Meshcherin hrál, se na Západě nazýval „ Pop vesmírného věku “.» [1] . V roce 1957 sestavil inženýr Igor Simonov funkční model šumového telefonu (elektroeolyfonu), pomocí kterého bylo možné extrahovat různé témbry a harmonie šumového charakteru [6] .

Syntezátor "Ekvodyn" i optický syntezátor " ANS " byly vyráběny v malých sériích; Prvním sériově vyráběným elektrickým hudebním nástrojem byly elektrické varhany Yunost-70, vyvinuté v roce 1965. Moskevské experimentální studio elektronické hudby (MESEM), vytvořené Evgeny Murzinem v roce 1966, se stalo základnou pro novou generaci experimentátorů - E. Artěmiev , A. Nemtin , Sh. Kallosh , S. Gubaidulina , A. Schnittke , V. Martynov a další. [6] [1] .

Koncem 60. let se v SSSR objevily hudební skupiny hrající lehkou elektronickou hudbu ( Electron quartet , Rococo ensemble a různé jazzové soubory). Na státní úrovni se tato hudba začala využívat k přilákání zahraničních turistů do země a k rozhlasovému vysílání do zahraničí [8] . Skladatel A. Zatsepin navrhl v 70. letech orchestrální - verzi mellotronu [9] .

V pobaltských zemích se objevili i jejich průkopníci: v Estonsku  - Sven Grunberg , v Litvě  - VIA "Argo" pod vedením Giedria Kupryaviciuse, v Lotyšsku  - skupiny " Opus " a " Zodiac " [1] .

Japonská elektronická hudba

V předválečném Japonsku byly rané elektronické nástroje jako Martenot Waves , theremin a trautonium ( německy Trautonium ) sotva známé. Ale někteří skladatelé, včetně Minao Shibaty, věděli, že takové nástroje již existují. Několik let po konci druhé světové války začali japonští hudebníci experimentovat s elektronickou hudbou. V některých případech vedly tyto experimenty k pozitivním výsledkům pouze díky institucionální finanční podpoře: hudebníci měli možnost pracovat s nejnovějšími modely zařízení pro záznam a zpracování zvuku. Asijská hudba se tak stala součástí vznikajícího žánru elektronické hudby. To později vedlo Japonsko k tomu, aby se během několika desetiletí stalo lídrem ve vývoji hudebních technologií.  

Americká elektronická hudba

V USA byla hudba vytvořena elektronickými prostředky a to je jasně vidět v Marginal Intersection od Mortona Feldmana . Tato práce využívá zvuků větru, perkusí, smyčcových nástrojů, generátorů zvukových frekvencí. Tato hra je také zvláštní v tom, že je napsána ve speciálním Feldmanově „grafickém“ zápisu .

Skladby pro projekt Music for Magnetic Tape napsali členové newyorské avantgardní umělecké skupiny ( New York School ), do které patřili: John Cage , Earl Brown , Christian Wolfe , David Tudor a Morton Feldman . Tato skupina existovala tři roky: od roku 1951 do roku 1954.

Princeton Center, Columbia University

V roce 1951 Kolumbijská univerzita zakoupila magnetofon, profesionální magnetické záznamové zařízení od americké společnosti Ampex , pro záznam koncertů.

Vladimir Usachevsky , který pracoval na katedře hudby na Kolumbijské univerzitě, dostal zodpovědnost za nový magnetofon a téměř okamžitě začal experimentovat s nahráváním hudby.

Tak bylo otevřeno Princetonské centrum elektroakustické hudby na Kolumbijské univerzitě. V roce 1959, po obdržení Rockefellerova grantu , bylo centrum oficiálně otevřeno. Zakladateli centra jsou Vladimir Usachevsky a Otto Luening.

Stochastická hudba

Stochastická hudba je klasifikována jako avantgardní akademická hudba . Za zakladatele metody stochastické kompozice je považován francouzský skladatel řeckého původu Janis Xenakis , „ve skutečnosti však základy této metody byly známy již dříve a historická zásluha Xenakise v tomto ohledu spočívá ve spojení těchto základů s vysokou úrovní hudebně kompoziční techniky (která v kombinaci s originalitou a obsahem samotných uměleckých nápadů dávala jeho dílům význam klasických)“ [10] .

Xenakis začal v hudbě uplatňovat matematiku (matematická statistika, zákon velkých čísel, teorie pravděpodobnosti) a některé obecné vědní disciplíny (teorie informace, teorie množin) v roce 1954; název „stochastická hudba“ se objevil o dva roky později, v roce 1956 [11] .

Termín "stochastický" v teorii pravděpodobnosti znamená náhodnou událost. Z hlediska stochastické hudby je náhodná událost jeden zvuk nebo tón. Jeden zvuk v počítači je reprezentován jako číslo. Ve formě čísel můžete také zobrazit parametry zvuku (výška, délka).

Matematická statistika v hudbě se používá k odhalení logiky hudebního myšlení. Při analýze díla různých skladatelů vypočítají strukturu skladby (například počet taktů ve skladbě a interval jejich opakování), pravidla skladby (například pokud pět tónů jde za sebou v rostoucím směr, pak musí jít šestý dolů a naopak). Když se vytvoří určitá sada pravidel skladby, sestaví se program (algoritmus) pro počítač, podle kterého se vybírají noty k sestavení melodie.

Stochastická hudba je speciálním případem algoritmické hudby.

Druhá polovina 50. let

Australští vědci Trevor Pearcey a Maston Beard vynalezli a postavili CSIRAC ,  jeden z prvních digitálních počítačů .  První testovací program byl proveden v roce 1949. V letech 1950 až 1951 sloužil stroj k přehrávání hudby. Matematik Geoff Hill naprogramoval počítač tak, aby přehrával populární hudební melodie z počátku 50. let. V roce 1951 počítač přehrál oblíbený vojenský pochod „Pochod plukovníka Bogeyho “ . Počítač však přehrával pouze standardní repertoár a nebyl zapojen do hudebního výzkumu. Repertoár CSIRAC nebyl nikdy nahrán, ale hudba, kterou hraje, byla pečlivě restaurována.   

Britská státní hymna a dětská píseň o černé ovci byly prvními nahrávkami hudby hrané počítačem [12] . Byly reprodukovány počítačem Ferranti Mark 1 ( eng.  Ferranti Mark 1 ) - komerční verze Manchester Mark 1 . Program pro přehrávání hudby napsal britský vědec Christopher Strachey . 

V roce 1954 napsal Stockhausen kus „Electronic Etudes-2“ – první dílo elektronické hudby, jehož partitura byla vydána.

V roce 1955 se objevilo několik studií, které experimentovaly s elektronickou hudbou.

Významnou událostí pro svět elektronické hudby bylo otevření tří studií: Studio „Fonologiya“ (Studio di Fonologia) v Miláně; studia v budově japonského vysílání NHK , založeného Toshiro Mayuzumi ; Philips studia v nizozemském městě Eindhoven (v roce 1960 bylo toto studio přesunuto na Utrechtskou univerzitu a přejmenováno na Institute of Sound Studies ( angl.  Institute of Sonology )).

Rok 1956 přinesl světu řadu významných objevů a vynálezů v oblasti elektronické hudby:

1. Louis a Bebe Barronovi napsali hudbu k filmu Zakázaná planeta .  Louis Barron sám navrhl elektronické obvody, mezi nimiž byl kruhový modulační obvod . Obvody byly vytvořeny tak, aby produkovaly zvuky jako bzučení, vrzání, broušení a řadu „kosmických“ efektů. Když byly nahrány všechny potřebné zvuky, Barrons je pro ještě přesvědčivější zvuk finalizovali změnami delay , reverb , reverzace a rychlosti.  

2. Chemik, programátor a skladatel Lejaren Hiller spolu s Leonardem Isaacsonem vytvořili  Iliac Suite pro smyčcové kvarteto, první počítačovou skladbu. Hiller se vážně zajímal o teorii informace a tvrdil, že počítač by se mohl „naučit“ psát hudbu sám, pokud by pro něj byl vytvořen speciální skladatelský algoritmus, který by bylo možné izolovat analýzou hudby velkých skladatelů.  

3. Karlheinz Stockhausen píše hru "Píseň mladých" (Gesang der Jünglinge), na svou dobu vynikající hru ,  která využívá technologii syntézy řeči. Dílo vychází z textu knihy proroka Daniela .

4. Americký skladatel a vynálezce Raymond Scott si nechal patentovat svůj vynález – jednohlasý klávesový syntezátor Clavivox, jehož elektronické obvody navrhl na Scottovo přání Robert Moog .

V roce 1957 inženýr Max Matthews , pracující ve společnosti Bell , vytvořil program MUSIC, první počítačový program pro syntézu zvuku.

V roce 1958 na mezinárodní výstavě v Bruselu v pavilonu společnosti Philips poprvé zazněla „Elektronická báseň“ Edgarda Varèse ( fr.  Poème électronique ).

Od 60. let do současnosti

Šedesátá léta byla pro elektronickou hudbu plodná. Úspěchu dosáhli nejen hudebníci z akademické elektroniky, ale také nezávislí hudebníci - technologie zvukové syntézy se stala dostupnější a v důsledku toho se první syntezátory objevily ve volném prodeji.

Do této doby se dostatečně vytvořila a rozvinula komunita skladatelů a hudebníků pracujících s novými zvuky a novými nástroji.

Počátkem 60. let se objevila dvě významná díla dvou vlivných skladatelů elektronické hudby:

Stockhausen se v „kontaktech“ odklonil od tradiční hudební formy, která je založena na důsledném vývoji skladby v čase a dramatickém vyvrcholení. Propagoval myšlenku „být v hudbě“, která nevyžaduje „předchozí“ a „následující“ – být staticky koncentrován na každý daný okamžik [13] . Stockhausen svůj přístup nazval „moment-form“ (je obdobou filmové techniky lepení filmu tupým na tupo, která se používala v kinematografii na počátku 20. století).

V roce 1963 se objevil první syntezátor, jehož autorem je inženýr a vynálezce Don Buchla . 

Theremin se používá od 20. let 20. století, ale velkou popularitu si získal, když byl použit k nahrání řady sci-fi filmů z 50. let (například partitura Bernarda Hermanna pro Den, kdy se zastavila Země).

V roce 1958 byla ve Velké Británii založena BBC Radiophonic Workshop. Toto studio začalo v souvislosti s vydáním na počátku 60. let na BBC sci-fi seriálu Doctor Who. Tematickou hudbu seriálu složil Ron Grainer a nahrála ji členka Delia Darbyshire.

V roce 1961 založil izraelský skladatel Josef Tal Centrum elektronické hudby v Izraeli na Hebrejské univerzitě v Jeruzalémě .

60.–70. léta: od psychedelie k elektronice

Počátek elektronické hudby jako samostatného směru byl položen na přelomu 60. a 70. let díky úsilí kraut rockových interpretů Can , Popol Vuh , Klause Schulze a Tangerine Dream , Organization , Kraftwerk , Cluster , Neu! . Tito hudebníci čerpali hlavní myšlenky z vesmírného rocku a psychedelického rocku , stejně jako z akademické avantgardy Karlheinze Stockhausena a Janise Xenakise , a vytvořili experimentální zvukové koláže. Hlavní myšlenkou bylo využít elektroniku jako nové vyjadřovací médium schopné vykouzlit surrealistické obrazy.

Na konci 60. let vytvořil Robert Moog svůj první komerční syntezátor MiniMoog . Během sedmdesátých let se syntetizéry staly módní a populární novinkou v hudbě a postupně nahrazovaly elektrické varhany. Elektronická hudba 70. let je většinou klávesová-syntetická hudba.

Začátkem 80. let byly stanoveny tři hlavní směry ve vývoji elektroniky:

  1. Instrumentální hudba, která využívá elektrické hudební nástroje k vytvoření rozšířených skladeb s „vesmírnou“ tématikou. Vůdci tohoto trendu jsou Tangerine Dream , Vangelis . Nechyběly národní rysy: představitelé Berlínské školy tíhli k psychedelické hudbě (Tangerine Dream, Klaus Schulze ) a francouzští interpreti - k lehčímu, populárnějšímu stylu ( Jean-Michel Jarre , Space ).
  2. Pozadí "environmentální hudby", bez jasného rytmu a určité melodie, nazývané " ambient ". Autorem této definice byl Brian Eno , který je právem považován za zakladatele stylu.
  3. „Písňové“ formy elektronické hudby ( synth-pop , electro-pop , techno-pop ) vyznačující se jasným, mechanickým tanečním rytmem, demonstrativní umělostí zvuku (syntetizéry již nenapodobují zvuk skutečných hudebních nástrojů), použitím vokálů ( často robotické) jako kontrapunktové uspořádání syntezátorů, minimalismus a ostinátní struktura kompozice. Texty mají často sociálně-futurologické a sci-fi zaměření. Průkopníky tohoto stylu je skupina Kraftwerk . S příchodem nové vlny se tento směr stal rozšířeným a populárním a vytlačil na velké pódium skupinu Depeche Mode , která se stala trendsetterem ve světě elektronické hudby, a mnoho jejich kolegů v žánru ( Pet Shop Boys , Gary Newman , OMD , The Human League , Ultravox a další).

80.–90. léta

Koncem 70. a začátkem 80. let se objevila řada nových technologií a nových žánrů s nimi spojených. S příchodem programovatelných bicích automatů , jako je Roland TR-808 , živé bicí z elektroniky téměř zmizely. Velký vliv na hudbu měl vznik breakbeatu (broken beat) . Skladby začaly využívat nahrávky jiných umělců, smyčkované nebo zpracované. Profese DJ (DJ, Disk Jockey) se přesunula do elektronické hudby z diskoték a rádií , které operují s deskami na speciálním gramofonu.

V návaznosti na úspěch průkopníků vyrostlo mnoho hudebních skupin, které obohacují elektronickou hudbu o nové nápady. „ New Age “ byl ovlivněn elektronickou hudbou. Umění vytvářet lyrické elektronické melodie probleskovalo japonské Kitaro . Polák Marek Bilinsky a východoněmecká kapela Pond , Maďar Laszlo Benkö, Bulhar Simo Lazarov, Jugoslávec Micha Krall přispěli k rozvoji populárního stylu syntezátorů ; a v SSSR/Rusko - Michail Chekalin , Janis Lusens a skupina Zodiac , Giedrius Kupryavicius a skupina Argo , Eduard Artemiev , Sven Grunberg , Lepo Sumera , Vadim Ganzha a duo elektronické hudby New Collection (Igor Kezlya a Andrey Morgunov). Jejich nejlepší díla nejsou v žádném případě horší než uznávané hity ctihodných elektronických inženýrů. Silnou rytmickou hudbu s tanečními motivy hrají Laserdance a Koto . Ale především různé podstyly a větve obsahují techno hudbu. Nápady Kraftwerk byly v dýdžejských klubech přijaty s nadšením a z klubového undergroundu se postupně vynořil nový styl techna, ve kterém je rytmus a efekty kladeny na první místo. Melodie není povinná, protože účelem takové hudby je dosažení technotronické extáze. Není náhodou, že se na klubových večírcích často používaly chemické stimulanty pro posílení účinku.

Existuje ale i více hudebních variant techna. Když se spojilo techno a ambient, zrodil se styl IDM  – vážná techno hudba, otevřená nejrůznějším experimentům. Toho hrají Orb , Autechre , Aphex Twin . Vůdci " psychedelického transu " jsou Juno Reactor a Astral Projection . A nakonec jsme spojením elektronické a rockové hudby dostali „ techno-industrial “, zástupce Skinny Puppy , Front Line Assembly , Front 242 .

V tomto období začíná rozkvět taneční elektronické hudby, která zahrnuje takové směry jako techno, electro , drum and bass , house a trance . Elektronickou taneční hudbu vytvářeli elektronickí hudebníci, jejichž primárním cílem bylo poskytovat skladby pro své DJs (DJs), typickými představiteli této kultury byli: Robert Miles , Moby , Tiesto , Paul Van Dyk , BT , ATB , Paul Oakenfold , Armin van Buuren a Nad a dále . Ale elektronickou taneční hudbu lze často nalézt ve formátu plnohodnotného hudebního alba, jako je „Pulse 1“ a „512 KB“ od průkopníků ruské elektronické hudby Andreje Rodionova a Borise Tikhomirova .

21. století

Počátek 21. století pro elektronickou hudbu je poznamenán touhou po jednotě prostřednictvím nekonečné rozmanitosti forem. Čisté styly zůstaly pouze v teorii. V praxi téměř každé dílo obsahuje prvky tolika druhů hudby a k popisu alb je třeba použít složité složené definice. Myšlenka vytvářet techno-remixy na témata slavných skladeb 70-80 let je velmi populární. Takovým zpracováním prošla hudba Jarre , Space , Vangelis , Tangerine Dream . Mnoho techno hudebníků se naučilo elektronickou hudbu z mistrovských děl zakladatelů žánru a nyní sami zakladatelé zahrnují myšlenky inovátorů do svých děl. Jarreho album „ Metamorphoses “ je vytvořeno s výraznou infuzí techna/popu/new age a Klaus Schulze aktivně experimentuje s techno/drum a basovým zvukem (alba „ Dosburg Online “ a „ Trance Appeal “). Techno, trance, ambient a industrial se prolínaly na albech Delerium , System 7 a Synaesthesia . Syntézu těžkého alternativního punk rocku a techna představují Velvet Acid Christ a Wumpscut .

Viz také

Poznámky

  1. ↑ 1 2 3 4 5 6 Sovětská elektronická hudba
  2. ↑ Magnetofonový magnetofonový magnetofon AEG z roku 1935 // Mix: Profesionální audio a hudební produkce  (  mixonline.com). - 2006. Archivováno 8. února 2013.
  3. ↑ Friedrich Engel, Peter Hammar; dodatečná úprava Richard L. Hess. Vybraná historie magnetického  záznamu . Richardhess.com (2006).
  4. ↑ Rob Young. Once Upon a Time: In Cairo  //  The Wire . - 2007. - březen ( výr. 277 ). — S. 24 .
  5. ↑ Jeff Snyder. Pierre Schaeffer: Vynálezce Musique Concrete  (anglicky)  (nedostupný odkaz) . Archivováno z originálu 15. května 2008.
  6. ↑ 1 2 3 4 5 „ANS“, noisephone a theremin: jak se zrodila sovětská elektronická hudba
  7. ↑ Časopis "Technologie - mládež", č. 3 pro rok 1960. Autor: B.Orlov
  8. ↑ Bakanov Konstantin. Zapomenutá melodie. Hudba odsouzená před čtyřiceti lety ke zničení byla nalezena v archivu nahrávací společnosti  // Novye Izvestija . - 2005. - 8. července.
  9. ↑ Tatyana Antsiferova: „Neměla jsem touhu dobýt svět ...“
  10. ↑ Xenakis J. "Formalizovaná hudba", s. 6
  11. ↑ Xenakis J. "Formalizovaná hudba", s. 17
  12. ↑ Fildes, Jonathan . „Nejstarší“ počítačová hudba odhalena  (v angličtině)  (17. června 2008).
  13. ↑ Savenko S. I. Karlheinz Stockhausen // XX století. Zahraniční hudba. Eseje. Dokumenty - Vydání. 1.- M., 1995. Pp. 15-18.

Literatura

Odkazy

  Přejděte na položku Wikidata  Slovníky a encyklopedie
 Styly elektronické hudby