Orfeus (opera)

Orfeus ( italsky  Orfeo , někdy italsky  L' Orfeo , favola in musica ) je opera Claudia Monteverdiho , vytvořená v roce 1607 na libreto Alessandra Strigia mladšího . Spolu s „ Orfeem a Eurydikou “ od Christopha Willibalda Glucka je považováno za jedno z nejvýznamnějších hudebních děl na téma starověkého řeckého mýtu o Orfeovi [2] ; je jednou z těch raných oper, které jsou dodnes pravidelně uváděny v mnoha divadlech po celém světě. Premiéra opery se konala 24. února 1607 v Mantově ( Itálie ). Opera byla napsána za účelem provedení na mantovském dvoře během tradičního každoročního karnevalu.

V hudebním divadle na počátku 17. století se tradiční mezihra – hudební čísla mezi dějstvími hlavní hry – postupně vyvinula v plné hudební drama, které později dostalo název „opera“. Orfeus od Monteverdiho znamenal konec období experimentů a stal se prvním plnohodnotným dílem nového žánru. Po premiéře se opera hrála znovu v Mantově a možná v příštích letech i v dalších italských městech. Partituru Orfea vydal Monteverdi v roce 1609, znovu vyšla v roce 1615. Po skladatelově smrti (1643) byla opera zapomenuta. Zájem o toto dílo, obnovený na konci 19. století, vedl ke vzniku jeho nových vydání a inscenací. Nejprve se jednalo o koncertní uvádění opery v rámci vzdělávacích institucí (ústavů) a hudebních společností. První operní představení bylo uvedeno v Paříži v roce 1911, od té doby se Orfeus objevoval na hudební scéně stále častěji. Po 2. světové válce se v inscenování opery začaly prosazovat autentické výkony . "Orpheus" byl opakovaně nahráván a stále častěji je uváděn v operních domech. V roce 2007 bylo 400. výročí opery oslaveno představeními po celém světě.

Monteverdi ve svém vydání partitury opery uvádí 41 nástrojů, které ve spojení do různých skupin slouží k zobrazení různých scén a postav. Struny , cembala a podélné flétny tedy představují pastevecké oblasti Thrákie, obývané nymfami a pastýři; žesťové nástroje ilustrují podsvětí a jeho obyvatele. "Orfeus", vytvořený v době přechodu od renesance k baroku , využívá všechny hudební úspěchy své doby a zvláště odvážně - polyfonii . Monteverdiho inovace se projevila i v (částečné) orchestraci partitury, opatřené samostatným autorským „přáním“ pro interprety. Zároveň, na rozdíl od orchestrální partitury v jejím pozdějším (klasickém) smyslu – s přesně napsanými nástroji se všemi detaily textury , s notovanými tempy, nuancemi atd., partitura „Orfea“ (jak byla obecně přijímána v pak tradice) ponechala hudebníkům jistou svobodu pro improvizaci .

Zrození operního žánru

V roce 1590 nebo 1591 Claudio Monteverdi, který sloužil jako hudebník ve Veroně a Miláně , získal místo violisty na dvoře vévody Vincenza Gonzagy v Mantově. Talent a tvrdá práce umožnily Monteverdimu dosáhnout v roce 1601 pozice maestra della musica na dvoře Gonzaga , měl na starosti celý hudební život vévodského dvora [3] [4] [5] .

Zvláštní vášeň Vincenza Gonzagy pro hudební divadlo se rozvinula pod vlivem tradic florentského dvora. Koncem 16. století inovativní florentští hudebníci vyvinuli mezihru – hudební skladbu, která vyplňovala čas mezi akty konverzačních dramat – do stále rafinovanější formy [3] . Pod vedením Jacopa Corsiho vytvořili nástupci slavného spolku Florentine Camerata [K 1] první dílo obecně související s žánrem opery: Daphne napsali Corsi a Jacopo Peri , kapelník florentského vévody , a uvedli ji ve Florencii v roce 1598. . Toto dílo spojilo prvky madrigalového zpěvu a monodie s tanci a instrumentálními pasážemi do jediné dramatické akce. Dochovaly se pouze fragmenty partitury Daphne, ale několik dalších florentských děl ze stejného období – Idea duše a těla Emilia de Cavalieriho , Periho Eurydika a další Eurydika – Giulio Caccini  – přežilo dodnes úplně. Díla Periho a Cacciniho byla první z mnoha hudebních reprezentací mýtu o Orfeovi čerpajícím z Ovidiových Metamorfóz a byla přímými předchůdci Monteverdiho Orfea [7] [8] .

Na dvoře Gonzaga měla divadelní představení bohatou historii. V roce 1471 zde bylo nastudováno lyrické drama Angela Poliziana The Tale of Orpheus, kde minimálně polovinu děje spolu s rozhovory postav tvořily vokální části. V 1598, Monteverdi pomohl hudebnímu oddělení soudu v představovat Giovanni Battista Guarini je Věrný pastýř ; podle divadelního historika Marka Ringera se stal „předělem divadelních produkcí“ a dal vzniknout všeobecnému okouzlení pastoračním dramatem v Itálii [9] . 6. října 1600, když dorazil do Florencie, aby se zúčastnil oslav svatby Marie de Medici s francouzským králem Jindřichem IV . , se vévoda Vincenzo zúčastnil představení Periho „Eurydice“ [8] . Je možné, že se tohoto představení zúčastnili i jeho přední dvorní hudebníci včetně Monteverdiho. Vévodovi se tato nová forma dramatu líbila a ocenil její možnosti při posilování jeho prestiže mecenáše umění [10] .

Libreto

Mezi diváky "Eurydice" v říjnu 1600 byl mladý právník a diplomat, který sloužil na dvoře Gonzagy, Alessandro Strigio [11] , syn slavného skladatele . Mladší Strigio, talentovaný hudebník, hrál na violu v šestnácti letech na svatebních slavnostech vévody Ferdinanda Toskánského v roce 1589 . Spolu se dvěma syny vévody Vincenza, Francescem a Ferdinandem , byl členem privilegované intelektuální společnosti Mantovy, „Akademie kouzel“ ( italsky  Accademia degli Invaghiti ), kde se produkovala většina městských divadelních produkcí . Není jasné, kdy Striggio začal psát libreto pro Orfea, ale v lednu 1607 byly práce na něm v plném proudu. V dopise z 5. ledna žádá Francesco Gonzaga svého bratra, který v té době pobýval na florentském dvoře, aby přizval do služeb virtuózního kastráta z řad velkovévodských zpěváků, aby se zúčastnil představení „hry s hudbou “ načasováno tak, aby se shodovalo s karnevalem v Mantově [13] .

Hlavními zdroji pro Strigiovo libreto byly desátá a jedenáctá kniha Ovidiových Proměn a čtvrtá kniha Vergiliových Georgiků . Z těchto děl převzal hlavní materiál, nikoli však strukturu dramatu; akce prvního a druhého jednání přesně navazují na třináct veršů z Metamorfóz [14] . Při práci na libretu použil Striggio také Polizianovu hru z roku 1480, Guariniho Věrný pastýř a libreto Ottavia Rinucciniho pro Periho Eurydiku . Muzikolog Harry Tomlinson nachází relativně mnoho podobností mezi texty Strigia a Rinucciniho a poznamenává, že některé řeči v Orfeovi „jsou přepsány blízko obsahu a dokonce opakují výrazy používané v Eurydice“ [16] . Podle kritiky Barbary Rassano Hanning nebyla Strigiova poezie tak vytříbená jako Rinucciniho, o to zajímavější je dramaturgie libreta. Rinuccini, jehož hra byla napsána speciálně pro slavnosti obklopující svatbu Medicejských, pozměnil mýtus tak, aby poskytl „šťastný konec“ vhodný pro tuto příležitost. Naproti tomu Strigio, který své dílo nevytvářel pro dvorní oslavu, měl možnost navázat na mýtus, podle kterého byl Orfeus rozzlobenými ženami (Bacchantes) roztrhán na kusy [15] . Ve skutečnosti napsal mírně zmírněnou verzi, ve které Bacchantes hrozí, že Orphea zabijí, ale jeho smrt není ukázána, takže konec zůstává otevřený [17] .

Vydání libreta, které bylo provedeno v Mantově v roce 1607, tedy v roce premiéry, obsahuje Striggiovu nejednoznačnou koncovku. Ve Striggiově libretu z roku 1607 není Orfeův monolog v 5. jednání přerušen zjevením Apollóna, ale sborem opilých Bacchantů, kteří zpívají o „božské zuřivosti“ jejich patrona, boha Bakcha . Důvodem jejich hněvu je Orfeus a jeho odříkání se žen, neunikne jejich zuřivosti a čím déle se jim bude vyhýbat, tím těžší ho čeká osud. Orfeus opouští jeviště a jeho osud zůstává nejasný, ženy na konci opery zpívají a tančí na Bakchovu počest [18] . Monteverdiho partitura, kterou v roce 1609 vydal v Benátkách Ricciardo Amadino , naznačuje jiný konec. Apollo vezme Orfea do nebe, kde mezi hvězdami najde obraz Eurydiky. Kdo je autorem textu nového konce, není známo. Badatelé zaznamenali pozměněný styl alternativního konce, většina komentátorů se domnívá, že básně nenapsal Strigio. Má jít o dílo amatéra, snad Ferdinanda Gonzagy, nebo dokonce (částečně) samotného skladatele. Mezi možnými autory je jméno Ottavia Rinucciniho, který byl libretistou další Monteverdiho opery Ariadne [19] . Hudební historik Claude Paliska věří, že oba konce jsou docela kompatibilní: Orpheus se vyhýbá zuřivosti Bacchantes a je zachráněn Apollónem [20] .

Podle Ringera byl v premiéře téměř jistě použit původní Striggiov konec, ale není pochyb o tom, že Monteverdi považoval upravený konec za esteticky správný . Podle Nino Pirrotty byl konec s Apollónem  součástí původního plánu díla, ale při premiéře nebyl realizován, protože do malé místnosti, kde se představení odehrávalo, se nevešel divadelní stroj, který tento konec vyžadoval. Místo toho byla představena scéna s Bacchantes; Monteverdiho záměry se staly skutečností, když byla odstraněna technická omezení [21] .

Kompletní překlad libreta opery do ruštiny se všemi instrumentálními poznámkami (podle vydání libreta z roku 1607 a partitury z roku 1609) provedl M. Saponov [22] .

Složení

Monteverdi měl v době práce na Orfeovi již dostatečné zkušenosti se skládáním divadelní hudby. V té době sloužil u dvora Gonzaga asi 16 let, většinu z toho jako interpret nebo aranžér scénické hudby. V roce 1604 pro mantovský karneval složil balatu Love of Diana and Endymion [23] . Prvky, z nichž Monteverdi postavil své první opery - árie , strofické (dvojkové) písně, recitativy , sbory, tance, hudební přestávky (mezihry) - nebyly, jak podotkl dirigent Nikolaus Arnoncourt , jím vynalezené, „sestavil celou zásobu nejnovějších a starých možností do skutečně nové jednoty . Muzikolog Robert Donington píše: „[Parttura] neobsahuje žádný prvek, který by nebyl založen na precedentu, ale v této nově vyvinuté formě plně dozrává… Zde jsou slova tak přímo vyjádřená v hudbě, jak chtěli [průkopníci opery] vyjádřit je; zde je hudba, která je vyjadřuje... s plnou inspirací génia“ [25] . Jednou z novinek představených Monteverdim v Orfeovi, která vyvolala mezi veřejností rozruch, byly zpěvové dialogy. Před mantovskou premiérou to milovník hudby Carlo Magno oznámil svému bratrovi jako něco „neuvěřitelného“: „...všechny postavy [na jevišti] budou mluvit hudebně“ [19] .

Monteverdi v úvodu vydání partitury uvádí požadavky na složení orchestru, přesné použití nástrojů však v souladu s dobovou tradicí neuvádí [24] . V té době dostal každý interpret svobodu rozhodování na základě sady nástrojů, které měl k dispozici. Interpretace se mohou od sebe výrazně lišit. Navíc, jak poznamenal Harnoncourt, v té době byli všichni hudebníci skladatelé a očekávalo se od nich, že budou kreativně spolupracovat při každém vystoupení, spíše než striktně sledovat partituru [24] . Podle tradice směli zpěváci ozdobit své árie. Monteverdi napsal jednoduché a přikrášlené verze některých árií, např. Orfeovo Possente spirto (pravděpodobně neonamovaná verze byla určena pro zpěváka, který je neuměl zpívat) [26] . Jak poznamenává Arnoncourt, Monteverdi ve srovnání s jinými skladateli své doby zavedl do svých děl mnoho ozdob a „kde ozdoby nevypsal, chtěl jich jen velmi málo“ [27] .

Každé z pěti operních aktů odpovídá jedné z epizod příběhu a každé končí refrénem. Akce z Thrákie je přenesena do Háda a znovu do Thrákie, ale pravděpodobně se „Orfeus“, jak bylo v tehdejších dvorských zábavách zvykem, hrál bez přerušení, bez opony mezi akcemi. Podle tehdejšího zvyku se změna scén pro publikum projevila hudebně: změny v instrumentaci, tónu a stylu provedení [28] .

Hudební prvky

Muzikolog Hans Redlich při analýze opery poznamenává, že jde o produkt dvou hudebních epoch. V "Orfeovi" jsou prvky tradičního madrigalu 16. století kombinovány s novým florentským směrem v hudbě, který se vyznačuje použitím recitativu a homofonie , v souladu s představami členů cameraty a jejich následovníků [29 ] . V tomto novém směru text dominuje hudbě. Zatímco se stává ilustrací akce, pozornost publika upoutá především text. Zpěváci nyní museli věnovat pozornost nejen vokální části představení, ale také reprezentovat charakter postavy a předat odpovídající emoce [30] .

Monteverdiho recitativ byl ovlivněn Peri ("Eurydice"), ale v "Orfeovi" je méně převládající, než je v tehdejší dramatické hudbě zvykem. Tvoří méně než čtvrtinu hudby v prvním aktu, asi jednu třetinu druhého a třetího jednání a o něco méně než polovinu ve dvou závěrečných aktech .

Význam „Orfea“ spočívá nejen v tom, že se jednalo o první operu, ale také v tom, že „Orfeus“ je prvním pokusem o uplatnění všech tehdy známých možností hudby ve vznikajícím novém žánru [32 ] . Monteverdi tedy šel do odvážných inovací v použití polyfonie , oblasti, ve které byla do té doby Palestrina hlavní autoritou . Monteverdi rozšiřuje a mění pravidla, která skladatelé věrní myšlenkám Palestriny přísně dodržovali [33] . Monteverdi nebyl orchestrátor v konvenčním smyslu [34] ; Ringer se domnívá, že prvek instrumentální improvizace činí z každého provedení Monteverdiho opery „jedinečný zážitek a odděluje jeho dílo od pozdějšího operního kánonu“ [30] .

Opera začíná dvakrát opakovanou bojovně znějící tokátou pro trubky. Při hře na barokní dechové nástroje může tento zvuk ohromit moderní publikum, Redlich jej nazývá „drtivým“ [35] . Takový začátek byl běžný pro hudební vystoupení na mantovském dvoře. Tato toccata doprovází také úvodní sborové Nešpory od Monteverdiho ( Vespro della beate Vergine, SV 206 1610), vytvořené pro dvůr Gonzaga [30] . Toccata hrála roli pozdravu vévodovi. Podle Doningtonova názoru, kdyby to nebylo napsáno, náhoda by vyžadovala, aby byl pozdrav improvizovaný [25] . Militantní toccata ustupuje jemnému ritornellu , který předchází vystoupení Music. Ve zkrácené formě se ritornello opakuje mezi každým z pěti veršů úvodní části a celé po závěrečném verši. Jeho funkcí v rámci opery je zosobnění „síly hudby“ jako takové. Objevuje se na konci 2. aktu a znovu na začátku 5. aktu a stává se jedním z prvních příkladů operního leitmotivu . 1. dějství představuje pastorační idylu. Dva sbory, slavnostní a veselý, rámují ústřední milostnou píseň Rosa del ciel . Jásot pokračuje ve 2. jednání písní a taneční melodií, která podle Harnoncourta ukazuje Monteverdiho znalost francouzské hudby [37] .

Postavy

Obsah

Děj se odehrává v Thrákii (jednání jedna, dvě a pět) a království Hádes (jednání tři a čtyři) v mytologickém čase. Instrumentální toccata předchází výstupu hudby, která hraje prolog. Při přivítání diváků oznamuje, že prostřednictvím sladkých zvuků dokáže „uklidnit každé rozbouřené srdce“. Oslavuje její sílu a představuje hlavního hrdinu dramatu Orfea, který „svým zpěvem krotil divoká zvířata“.

První dějství

Orpheus a Eurydice vycházejí s nymfami a pastýři, kteří působí jako řecký sbor , komentující akci. Jeden z pastýřů oznamuje, že dnes je svatba Orfea a Eurydiky; sbor odpovídá nejprve majestátně ( Vieni, Imeneo, deh vieni… ) a poté radostným tancem ( Lasciate i monti… ). Orfeus a Eurydika zpívají o své vzájemné lásce, než se s hosty vydají na svatební obřad v chrámu. Část sboru, která zůstala na jevišti, vypráví, jak byl Orfeus proměněn láskou, ten, pro kterého byly vzdechy jídlem a pláč nápojem, se proměnil ve šťastného člověka.

Akt II

Orfeus se vrací s hlavním sborem a chválí s ním krásy přírody. Orfeus se zamýšlí nad svým někdejším neštěstím, ale prohlašuje: "Po smutku je člověk spokojenější, po zranění je šťastnější." Náhle vstoupí Posel se zprávou, že Eurydika při trhání květin uštkla smrtelné hadí kousnutí. Sbor soucitně zpívá: „Ach, hořký případ, ach, nesvatý a krutý osud!“ a Posel se trestá za to, že přinesla špatné zprávy („Navždy odejdu a v osamělé jeskyni budu žít podle svého smutku“ ). Orfeus po árii („Jsi mrtvý, můj život a já dýchám?“) oznámí svůj úmysl sestoupit do podsvětí a přesvědčit jeho vládce, aby umožnil Eurydice vrátit se k životu, jinak tam sám zůstane. Orfeus odchází a sbor pokračuje ve svém nářku.

Třetí dějství

Orfeus míří s Hope k branám podsvětí. Naděžda ukázala na nápis na bráně („Zanechte naději, všichni, kdo sem vstupujete“) [K 4] , a rozloučila se s ním. Orpheus se setkává s převozníkem Charonem, který ho odmítá převézt přes Styx . Orfeus se snaží Charona přesvědčit a zazpívá píseň, která mu lichotí ( Possente spirto e formidabil nume ), ale převozník je neoblomný. Když však Orfeus začne hrát na lyru, Charon usne. Orfeus bere loď a přeplaví se přes řeku, aby vstoupil do podsvětí, zatímco sbor duchů zpívá, že příroda nemá proti člověku obranu: "Zkrotil moře křehkým stromem a pohrdal hněvem větrů."

Čtvrté dějství

V podsvětí Proserpina, Plutova manželka, hluboce dojatá Orfeovým zpěvem, žádá svého manžela, aby propustil Eurydiku. Pluto souhlasí, ale dá Orfeovi podmínku: po celou dobu, kdy povede Eurydiku do světa živých, se nesmí ohlížet, jinak přijde o manželku. Orfeus opouští říši mrtvých a táhne s sebou Eurydiku. Těší se na své štěstí, ale jak čas plyne, začínají ho přemáhat pochybnosti: „Kdo mě přesvědčí, že mě sleduje? Snad ho Pluto ze závisti oklamal? Orfeus se rozhlédne, Eurydika zoufale zpívá ( Ahi, vista troppo dolce e troppo amara! ) a zmizí. Orpheus se ji snaží následovat, ale je zadržen neviditelnou silou. Sbor duchů zpívá, že Orfeus, který překonal podsvětí, byl zase poražen svými vášněmi.

Páté dějství

Po návratu do rodné Thrákie Orfeus v dlouhém monologu truchlí nad svou ztrátou, opěvuje krásu Eurydiky a rozhodne se, že Amorův šíp už nikdy nezasáhne jeho srdce. Zákulisní ozvěna opakuje jeho závěrečné repliky. Najednou Apollo sestoupí z mraků z nebe a napomíná Orfea: "Proč plýtváš svým darem na hněv a smutek?" Vyzve Orfea, aby opustil svět a připojil se k němu v nebi, kde ve hvězdách uvidí obraz Eurydiky. Orfeus odpoví, že by nebylo důstojné neuposlechnout rady tak moudrého otce, a společně vylezou nahoru. Pastýřský sbor uzavírá, že „kdo rozsévá v utrpení, musí sklízet plody milosti“. Opera končí energickým tancem moresque .