Giotto di Bondone

Giotto di Bondone
ital.  Giotto di Bondone

Portrét Giotto. Detail obrazu "Pět zakladatelů florentského umění", konec 15. - začátek 16. století. [jeden]
Jméno při narození Giotto di Bondone
Datum narození 1266 nebo 1267
Místo narození Vicchio
Datum úmrtí 8. ledna 1337 [2] [3]
Místo smrti
Země
Žánr náboženské umění [5] , alegorie [5] a mytologická malba [5]
 Mediální soubory na Wikimedia Commons

Giotto di Bondone ( italsky:  Giotto di Bondone ; 1266 nebo 1267,  Vicchio  – 8. ledna 1337, Florencie ) byl italský malíř a architekt 14. století, jeden z prvních představitelů protorenesance . Klíčová postava v dějinách západoevropského umění. Giotto překonal byzantskou tradici malby ikon a stal se zakladatelem italské malířské školy , vyvinul nový přístup k zobrazování prostoru . Giottova díla byla inspirována Leonardem da Vincim , Rafaelem Santim , Michelangelem Buonarrotim.

Životopis

Raná léta

Giotto se narodil v roce 1266 nebo 1267 ve vesnici Vespignano poblíž města Vicchio , které se nachází východně od Florencie , v rodině kováře. Dříve existovaly jiné domněnky o datu Giottova narození až do roku 1275 a ještě později. Například Vasari věřil, že Giotto se narodil v roce 1276. Moderní datování raných děl, která jsou poměrně sebevědomě připisována Giottovi, nás však nutí připisovat jeho narození do dřívějších let (viz např. o dílech v Assisi níže). Otec budoucího umělce se jmenoval Bondone († 1311/1313). Později Giotto získal pozemek ve Vespignano – předpokládá se, že místo s Giottovým panstvím zahrnovalo i místo, kde stál dům jeho rodičů – a postavil si na panství nový dům, který využíval jak jako obytný, tak jako vlastní uměleckou dílnu. Tento dům je chráněn veřejnou nadací z Vicchio jako muzeum "Casa natale del Giotto" a je přístupný veřejnosti. Podle jiné verze se Giotto narodil ve Florencii , ve farnosti kostela Santa Maria Novella , ve čtvrti St. Pancratia. Ve florentských dokumentech je umělec opakovaně označován jako „del popolo di Santa Maria Novella“. S největší pravděpodobností tím není myšleno místo narození, ale místo trvalého bydliště nebo vlastnictví domu na Florenci.

Jméno Giotto může být zkratkou „Ambrogiotto“ (z „Ambrogio“), ale je možné, že se jedná o nezávislé jméno vytvořené ve starém toskánském dialektu [6] .

Podle Vasariho a dalších autorů byl Giotto studentem Cimabue (tento názor někteří moderní badatelé zpochybňují). Příběh o tom, jak Cimabue, projíždějící přes most přes řeku Sieve u Vespignana na cestě z Florencie do Arezza, u mostu spatřil mladého pastýře, který uhlím na plochý kámen u silnice nakreslil ovci „ze života“. - a to byl Giotto - pochopil, že má před sebou talent a vzal ho jako studenta, je dnes mnohými historiky umění považován za legendu [7] , která sahá až k Vasariho "Biografiím ...". Tento dochovaný starověký most poblíž Vespignana však stále nese jméno „Ponte Cimabue“ („Most Cimabue“) a vedle něj byla v předminulém století vztyčena stéla popisující setkání Cimabue a Giotta a na druhé straně most, malý památník z počátku 20. století, který zobrazuje Cimabue, jak sleduje chlapce, jak maluje ovci na skále.

Cimabue a Giotto společně pracovali na freskách v kostele San Francesco v Assisi a podle téhož Vasariho student předčil učitele.

V jednom z dokumentů z roku 1301 je Giotto jmenován jako majitel domu ve Florencii. Ve stejném roce 1301 se uvádí, že Giotto je ženatý s Chiuta di Lapo del Pela. Měli osm dětí, jeden ze synů se stal také výtvarníkem [8] .

Umělec zemřel 8. ledna 1337 ve Florencii [9] při práci na fresce Poslední soud v kapli Bargello.

Fresky v kostele San Francesco v Assisi

Malba horního kostela San Francesco v Assisi byla zahájena kolem roku 1288. Dvě scény v horním patře kostela, věnované příběhu Izáka a Jákoba , byly dlouho připisovány dílu neznámého mistra, Mistra Isaaca . Tyto výjevy se svou uměleckou hodnotou zásadně liší od ostatních fresek San Francesco. Kompoziční výstavba, živost postav, jemná modelace pomocí šerosvitu – vše umožňovalo mluvit o vzniku zásadně nového směru tehdejší malby. Mistr Isaac byl přiřazen do okruhu Cavalliniho nebo ztotožněn s Arnolfem di Cambio . Pozdější badatelé upozornili na podobnost Jakuba s Janem z Ukřižování z kostela Santa Maria Novella ve Florencii a došli k závěru, že obě díla byla dokončena přibližně ve stejnou dobu (asi 1290) a jejich autorem je Giotto. Podle Vasariho to byl Giotto, kdo na objednávku představeného františkánského řádu Giovanni Murovale vytvořil scény ze života sv. Františka v horním kostele v Assisi. Cyklus dvaceti osmi epizod vznikl v poměrně krátké době – dvou letech, z čehož vyplývá práce ne jednoho umělce, ale celé dílny. Přesto se vyznačuje celistvostí myšlenky, vyrovnaným obrazovým jazykem a celkově iluzionistickým řešením.

Fresky v dolním kostele San Francesco na téma mládí a ukřižování Krista byly vyrobeny dílnou Giotto mnohem později, v letech 1315-1320. Fresky na křížové klenbě dolního kostela (1308-1328) byly poprvé připisovány Giottu Vasarimu . Jsou zasvěceny oslavě ctností svatého Františka, který obnovil přikázání evangelia. Alegorické fresky zobrazují Poslušnost, Rozvážnost a Pokoru. Korunou cyklu je Oslava svatého Františka (Gloriosus Franciscus), kde světec vstupuje do Království nebeského. Vědci si všímají neobvyklé, velmi světlé barvy fresek, které je dosaženo nejjemnějším odstupňováním žluté, růžové a zelené barvy.

Kaple Arény. Padova

Prostorová perspektiva podobná té na freskách horního kostela San Francesco se objevuje v cyklu maleb v kapli Arena v Padově . V letech 1303 až 1305 vzniklo toto hlavní dílo Giotta. Někdy je Giotto nazýván také architektem kaple (tato otázka je mnohými badateli zpochybňována), ale není pochyb o tom, že fresky kaple patří jemu – ferrarský kronikář Riccobaldo je v letech 1312-1313 nazývá „stvořením Giotta “, spolu s obrazy františkánských kostelů v Assisi, Rimini a Padově. Pod jeho vedením byla vymalována střední loď ; malby na stěnách apsidy patří Giottově škole, předpokládá se, že byly vytvořeny po roce 1317. Dílo umělce v kapli, které si objednal občan Padovy Enrico Scrovegni, znamená rozhodující obrat ve vývoji evropského malířství – vznik pocitu prostoru, ve kterém se člověk pohybuje. Cyklus tvoří 36 fresek zobrazujících Kristovo mládí a utrpení . Jejich umístění na stěnách je přísně promyšleno s ohledem na dispoziční řešení kaple a její přirozené osvětlení. Giotto také zaujal studenty a asistenty v této práci, ale bez újmy na celistvosti celkového designu. Se zvláštní brilancí se zde projevila kompoziční dovednost Giotta. Posunem perspektivního pohledu umělec tímto optickým posunem dosáhne požadovaného směru divákova pohledu. Konstrukci obrazu podřizuje výtvarné logice, avšak bez poutavé okázalosti.

Podle pramenů po roce 1306 v padovské radnici - Paláci mysli ( italsky  Palazzo della Ragione ) - Giotto zobrazil podle pokynů astronoma Pietra d'Abana fresku "Znamení nebe".

1300-1310

Podle některých zdrojů byl Giotto v jubilejním roce 1300 v Římě. Možná právě tehdy vytvořil na příkaz kardinála Jacopa Stefaneschiho monumentální mozaiku Navicella , která umělce oslavovala po celé Itálii. Byla v atriu starého kostela (4. století) sv. Petra . V poslední době je toto dílo Giotta připisováno roku 1310. Kronikář Filippo Villani uvádí mozaiku  jako důkaz dovednosti Giotta, který dokázal postavy ztvárnit natolik, že se zdálo, jako by „dýchaly, mluvily, plakaly nebo se radovaly“ . Leon Battista Alberti o této mozaice psal ve svém pojednání o malbě De pictura (1436). Námětem skladby je Zázrak na Genezaretském jezeře , jedna z epizod Kristova veřejného působení. Ježíš zachrání loď apoštolů , chycených v bouři, a tonoucího Petra . Symbolicky je to interpretováno jako záchrana samotné církve od všech neštěstí. Mozaika byla zničena při demolici staré budovy, v portiku nového kostela se dochovala pouze její kopie z barokní doby (podle Norberta Wolfa neúspěšná). Jeho skutečnou podobu lze posoudit pouze podle kreseb umělců 14.-15. století a dochovaného původního rámu s hlavami dvou andělů.

Florencie. Santa Croce

V letech 1312-1315 je Giotto zmiňován v notářských zápisech a soudních aktech v souvislosti s jeho věřitelskou činností. Jedna z Giottových smluv – na pronájem tkalcovského stavu jistému Bartolo Rinuccimu (s roční sazbou 120 %; přestože obvyklá byla 50 %) – ověřená notářem Lapo di Gianni, přítelem Danteho .

Je možné, že v letech 1315-1318 umělec navštívil papežský dvůr v Avignonu , protože v té době nebylo jeho jméno ve florentských dokumentech uvedeno. Vasari uvádí, že Giotto se vrátil z Avignonu v roce 1316. Vědci se domnívají, že umělce ovlivnila sofistikovaná avignonská malba. Od roku 1320 byl Giotto členem Korporace lékařů a lékárníků z Florencie ( Arte dei Medici e degli Speziali ), která zahrnovala i umělce.

Historici umění připisují nástěnné malby secco v kapli Peruzzi v bazilice Santa Croce Giottově ruce. Vznikly pravděpodobně kolem roku 1320, protože reliéfy bronzových dveří křtitelnice (1330) od Andrea Pisana opakují nástěnné motivy. Kaple je zasvěcena Janu Křtiteli a Janu Evangelistovi .

Výrazným rysem nástěnných maleb je umístění kompozic na obrazy neobvykle širokého formátu, které posílily dojem monumentality a umožnily umělci ukázat volný pohyb postav na pozadí složitých architektonických celků. Malby zhotovené nestabilní technikou, které byly vážně poškozeny povodní a přečkaly několik neúspěšných pokusů o restaurování, z větší části ztratily vrchní vrstvu nátěru.

Fresky kaple Bardi jsou malovány v kombinaci s malbou secco. Jejich vznik je připisován letům 1325-1328. Tématem cyklu sedmi scén je legenda o svatém Františkovi . Rozměry kaple umožňovaly vytvářet monumentální kompozice pojaté jako jeden celek. Stylově se fresky poněkud liší od maleb kaplí Peruzzi , Assisi a Padova , což lze vysvětlit tím, že nástěnné malby vytvořili různí členové Giottovy dílny.


Neapol

Podle Vasariho, ještě ve Florencii, Giotto vytvořil portrét syna neapolského krále Roberta z Anjou na zdi Palazzo della Signoria. Karel z Kalábrie , starosta Florencie v letech 1326-1327 , byl zobrazen klečící před Madonou. V letech 1328-1333 byl Giotto na dvoře neapolského krále Roberta z Anjou . Je možné, že mu umělce doporučili Bardi, královi bankéři. Giotto pracoval na nástěnných malbách v kostele Castel Nuovo, kapli di Santa Barbara, osobní kapli krále. Série fresek „Devět hrdinů“ (nezachováno) v jednom ze sálů Castel Nuovo je zmíněna v sonetech Francesca Petrarcy . 20. ledna 1330 udělil král Roberto Giottovi titul dvorního malíře.

Poslední roky

Na jaře roku 1334 byl Giotto jmenován hlavním architektem Florencie s ročním poplatkem 100 zlatých. Jmenovací osvědčení zdůrazňovalo znalosti a učenost umělce (scientia et doctrina). Mezi jeho povinnosti patřilo dohlížet na stavbu nové městské hradby, opravu mostů po povodni a postavení zvonice katedrály Santa Maria del Fiore  - Campanile . Vypracoval projekt zvonice a spolu s Andreou Pisanem i reliéfy jejího spodního patra. Podle Lorenza Ghibertiho byli Giotto a jeho dílna pověřeni v roce 1336 freskou na čelních stěnách kaple svaté Magdaleny v Palazzo del Podesta ( Bargello ). Umělec byl později poslán florentskou vládou do Milána , aby pracoval na freskách Azzone Viscontiho . Giotto zemřel 8. ledna 1337 , krátce po svém návratu z Milána . Byl pohřben v katedrále Santa Maria del Fiore . Giottovi dva synové, Francesco a Donato, známí z archivních dokumentů jako „parente di Giotto“ (tedy „Giottovi příbuzní“), byli umělci  – členové otcovy dílny. Díky skromnému talentu si však velkou slávu nezískali.

Stojan funguje

Spolu s freskovými cykly vytvořil Giotto řadu malířských děl. Jde o malované kříže, jednotlivé oltářní obrazy a polyptychy, které napsal sám nebo společně s pomocníky ze své dílny. Některá z těchto děl nesou podpis Giotta, zatímco jiná byla založena na základě dochovaných historických důkazů a stylistické analýzy. Datace většiny z nich je přibližná, v některých případech má široký rozsah. Například sedm malých maleb znázorňujících výjevy z Kristova života (pravděpodobně původně součástí jednoho oltáře a dnes uložených v několika muzeích po celém světě) je datováno různými odborníky do období 1306-1312 až 1320-1325.

Malby na stojanech v XIII-XIV století byly napsány na dřevěných deskách (v Itálii to byl zpravidla topol ). Na desku bylo nalepeno plátno lepidlem ze zvířecí kůže, na plátno byl nanesen základní nátěr ve formě sádry zředěné stejným zvířecím lepidlem a přes sádru bylo naneseno zlacení. Dále byla podél předem poškrábaných kontur postav nanášena malba temperovou barvou. Tato technologie výroby ikon byla v Byzanci rozšířená a italští mistři včetně Giotta se jí drželi.

K ranému období v díle mistra badatelé připisují velký malovaný kříž, Madonu s dítětem se dvěma anděly z kostela San Giorgio alla Costa (Florencie), oltářní obraz „Stigmatizace sv. Františka“ ( Louvre , Paříž ) a Polyptych z florentského kostela Badia.

„Malovaný kříž“, vysoký asi šest metrů, byl vytvořen pro florentský kostel Santa Maria Novella v letech 1290 až 1300 a brzy se stal vzorem (v roce 1301 jej již Deodato Orlandi zkopíroval v „Ukřižování“ pro kostel San Miniato -al-Tedesco ). Těžce visící Kristovo tělo je obdařeno tak pozemskou přirozeností, že to někteří považovali dokonce za nedůstojné Giotta, úžasného autora fresek kaple Scrovegni . Giotto di Bondone namaloval tento Krucifix v souladu se zavedeným kánonem – na konci pravého a levého paprsku kříže jsou vyobrazeni truchlící Marie a Jan Teolog. Stylově se blíží vyobrazením Ezaua a Jakuba v Giottově příběhu o Izákovi v Horním kostele San Francesco v Assisi . Dílo není podepsáno autorem, ale je známo, že „Ukřižování“ z kostela Santa Maria Novella zmiňuje jako dílo Giotto italský historik umění z 15. století Lorenzo Ghiberti a že v roce 1312 přítomnost jisté Giotto ukřižování v tomto kostele je doloženo. Těsnou blízkost postav Marie a Jana vidí badatelé i ke dvěma bustovým vyobrazením andělů na pozůstatcích Giottova nejznámějšího díla – mozaiky Navicella na průčelí katedrály sv. Petra v Římě, následně kompletně předělané při rekonstrukci r. bazilika, kterou zahájil papež Julius II .

"Madonna a dítě se dvěma anděly" od c. San Giorgio alla Costa k nám dorazilo v oříznuté podobě. Postižena byla zejména pravá a levá hrana. Z toho, co zůstalo, lze mentálně rekonstruovat, že Madona sedí na trůnu ze světlého mramoru s narůžovělým rámem a mozaikovými bordurami v kosmatském stylu, které končí vyřezávanou gotickou výzdobou v podobě zvířecích hlav - tak byla obvykle zobrazována toho času. Dílo má stejné jasné světlo a pečlivě napsané detaily jako na raných Giottových freskách. Ukazuje touhu zprostředkovat přesvědčivou váhu a lidský význam ústředního obrazu, což se později zvláště projeví v jeho „Ognisanti Madonna“ z galerie Uffizi .

Stigmatizace svatého Františka je velká oltářní ikona o rozměrech 3,14 x 1,62 m. Dílo vzniklo kolem roku 1300 pro kostel San Francesco v Pise . Na spodní části původního rámu se dochoval podpis „OPUS IOCTI FIORENTINI“. Navzdory podpisu však autorství Giotta bylo dlouho sporné mnoha badateli. Vpravo a vlevo jsou vyobrazení erbů, které někteří badatelé vykládají jako příslušnost k rodu Ugi, jiní jako k rodu Cinquini. Je pravděpodobné, že jeden z nich byl zákazníkem tohoto oltářního obrazu. Giotto zobrazil jeden z nejdůležitějších okamžiků v životě svatého Františka  – získání stigmat od Krista během modlitby na hoře Alverno. Umělec namaloval Ježíše v podobě serafima. Obraz má predellu, která zobrazuje tři výjevy ze života sv. Františka: „Sen Inocence III.“, „Schválení řádu františkánského řádu“ a „Kázání ptákům“. Ve skutečnosti jsou všechny zápletky oltářního obrazu variacemi na téma stejných scén namalovaných v cyklu fresek Assisi. Obvykle zdůrazňují svou ikonografickou podobnost, méně často stylistickou blízkost, která je stejně zřejmá. Italský umělecký kritik Luciano Bellosi si všímá křehké gotické elegance predely, vyjádřené zejména rafinovaností postav, a domnívá se, že tento rys se stal předmětem napodobování některých florentských mistrů, např. Svatá Cecílie. Jiná část odborníků se však domnívá, že predelu s výjevy ze života svatého Františka nenapsal sám Giotto, ale jeden z jeho pomocníků.

Přibližně ze stejné doby (asi 1300) pochází „Polyptych“ (91 × 340 cm), který Giotto napsal pro florentský kostel Badia. Dílo je podepsáno umělcem. Giotto zde zobrazil Madonu s dítětem, sv. Mikuláše, sv. Jana Evangelistu , sv. Petra a sv. Benedikta . Všichni badatelé si všímají stylové blízkosti tohoto polyptychu k Ukřižování namalovaném umělcem v Tempio Malatestiano v Rimini , které vzniklo o něco později, v 10. letech 14. století. I přes dosti špatnou zachovalost je dobře patrná hluboká vážnost a význam, kterým Giotto světce obdařil. Majestátní rytmus, s nímž se v pěti dílech polyptychu opakuje slavnostní představení polodlouhých postav světců, odměřený běh stuh s jejich jmény na zlatém podkladu u hlav, vedou k závěru, že se jedná o z nejlepších děl umělce. Zaoblená postava Madony velmi připomíná podobnou umístěnou v tondu nad vstupními dveřmi Horního kostela v Assisi. Tento polyptych ve svém díle zmínil Lorenzo Ghiberti . Byl objeven v klášteře Santa Croce ve Florencii a nyní je uložen v galerii Uffizi .

Pravděpodobně ještě před příjezdem do Padovy , kde maloval slavnou kapli Scrovegni, Giotto navštívil Rimini. Doba rozkvětu školy v Rimini ze 14. století je nepochybně spojena s Giottovým výletem do tohoto města. Přímým dokladem Giotova pobytu tam je „Ukřižování“ z Tempio-Malatestiano (kostel San Francesco v Rimini), které k nám dorazilo s řezanými hranami – na pravém a levém paprsku nejsou postavy Marie a Jana Evangelisty kříže; V soukromé sbírce v Anglii byla nalezena hlavice kříže s požehnáním Boha Otce. Jinak je však tento kříž zachovalejší než velký krucifix z kostela Santa Maria Novella , je považován za ušlechtilejší verzi velkého florentského kříže, blízká dospělým verzím tohoto pozemku, které později vytvořil Giotto. Vědci nicméně poznamenávají, že plasticita těla a fyziognomické rysy Krista se blíží archaičtějším mistrovým dílům, jako je polyptych z Badia a obraz „Stigmatizace sv. Františka“ z Louvru.

Střední období v mistrově tvorbě bylo vrcholem jeho uměleckého vývoje. Během této doby vytvořil fresky v kapli Scrovegni v Padově . Tyto nástěnné malby jsou považovány za koncentrované vyjádření podstaty veškerého Giottova díla. Nejlepší stojanové práce patří do stejného období, ve kterém se naplno projevila mistrova touha po realistickém zobrazení. V jeho pozdějších dílech je vidět rostoucí vliv gotiky.

Ognisanti Madonna je Giottův nejznámější oltářní obraz. Tento velký oltářní obraz o rozměrech 3,25 x 2,04 m namaloval umělec pro bratrstvo Umilia z kostela Ognisanti ve Florencii. Stylová blízkost k padovským freskám umožňuje jeho vznik přiřadit k prvnímu desetiletí 14. století. Podle ikonografického typu se jedná o „Maestu“, tedy jakési zobrazení Madony s dítětem, kdy postavy posvátných protagonistů jsou čelem k věřícímu, zatímco dítě je zobrazeno žehnající. Podobné kousky vytvořili Cimabue ("Madonna" z kostela Santa Trinita ) a Duccio ("Madonna Rucellai"). Během jednoho nebo dvou desetiletí oddělujících díla těchto mistrů od Ognisanti Madony se však mnohé změnilo. Hieratické a vznešené obrazy jiného světa, ztělesněné v madonách z éry Ducenta, ustoupily lidské matce rodiny s jasnou a otevřenou tváří a dokonce se sotva znatelným úsměvem v záhybu rtů, což vám umožnilo vidět bělost zubů, zatímco ducentské madony byly vždy rezervované a smutné. Mariina pozemská přirozenost o sobě dává vědět vahou jejího těla, která je ještě více patrná v kontrastu s křehkými architektonickými detaily trůnu. Světské zjednodušení obrazu ve srovnání s velkými umělci XIII. století neznamená jeho ochuzení. Látky širokého vlněného pláště a průhledné tuniky Madony na Giottově obrazu jsou ještě rafinovanější a vzácnější. Podobně je na obrazu trůnu, který se stal luxusním, ale zároveň pravdivějším a přesvědčivějším, patrná chromatická bohatost. Skupiny andělů a světců zde zaplňují skutečný prostor a vypadají jako vážné a přívětivé postavy královského dvora.

„Nanebevzetí Panny Marie“ (75x178 cm) uchovávaný v berlínské galerii ukazuje úzké spojení s „Madonou Ognisanti“, protože pochází ze stejného kostela. Kdyby jeho špičatý tvar nebyl původní, člověk by si myslel, že jde o malbu predelly z Uffizi. Blízkost mezi nimi je nezvykle blízká: anděl stojící za oběma postavami se svíčkami v rukou na pravé straně obrazu, kresba jeho profilu je téměř totožná s klečícím andělem na pravé straně Onisanti Madony.

Kompoziční konstrukce je mírně asymetrická vzhledem k tomu, že průvod andělů a patriarchů vpravo je umístěn podél vzestupné linie, stoupající k ramenům Krista, a skupina apoštolů vlevo naopak podél sestupné linie. čára, která končí postavou mladého apoštola (Jan?), sklánějícího se, tisknoucího ruce k hrudi. Giotto znázornil sarkofág jednoduchého tvaru, který je zdoben ornamenty v kosmatském stylu, umístěný mírně asymetricky, jako by byl viditelný vlevo. Scéna zobrazuje okamžik, kdy je mrtvá Marie spuštěna do hrobu. Andělé podpírají okraj rubáše a apoštol, podpírající její tělo, se sklání nad sarkofágem. Nad vším se tyčí Kristus, který bere do svých rukou jako dítě v plénkách duši Mariinu. Kompozice se nese ve slavnostním a přísném tónu, ale zároveň je změkčená a něžná, připomínající mistrovy padovské fresky.

„Malovaný kříž“, který vytvořil Giotto pro kapli Arena, nyní v Městském muzeu Padova, ukazuje silnou afinitu ke kompozici Ukřižování v Dolním kostele San Francesco v Assisi. Umělec zde zopakoval staré ikonografické schéma a mírně upravil obraz Kristova těla. Charakteristickým rysem tohoto kříže jsou vyřezávané detaily zakončení jeho paprsků, které jsou typičtější pro 14. století. Dílo je datováno přibližně 1310-1317.

V letech 1310-1315 badatelé připisují vytvoření oltáře z Peruzzi. S největší pravděpodobností byla vytvořena pro stejnou kapli, kterou o pár let později namaloval Giotto. Z toho vyplývá, že zákazníkem oltáře byla stejná rodina florentských bankéřů Peruzzi. Oltář se skládá z pěti panelů, každý o rozměrech 62,3 x 43 cm, s výjimkou střední části s obrazem žehnajícího Krista (66,7 x 49 cm). Zleva doprava polyptych zobrazuje Jana Evangelistu , Pannu Marii , Krista , Jana Křtitele a svatého Františka . Umělec tento oltářní obraz realizoval spolu s pomocníky ze své dílny.

Kolem roku 1315 vyšel z Giottovy dílny další malovaný kříž (dnes pařížský Louvre). Někteří badatelé (včetně Luciana Bellosiho) považují tento kříž za dílo samotného Giotta, a to na základě podobnosti jeho stylu s Giottovými freskami v pravé transeptu Dolního kostela v Assisi; další část odborníků se domnívá, že jej vytvořil některý z jeho studentů či asistentů. Původním znakem tohoto kříže je vyobrazení pelikána krmícího svá kuřátka svou krví v horní části kříže, tedy tam, kde se obvykle nachází buď žehnající Kristus nebo Bůh Otec. Pelikán byl ve středověku symbolem oběti, protože se věřilo, že kvůli hladovým kuřatům se dokázal klovat do hrudi, aby je nakrmil vlastní krví. Ve všech ostatních ohledech kříž odpovídá převládajícím kánonům - na pravém a levém konci jsou vyobrazeni truchlící Jan Teolog a Matka Boží.

Stefaneschiho polyptych byl vytvořen pro hlavní oltář baziliky svatého Petra v Římě. Zákazníkem díla je Jacopo Caetani degli Stefaneschi, římský kardinál, který byl v první polovině 14. století předním patronem papežského dvora. V Římě za papeže Bonifáce VIII. a poté v Avignonu, kam se přestěhovala papežská kurie, nechal Stefaneschi vytvořit nejvýznamnější umělecká díla té doby. Pověřil Giotta zhotovením slavné mozaiky Navicella a hlavního oltáře baziliky svatého Petra. Tento oltář je zmíněn v dochované závěti kardinála Stefaneschiho jako dílo Giotto. Jedná se o velký oboustranný triptych s predelou, jeho rozměry jsou 2,20 × 2,45 m. Oltář je uchováván ve vatikánské Pinakotéce a do dnešních dnů se dochoval téměř celý - z predely se nedochovaly pouze dva panely.

Jedna strana oltáře byla obrácena k věřícím, druhá - k duchovenstvu. Na vnější straně Giotto zobrazoval trůnící Krista (střední panel) a popravu sv. Petra a Pavla (boční panely). Obrazům dominuje duch posvátné svátosti a slavnostního očekávání, pronikající do ústředních kompozic, které jsou v Giottově tvůrčím dědictví zcela vzácné. Vědci se domnívají, že v tomto díle byl umělec prodchnut vkusem zákazníka a dokázal je vtělit do své práce. Na středním panelu přední strany sedí Kristus na trůnu přísně vpředu jako orientální modla, zvedne pravou ruku k požehnání a levou drží knihu Zjevení. Kolem trůnu je stejně jako v Maestě éry Ducento vyobrazeno mnoho andělů, jejichž uspořádání je však jemně sladěno s novými principy a obsahuje náznak umístění do kruhu. V popředí je klečící kardinál Stefaneschi. Predella s Madonou na trůnu, doprovázená dvěma anděly a dvanácti apoštoly v plném růstu, je tajemným a odtažitým obrazem, evokujícím šňůry světců na byzantských mozaikách.

Na rubové straně triptychu jsou na dvou bočních deskách vyobrazeny čtyři majestátní postavy apoštolů v plné délce. Na centrálním panelu sedí svatý Petr na trůnu ve stejné pozici jako Kristus na přední straně (tak je zprostředkována myšlenka Petra jako náměstka Krista). Petr je obklopen dvěma archanděly, dvěma světci - Jiřím a Silvestrem, na kolenou před ním jsou papež Celestýn V. (kanonizován v roce 1313) a opět kardinál Stefaneschi - tentokrát předkládá jako dar samotný triptych, na kterém je vyobrazen .

Tato práce je neobvyklá z hlediska kvality a některé zápletky jsou neobvyklé designem. Například epizoda ve scéně Stětí apoštola Pavla: na pahorku je Plautilla zobrazena v plném růstu, natahuje ruce vzhůru a snaží se zachytit vzduchem naplněný kapesník odhozený světcem, který klouže po zlaté pozadí obrázku. Dílo se vyznačuje velkolepou barevností, gotickou elegancí, jemností některých figur a výrazností jiných – kvalitami, které ji přibližují freskám Dolního kostela v Assisi.

Další polyptych od Giotta se dochoval v neúplné podobě. Hovoříme o několika panelech z různých muzeí, které mají stejný tvar a velikost. Především se jedná o desku zobrazující „Madonu s dítětem“ z Národní galerie umění ve Washingtonu, která byla se vší pravděpodobností ústřední částí polyptychu. Madonna na něm vypadá jako monolit, vyřezaný z kusu mramoru. Zajímavé je i gesto miminka Krista, které ji chytilo za prst rukou . Částmi tohoto polyptychu jsou se vší pravděpodobností tři další panely – „Svatý Štěpán“ (Horn Museum, Florencie), „Jan Evangelista“ a „Svatý Vavřinec“ (oba díla v Musée Jacquemart-André, Schaali). Všechny tři panely mají stejnou velikost. Výzkumníci naznačují, že polyptych se skládal z pěti nebo více částí. Jeho původ je stále nejasný; výzkumníci naznačují, že dříve to mohlo být v kaplích Pulci-Berardi nebo Peruzzi ve florentském kostele Santa Croce .

Dalším roztroušeným a možná neúplným Giottovým dílem je série sedmi malých scén věnovaných Kristovu životu. Jsou uchovávány v různých muzeích, ale jsou přibližně stejně velké (v průměru 45 × 44 cm). Jsou to „Narození Páně a klanění tří králů“ ( Metropolitní muzeum umění , New York), „Přivedení do chrámu“ (Boston, Gardnerovo muzeum), „Poslední večeře“, „Ukřižování“ a „Sestup do pekla“ (vše v Alte Pinakothek, Mnichov ), Nanebevzetí Panny Marie (Settignano, sbírka Burnson) a Růžencová slavnost (Národní galerie, Londýn). Rentgenové studie potvrdily, že všechny výjevy byly dříve namalovány na jedné dlouhé desce (alespoň tři metry), což sotva bylo předlouhou žádného oltářního obrazu. S největší pravděpodobností se jednalo o samostatný oltářní obraz, který, soudě podle toho, že ve scéně Ukřižování u Kristových nohou je vyobrazen františkán, se dříve nacházel ve františkánském kostele. Mohl to být kostel San Francesco v Borgo San Sepolcro, jak Giorgio Vasari zmiňuje práci s malými lidskými postavami, kterou v tomto chrámu provedl Giotto. Pečlivá stylistická analýza odhalila několik různých manýr v těchto scénách, takže výzkumníci dospěli k závěru, že se na nich podílelo několik asistentů. Ústředním výjevem tohoto díla bylo pravděpodobně Ukřižování, zbytek se nacházel vpravo a vlevo od něj, pravděpodobně v pořadí, v jakém jsou zde uvedeny.

Další malovaný Kříž z kostela San Felice ve Florencii , který Giotto provedl se svými studenty, patří do pozdější doby . Této době jsou připisovány dvě scény Ukřižování (Městské muzeum, Štrasburk a Státní muzeum, Berlín ). Inovaci těchto dvou krucifixů badatelé spatřují v tom, že dav zobrazený u nohou je přenášen tak, jako by rám obrazu řezal okraje davu lidí, ve skutečnosti mnohem početnější. Není pochyb o tom, že všechna tato díla patří do „kruhu Giotta“, ale nelze s jistotou říci, že jde o díla samotného Giotta.

Ve svém pozdním období byl Giotto di Bondone, jmenován capomastrom - vedoucím stavby florentské katedrály, nucen rozdělit své tvůrčí úsilí mezi stavební práce ve Florencii a prestižní zakázky přicházející z jiných měst v Itálii. V letech 1329 až 1333 pracoval v Neapoli pro krále Roberta z Anjou, kolem roku 1335 v Miláně pro vládce Azzone Visconti. Z této doby zůstala dvě hlavní malířská díla - Boloňský polyptych (Pinacotheca, Bologna ) a Baroncelli Polyptych ( kostel Santa Croce , Florencie).

Boloňský polyptych byl namalován kolem roku 1330 pro kostel Santa Maria degli Angeli a až do 18. století byl umístěn na hlavním oltáři tohoto kostela. Bologna v době Giotta byla mimořádné město s univerzitou a rozvinutým obchodem, francouzskou přítomností a legátem Bertrandem de Puget, který snil o proměně Bologne v nový Avignon, tedy v nové papežské hlavní město. Možná je to právě francouzský vliv, který vysvětluje zesílení gotických tendencí, které lze vidět v boloňském polyptychu. Centrální panel zobrazuje Madonu s dítětem sedící na trůnu neobvykle pevném a odolném, ale více než na jakémkoli jiném Giottově obraze, nesoucím na architektuře otisk gotického ducha. Chová se s téměř světskou přívětivostí a grácií, která je vlastní vznešené dámě. Nejkrásnější dekorace, zářivé barvy třpytící se jako drahé kameny, přispívají k nádheře, která tento polyptych odlišuje. Na bočních panelech umělec zobrazil dva archanděly - Gabriela a Michaela a dva apoštoly - Petra a Pavla. Polyptych je podepsán Giottem.

„Korunovace Marie“ z kaple Baroncelli , na které Giotto nepracoval až do konce 20. let 14. století, představuje jeden z posledních mistrových velkých návrhů. Na středním panelu je vyobrazen Kristus korunující Matku Boží, u paty jejich trůnu klečí čtyři andělé. Na bočních panelech je andělský orchestr, který tuto událost hudbou doprovází, a řada svatých. Monotónní, ale jasné linie usměvavých světců připomínají uspořádaný ráj – vykreslený v perspektivě, ale bez hranic, protože boční panely mohou pokračovat do nekonečna. Centrální scéna s elegantními a ve svých formách rafinovanými hlavními postavami zároveň obsahuje něco ze světské elegance soudního obřadu. Stručně řečeno, úklona ve směru gotické malby je v díle zřejmá. I tento polyptych nese autorův podpis.

Hlavní práce

Giottův styl

Charakteristické pro Giottovu ranou tvorbu, jasné světlo a pečlivá pozornost k detailu spolu úzce souvisí. I když na plátně nebo na fresce máme iluzi reality, její obraz, ve skutečnosti však platí, že čím jasnější je osvětlení, tím lépe jsou vidět detaily. Zjevení smyslu pro prostor, Giottova kompoziční zručnost, obratný posun optické perspektivy k nasměrování divákova oka, neobvykle světlé barvy fresek, schopnost dosáhnout obrazových efektů ne díky množství barev, ale díky gradace jejich odstínů – všechny tyto rysy se v Giottově díle objevily poměrně brzy a staly se charakteristickým znakem jeho jedinečného stylu.

Rysy fresek z Giottovy dílny podle slovníku Brockhaus: „Zdrženlivost a důstojnost v interpretaci zápletek, plastická modelace objemů, přehlednost prostorových konstrukcí, výraznost gest a póz, světlá sváteční barevnost a vnitřní výtvarná jednota je činí nástěnné malby jedinečné v historii monumentální a dekorativní malby“.

Giotto ve svých dílech vyjadřoval materialitu a prostorovou extenzi pomocí řady již v jeho době známých technik – úhlových úhlů, zjednodušené antické perspektivy. Považujeme-li dějový prostor tehdejších děl v jistém smyslu za náboženské divadlo, pak Giotto dal jevištnímu prostoru iluzi hloubky, jasnosti a jasnosti struktury trojrozměrného světa. Zároveň vyvinul techniky modelování forem pomocí postupného zesvětlování hlavního, sytého barevného tónu, což umožnilo dodat formám téměř plastický objem a zároveň zachovat zářivou čistotu barev, její dekorativní funkce. Je zajímavé, že v této rovnováze mezi novostí prostoru a krásou barev neztratila malba své vzácné vlastnosti, získané během dlouhého období vývoje náboženského výtvarného umění. To bylo ovlivněno italskou tradicí, která si vždy zachovala smysl pro krásu a linii a barvu.

Jedním ze zdrojů Giottova stylu je pravděpodobně vytříbenost malby, která je vlastní mistrům na papežském dvoře v Avignonu. Ne všechna díla připisovaná Giottovi však mají důkaz o jeho autorství. Badatelé se musí spoléhat na stylistické podobnosti a pouze jejich jednotný názor může tyto problémy vyřešit. Například nejjemnější gradace tří barev: žlutá, růžová a zelená, zvláštní propracovanost a dokonce i určitým způsobem rafinovanost záhybů oděvů, jak v jejich designu, tak v barevných přechodech - to vše pro pozorný a sofistikovaný vzhled, může sloužit jako důkaz Giottova autorství. Giotto sám ovlivnil formování předních škol italského malířství 14. století, především florentské školy, a také mistrů, kteří působili v Sieně a Padově. K jeho odkazu se opakovaně obraceli následující mistři italské renesance od Masaccia po Michelangela.

Výsledky kreativity

Předpokládá se, že ve svém díle se Giottovi podařilo překonat styl malby ikon společný Itálii a Byzanci. Giotto proměnil plochý, dvourozměrný prostor ikony na prostor trojrozměrný a pomocí šerosvitu vytvořil iluzi hloubky. To odkazuje především na odvážný objem architektury v Giottově díle. Dále můžete zavolat modelování objemu oblečení. Právě tyto obrazy diváka v první řadě ohromily a vyvolaly polemiku, uznání a obvinění z ničení jednotného stylového prostoru díla.

Kroky k realismu byly ve své podstatě rozporuplné a tento rozpor nadále pronásledoval malbu mnoho staletí po Giottovi a stále vyvolával polemiku o tom, co realismus v malbě skutečně je. Ve skutečnosti je to dvourozměrnost prostoru na plochém obrázku, která odpovídá skutečnosti, což lze snadno ověřit přejetím obrázku dlaní. Trojrozměrnost na plátně nebo fresce je iluze a z tohoto pohledu je dvourozměrný obraz mnohem realističtější. Proto se nyní snaží vyhnout samotnému názvu „realismus“ a nazývají ho přesněji „smyslem pro prostor“. Giotto samozřejmě nebyl prvním malířem, který tuto techniku ​​použil. Sama o sobě byla tato technika dobře známá ještě před Giottem. Giotto se však stal prvním talentovaným mistrem, který ve svých dílech široce používal obraz trojrozměrného prostoru. Trojrozměrnost není důsledně vysledována v každém jeho díle a téměř nikde není přítomna ve všech částech a detailech. Přesto tuto techniku ​​vypracoval lépe než jeho předchůdci a hlavně: samotná aplikace iluze trojrozměrnosti na dvourozměrný prostor plátna se ukázala být v souladu s duchem doby. Giottův zájem o komplexní prostorové a optické efekty změnil dějiny malby více než jakákoliv malířská akvizice jeho současníků.

Přechod k trojrozměrnému obrazu v době Giottova díla byl již opožděný, protože takové pokusy byly činěny stále častěji. Výtvarné umění se mohlo rozvíjet pouze nalezením nové kvality zobrazení, protože čistě obrazové a dějové rezervy vývoje byly v té době objektivně vyčerpány. Po mnoho staletí ikonomalby umělci používali všechna možná náboženská témata a prozkoumávali všechny obrazové možnosti primárních barev. Mezitím si tvůrčí duch, který je člověku vlastní, žádal jít dále. Proto vzhled Giotta nebyl náhodou, ale vzorem. Dříve nebo později by někdo takové pokusy odvážně, talentovaně a rozhodně podnikl: pravděpodobně ne tak, jak to udělal Giotto, ale přibližně ve stejném duchu. Nová éra v malířství v době Giottova života byla již zralá pro jeho vzhled.

Při hodnocení Giottova díla je třeba vzít v úvahu nedokonalost samotné technické stránky malby v Giottově době ve srovnání s tou moderní. Hovoříme o kvalitě dřeva a plátna, kvalitě a způsobech základního nátěru omítky a plátna, rozmanitosti a kvalitě barev a jejich směsí, štětců a dalších prostředků nezbytných pro malíře. Samozřejmě, pokud by Giotto nebo jiní mistři raných epoch měli k dispozici dokonalejší prostředky, než měli oni, byla by jejich díla v řadě ohledů odlišná. Proto při posuzování talentu mistra malby minulých období bychom nikdy neměli zapomínat, s jakou zátěží improvizovaných prostředků se zabývali. Teprve pak se ukáže, jak moc jejich talent dokázal překonat technické okolnosti.

Vasari on Giotto

Myslím, že Giottovi, florentskému malíři, vděčíme právě za to, co malíři vděčí přírodě, která neustále slouží jako příklad pro ty, kteří vytahují dobro z jejích nejlepších a nejkrásnějších stránek a vždy se ji snaží reprodukovat a napodobovat. protože techniky dobré malby a vše, co s ní souvisí, bylo na tolik let pohřbeno pod válečnými troskami, on jediný, ačkoli se narodil mezi nešikovnými umělci, z milosti Boží vzkřísil ji, která sešla ze správné cesty, a dal jí takovou podobu, že už by se to dalo nazvat dobrým. A skutečně největším zázrakem bylo, že ono století, hrubé i neobratné, mělo sílu projevit se skrze Giotta tak moudře, že kresba, o níž tehdejší lidé neměli ani tušení, díky němu úplně ožila.

Stačí, že všechna tato díla jako celek přinesla Giottovi největší slávu pro krásné postavy a pro harmonii, proporcionalitu, živost a lehkost, kterou měl od přírody a kterou pomocí vědy velmi zvýšil a dokázal jasně ukázat ve všem. A protože kromě toho, co měl Giotto od přírody, byl také velmi pilný a neustále vymýšlel a čerpal z přírody něco nového, zasloužil si být nazýván žákem přírody, a ne jinými učiteli.

Jsem ten, kdo umírající obraz znovu vzkřísí.
Čí je ruka jemná jako světlo,
Jaký nedostatek umění, to příroda nedala,
Nikdo jiný nenapsal, lépe - nikdo nevěděl jak.
Obdivuješ věž nad velkou, zvonící posvátnou mědí?
Mým věrným kompasem byla vyzdvižena ke hvězdám.
Giotto je moje přezdívka. Čí výtvor to vyjádří?
Mé jméno bude dlouhé, jako věčnost, chvála.

Galerie

Paměť

Už Boccaccio psal o Giottově talentu , že vynesl umění na světlo, a že je nejlepším malířem na světě. Boccaccio ho odlišuje od ostatních „zábavných“ umělců, jejichž dovednosti nemá co říct. Autor druhé poloviny 14. století Franco Sacchetti ve svých románech prohlašuje Giotta za velkého malíře a mistra sedmi svobodných umění . Sacchetti zde s největší pravděpodobností používá anekdotu, obraz Giotta je zde značně přikrášlený [11] .

Asteroid č. 7367 [12] , kráter na Merkuru [13] a kosmická loď , která prozkoumala Halleyovu kometu, jsou pojmenovány po Giottovi .

V roce 2017 vydala Republika San Marino dvoueurovou pamětní minci k oslavě 750. výročí narození Giotta di Bondone.

Obraz v kinematografii

Poznámky

  1. ↑ Katalog sbírek [[Louvre]]a . Datum přístupu: 13. února 2012. Archivováno z originálu 24. prosince 2013.
  2. ↑ 1 2 https://doi.org/10.1093/gao/9781884446054.article.T032431
  3. ↑ 1 2 https://en.isabart.org/person/58834
  4. ↑ https://www.britannica.com/biography/Giotto-di-Bondone/Santa-Croce-frescoes
  5. ↑ 1 2 3 https://rkd.nl/explore/artists/31840
  6. ↑ Wolf, 2007 , str. 9.
  7. ↑ Wolf, 2007 , str. 7, 92.
  8. ↑ Wolf, 2007 , str. 92.
  9. ↑ Wolf, 2007 , str. 95.
  10. ↑ Giotto a workshop | Letnice | NG5360 | Národní galerie, Londýn . www.nationalgallery.org.uk. Získáno 13. prosince 2018. Archivováno z originálu dne 27. března 2019.
  11. ↑ Golovin V.P. Svět umělce rané italské renesance. M .: Nová literární revue, 2003. S. 46 - 47.
  12. ↑ Schmadel, Lutz D. Slovník jmen vedlejších planet  . — Šesté opravené a zvětšené vydání. - Heidelberg, N. Y. , Dordrecht, L. : Springer, 2012. - S. 575. - ISBN 978-3-642-29717-5 .
  13. ↑ Giotto  . _ Gazetteer of Planetary Nomenclature . Pracovní skupina IAU pro nomenklaturu planetárních systémů.

Literatura

Odkazy

  Přejděte na položku Wikidata  Foto, video a zvuk
Tematické stránky
Slovníky a encyklopedie
Genealogie a nekropole