Klasické hollywoodské kino je termín používaný ve filmové kritice k popisu jak vyprávění, tak vizuálního stylu filmové tvorby, který se stal charakteristickým pro americkou kinematografii mezi 19. léty (bezprostředně po první světové válce ) a 60. léty [1] . Díky tomu se stal celosvětově nejvlivnějším a nejrozšířenějším stylem filmové tvorby [2] . Podobné nebo příbuzné termíny zahrnují Classical Hollywood Narrative , Golden Age of Hollywood , Old Hollywood , a Classical Continuity [3] .
Po staletí bylo divadlo jediným vizuálním standardem pro narativní umění . Již od uvedení prvních narativních filmů v polovině až koncem 90. let 19. století se filmaři snažili zachytit energii živého divadla na stříbrném plátně. Většina z těchto filmařů začínala jako divadelní režiséři na konci 19. století, stejně jako většina filmových herců začínala v estrádách (např . Bratři Marxové [4] ) nebo divadelních melodramatech. Vizuálně si rané narativní filmy vypůjčily jen málo z divadla a jejich narativní obsah si vypůjčil velmi málo z estrády a melodramatu. Před příchodem vizuálního stylu, který se stal známým jako „klasická kontinuita“, byly scény natočeny v plné délce s pečlivě nacvičenou choreografií, aby přesně vyjadřovaly děj a vztahy mezi postavami. V té době byly možnosti úprav extrémně omezené a většinou sestávaly z přidávání detailních záběrů objektů pro zdůraznění titulků.
Navzdory nedostatku viditelného realismu, který je divadlu vlastní, film (na rozdíl od divadla) nabízí svobodu manipulace s časem a prostorem a vytváří tak iluzi realismu - časové lineárnosti a prostorové kontinuity. Počátkem 10. let 20. století, kdy členové „ ztracené generace “ dospěli, začal filmový průmysl realizovat svůj tvůrčí potenciál. Ve Švédsku a Dánsku bylo toto období později známé jako „zlatý věk“ kinematografie; v Americe začali kameramani jako D. W. Griffith , který se definitivně distancoval od Edison Trustu , točit vlastní filmy, nezávislé na produkčním monopolu, jako průkopníci této tvůrčí změny. Filmy po celém světě začaly přebírat vizuální a narativní prvky klasické hollywoodské kinematografie. Rok 1913 byl pro tento směr obzvláště plodný, protože průkopní režiséři z několika zemí vytvořili taková mistrovská díla jako „A Mother's Heart“(D. W. Griffith), "Ingeborg Holm"( Victor Sjöström ) a Pařížské dítě ( Leonce Perret), které stanovily nové standardy pro film jako formu vyprávění. Také v tomto roce zahájil svou krátkou, ale plodnou kariéru Jevgenij Bauer (první skutečný filmový umělec, podle Georgese Sadoula [5] ) [6] .
Ve světě a v Americe zvláště neměl Griffithův vliv na filmový průmysl obdoby. Neméně vlivní byli jeho herci, kteří přizpůsobili divadelní umění novému prostředí. V tomto ohledu vyniká především Lillian Gish , hvězda Mother's Heart. Griffithův epos Zrození národa z roku 1915 byl pro kinematografii jako médium vyprávění průlomový – stal se mistrovským dílem literárního vyprávění s mnoha inovativními vizuálními prostředky. Film ovlivnil vývoj americké kinematografie natolik, že během pár let zastaral [7] . Ačkoli byl rok 1913 celosvětovým milníkem pro filmovou tvorbu, rok 1917 byl pro Spojené státy průlomový a zahájil éru „klasické hollywoodské kinematografie“ charakterizovanou narativním a vizuálním stylem, který do roku 1917 začal dominovat americké kinematografii .
Vyprávění a vizuální styl klasické hollywoodské kinematografie se dále rozvíjel po přechodu na zvukovou kinematografii. Hlavní změny v americké filmové produkci přišly z růstu systému studia . Tato forma produkce, se svým mainstreamovým „hvězdným“ systémem podporovaným několika klíčovými studii [9] , předchází zvukové kinematografii. V polovině 20. let se většina předních amerických režisérů a herců, kteří od počátku 10. let pracovali samostatně, musela stát součástí tohoto studiového systému, aby mohli pokračovat v práci.
Odborníci nemají na začátek éry zvukové kinematografie jednoznačný názor. Některými považován za film The Jazz Singer , který byl uveden do kin v roce 1927 , kdy dospívala meziválečná generace, jehož zájem posílil příjmy v pokladnách filmů, když představili zvuk [10] . Podle jiných tato éra začala v roce 1929, kdy zvukový film konečně nahradil tichý [11] . Většina hollywoodských obrazů od konce dvacátých let do šedesátých let byla úzce spojena s westernem , groteskní komedií , muzikálem , kresleným filmem a životopisným (životopisným) žánrem. Na filmech často pracovaly stejné tvůrčí týmy a produkovaly je stejná studia. Například Cedric Gibbons a Herbert Stothart pracovali pouze pro MGM ; Alfred Newman pracoval dvacet let v 20th Century Studios ; téměř všechny filmy Cecila B. DeMilleho byly natočeny v Paramount Pictures [12] a filmy režírované Henrym Kingem byly většinou natočeny pro Twentieth Century Fox. Stejně tak většina tehdejších herců byli smluvní zaměstnanci toho či onoho studia. Filmoví historici poznamenávají, že trvalo asi deset let, než se filmy adaptovaly na zvuk a vrátily se na úroveň umělecké kvality němých filmů – to se stalo koncem 30. let, kdy velká generace dospěla .
Mnoho z velkých filmových mistrovských děl, která se objevila během tohoto období, byla produktem vysoce regulované filmové tvorby. Jedním z důvodů, proč to bylo možné, bylo velké množství natočených filmů – přístup k nim byl odlišný. Studio mohlo vsadit na středněrozpočtový film s dobrým scénářem a poměrně neznámými herci. Takový byl i případ Občan Kane (1941) od Orsona Wellese , který je některými považován za nejlepší film všech dob. Kromě Wellse projevili vůli realizovat své umělecké vize i režiséři jako Howard Hawks , Alfred Hitchcock nebo Frank Capra . Vrcholem studiového systému mohl být rok 1939, kdy byly vydány takové klasiky jako Čaroděj ze země Oz , Gone with the Wind , Hrbáč z Notre Dame , Stagecoach , Mr Smith Goes to Washington , Destry Riding Back “, „ Mladý pan Lincoln “, „ Bouřivé výšiny “, „ Jen andělé mají křídla “, „ Ninochka “, „Bo Geste“, "Krásky v náručí", " Gunga Din ", " Ženy ", " Sbohem pane Chips " a " Řvoucí dvacátá léta " [13] .
Vizuálně-narativní styl klasické hollywoodské kinematografie vyvinutý Davidem Bordwellem [14] byl silně ovlivněn renesančními myšlenkami . Tento styl se liší na třech obecných úrovních: zařízení, systémy a systémové vztahy.
Mezi techniky nejvíce vlastní klasické hollywoodské kinematografii patří střih kontinuity ., "Krásky v náručí". Zahrnuje pravidlo 180 stupňů , jeden z hlavních vizuálně-prostorových prvků kina. Tato technika je v souladu se stylem „fotografované hry“ a vytváří pomyslnou 180stupňovou osu mezi divákem a rámem, což umožňuje divákům jasně navigovat pozici a směr akce ve scéně. Podle pravidla 30 stupňů, střihy pod úhlem, ze kterého je scéna pozorována, musí být dostatečně výrazné, aby divák pochopil účel změny perspektivy. Střihy, které nedodržují pravidlo 30 stupňů, známé jako skokové střihy , narušují iluzi časové kontinuity mezi snímky. Pravidla 180 a 30 stupňů jsou základními směrnicemi v kinematografii, které předcházejí oficiálnímu začátku klasické éry o více než deset let, jak je vidět v průlomovém francouzském filmu z roku 1902 Výlet na Měsíc . Techniky střihu v klasické montáži pomáhají nastolit nebo udržet narativní kontinuitu, jako je tomu u paralelní akce , která zakládá simultánnost akcí na různých místech. Skokové řezy jsou povoleny jako osový rám, který vůbec nemění úhel, ale má jasný účel ukázat perspektivu blíže nebo dále od subjektu a nezasahuje tedy do časové kontinuity [15] .
Klasické hollywoodské vyprávění se vždy vyvíjí díky psychologické motivaci, tedy vůli postavy a jejímu boji s překážkami na cestě k určitému cíli. Tento narativní prvek se obvykle skládá z hlavního vyprávění (jako je román) propleteného s vedlejším vyprávěním nebo vyprávěními. Vyprávění je strukturováno s nezaměnitelným začátkem, středem a koncem a obvykle má jasné rozuzlení. Využití postav, událostí, vztahů příčiny a následku, hlavních a vedlejších bodů jsou hlavními charakteristikami tohoto typu vyprávění. Hrdinové klasické hollywoodské kinematografie mají výrazné rysy, jsou aktivní a velmi cílevědomí. Jsou to jedinci motivovaní spíše psychickými než sociálními problémy [2] . Narativ je řetězec kauzálních vztahů vyskytujících se s jednotlivci – v klasickém vyprávění se události nedějí náhodou.
Filmový časČas v klasické hollywoodské kinematografii je kontinuální, lineární a jednotný, protože není lineárníznamená iluzorní povahu prostředí. Jediná časová manipulace povolená v tomto formátu je flashback . Používá se hlavně pro jasnou sekvenci vzhledu postav v zápletce, například jako ve filmu " Casablanca " [16] .
ProstorHlavním pravidlem klasické kontinuity ve vztahu k prostoru je stálost objektu: divák musí věřit, že scéna existuje mimo filmový rámec, aby byla zachována realističnost obrazu. Prostor v klasickém Hollywoodu má tendenci překonat nebo skrýt dvojrozměrnost filmu („neviditelný styl“) a je silně zaměřen na lidské tělo. Většina záběrů v klasickém kině se zaměřuje na gesta nebo mimiku ( střední záběry ). André Bazin kdysi přirovnal klasický film ke zfilmované hře v tom smyslu, že události jakoby existovaly objektivně a kamery nám dávají jen ten nejlepší pohled na vše, co se děje [17] .
Tato interpretace prostoru se skládá ze čtyř hlavních aspektů: centrování, vyvážení, frontality a hloubky. Významné tváře nebo předměty jsou většinou ve středu záběru a nikdy nejsou rozostřené. Vyvážení se týká vizuální kompozice, to znamená, že postavy jsou rovnoměrně rozmístěny po celém snímku. Akce je natočena směrem k divákovi (frontalita) a scenérii, osvětlení (převážně tříbodové osvětlení, zejména světlé osvětlení ) a kostýmy jsou navrženy tak, aby oddělovaly popředí od pozadí (hloubku).
Aspekty prostoru a času jsou podřízeny narativnímu prvku.
Hollywoodský „zlatý věk“ byl předmětem kritiky od rasových stereotypů (zejména problém Afroameričanů [18] [19] ) až po nedostatek realismu, který vedl k realističtějšímu stylu kinematografie po druhé světové válce [20]. [21] [22] .
Nový Hollywood 60. a 70. let byl ovlivněn romantismem klasické éry [23] , stejně jako francouzská nová vlna [24] .