Dějiny italského umění do značné míry předurčily dějiny umění západní civilizace . Po etruské a zejména starověké římské době , která po mnoho staletí ovládala Apeniny, je Itálie ústředním bodem evropského renesančního umění . Itálie také dominovala evropskému uměleckému životu v 16. a 17. století, protože byla kolébkou barokního stylu . V 18. století země zažila kulturní úpadek a začala ztrácet roli lokomotivy duchovního života Evropy a dala ji Francii. V polovině 19. století se však země vrátila na mezinárodní scénu s uměleckými hnutími, jako jsou macchiaioli ,futurismus , metafyzická malba , novecento , arte povera , transavantgarda . Italské umění ovlivnilo několik hlavních kulturních hnutí v průběhu historie a vytvořilo galaxii velkých umělců, architektů a sochařů.
Dnes má Itálie důležité místo na mezinárodní umělecké scéně s několika významnými uměleckými galeriemi, muzei a výstavami. Hlavními uměleckými centry v zemi jsou její hlavní město Řím , dále Florencie , Benátky , Milán , Neapol , Turín a další města.
Starověká Itálie neměla jedinou etnickou nebo kulturní komunitu. Byla obývána mozaikou různých kmenů s vlastními tradicemi, zvyky a jazyky. Země „barbarů“ (Galů, Germánů) se rozprostíraly severně od řeky Pád, zatímco jižní část poloostrova byla součástí Magna Graecia. Etruská kultura, přestože byla ovlivněna řečtinou, byla jedinou autochtonní kulturou. Ve skutečnosti je starověká římská kultura založena na starořecké kultuře, mísí se s etruskou a aktualizuje ji, stejně jako kreslí prvky umění "barbarů".
Italské regiony úzce spojené s řeckou klasikou jsou jižní regiony a ostrov Sicílie . Řecká kolonizace , která začala v 8. století před naším letopočtem. E. , vytvořil kulturu starověkých měst Kalábrie ( Taranto , Locri , Sibaris , Crotone , Reggio atd.) a Sicílie ( Syrakusy , Agrigento , Segesta , Gela aj.). Budovy v Paestum , Selinunte , Agrigento jsou nejdůležitějšími dochovanými chrámy řeckého světa.
Slabé pozůstatky nejstaršího období, které se projevovaly v některých rysech rituálu nebo chutí, neměly pro uměleckou kulturu Magna Graecia téměř žádný význam. Jediné charakteristické rysy místní kultury: určitá nepravidelnost v ornamentálních kompozicích, směsice motivů, protože architekti a sochaři, kteří zde pracovali, pocházeli z různých regionů s vlastními uměleckými školami. Odtud: excesy v dekorativních dekoracích, často z polychromované terakoty, měkkost architektonické a sochařské modelace, často spojená s použitím poddajných porézních nažloutlých tufů.
Paestum
Selinunte
Agrigento
První památky etruské kultury pocházejí z konce 9. - začátku 8. století. před naším letopočtem E. Cyklus vývoje etruské civilizace končí ve 2. století před naším letopočtem. před naším letopočtem E. Řím byl pod jeho vlivem až do 1. stol. před naším letopočtem E.
Etruská civilizace měla převážně městský charakter, zaznamenala výrazný, byť vnější vliv řeckého umění. Kultura Etrusků byla extrémně naturalistická, nikdy neztrácela spojení s každodenním životem.
Římané, kteří se vyznačovali velkým praktickým smyslem pro řešení problémů materiálního života, kteří uměli vytvořit harmonický sklad občanství, upevnit svou vojenskou sílu a široce rozšířit svou politickou moc, byli jen slabě nadáni schopností umělecké tvořivosti, jakož i pro kreativitu obecně v oblasti duchovních zájmů. Nikdy nepociťovali skutečnou, vnitřní potřebu umění, nejprve na něj pohlíželi jako na relaxační luxus, a pokud se k němu obrátili, pak pouze ve formě skutečných výhod a spokojili se s půjčováním od Etrusků.
Když pak vítězství nad jinými národy přinesla Římanům bohatství a rozvinula jejich národní hrdost, zejména po dobytí Řecka, které je přiblížilo k vysoké civilizaci této země a zaplavilo město Quirites uměleckými díly vyjmutými z umění se v Římě začalo těšit cti, ale stále ne jako něco podstatného, ale jako prostředek, jak dát vnější lesk veřejnému a soukromému životu, povýšit viníky národní slávy, lichotit hrdosti lidí. Státníci a bohatí začali podporovat umění a přitahovat umělce do Říma z chudých a opuštěných měst Hellas; tito hostující umělci pracovali na uspokojení vkusu svých zákazníků a pod jejich vedením se formovali domorodí řemeslníci.
Ke konci republikánského režimu se tak rozvinulo zvláštní římské umění představující směs etruských prvků s řeckým, přesto však svérázného charakteru. Hlavním poznávacím znakem tohoto umění je touha po luxusu, kolosálnosti a velkolepé dekorativnosti.
Raně křesťanské umění pokrývá období od vzniku křesťanství a uznání křesťanství jako státního náboženství Konstantinem I. Velikým v Římské říši (v roce 313) až po formování byzantského umění v 6.–7. století.
Jelikož rané křesťanství bylo náboženstvím chudých, lze absenci raně křesťanských kulturních památek vysvětlit i absencí mecenášů. Křesťané byli navíc zpočátku intenzivně pronásledováni, takže křesťanská společenství nemohla vytvářet žádné architektonické a umělecké památky.
Raně křesťanští umělci využívali tradice starověku a helénistického umění: jsou to římské sochy, reliéfy a sarkofágy, umění malby a mozaiky, portrét Fayum . Dokud si křesťané nevyvinuli svůj vlastní styl, používali staré formy pohanského umění římské říše.
Raní křesťané přizpůsobili římské motivy a dali nový význam mnoha pohanským symbolům. Mezi náměty raně křesťanských umělců vypůjčených od Římanů patřili: páv, vinná réva a obraz „dobrého pastýře“. Raní křesťané také vyvinuli své vlastní symboly, jako je ryba (Ichthys).
Po roce 200 je rané křesťanské umění rozděleno do dvou období: před a po prvním Nicejském koncilu v roce 325 a na období prvních sedmi ekumenických koncilů .
Rozpad starověké římské říše byl dlouhý proces. Rozšířila se krize jak moci, tak krize pozdně antických idejí a kultury. Ani křesťanství neposílilo vzdálená geografická území. Divize se zvětšila s vytvořením západní a východní říše . Západní císařská tradice, která je v Římě uctívána, je interpretována jako dočasný úpadek a sv. Theodosius a sv. Ambrož v Miláně se pokoušejí obnovit její dřívější velikost na idejích křesťanství. Milán mezi 379 a 402 se nakrátko stává hlavním městem Západního impéria. Právě v Miláně je postavena majestátní Apoštolská bazilika (konec 4. století) a kostel San Lorenzo Maggiore (5. století našeho letopočtu).
Milán přenesl funkce hlavního města na město Ravenna , které mělo být poslední základnou pro obranu imperiálních idejí. K přesunu hlavního města sem přispěly okolní bažiny a dobře opevněný vojenský přístav Klasse. Město staví baziliku San Giovanni Evangelista po vzoru milánského kostela San Simpliciano a později zničeného kostela Santa Croce . Ze Santa Croce se dochovala pouze kaple ve tvaru kříže, která je nesprávně nazývána mauzoleem Gally Placidie , dcery císaře Theodosia a sestry Honoriovy. Ve skutečnosti Galla Placidia zemřela v roce 450 v Římě a nebyla pohřbena v Ravenně. Venku nevýrazné provinční zdi „mauzolea“, postaveného z červených cihel, kompenzuje luxusní výzdoba – mozaika, nejlepší z těch, které se z té doby dochovaly. Malé části mozaiky jsou docela běžné v Římě i Miláně. V „mauzoleu“ pokrývají celý povrch stěn a kleneb, překvapují jasnými barvami a odraženým světlem, plným symbolického významu.
Interiér mauzolea Galla Placidia
Mauzoleum Galla Placidia, exteriér
Mozaika "Dobrý pastýř"
Mozaika klenby mauzolea
Kapitálovou nádheru Ravenny v nové etapě podpořily aktivity císaře Theodorika . Theodorich (493-526) byl ostrogótský cizinec, „barbar“, kterého uchvátila krása a luxus Říma, latinského světa. Proto pozval do Ravenny mistry z Říma. V Ravenně (nyní Santo Spirito ) byla postavena katedrála, ariánská baptisterium, kostel San Martino in Ciel d'Oro a slavné Sant'Apollinare Nuovo . Ta je bazilikou s jednoduchými fasádami a mozaikami v interiéru. Biskup Agnelo, který byl nepřítelem heretických barbarů, se stal dirigentem kulturních a ideologických vlivů Byzance. To se odrazilo v mozaikách panen a mučedníků ze Sant'Apollinare Nuovo, podobně jako na příkladech byzantského dvorního umění. V kostele San Vitale (vysvěceném v roce 547 ) je byzantštiny ještě více, protože byzantský úředník Julian Argentarius (císařský pokladník a guvernér) trval na stavbě podle vzoru kostela sv. Sergia a Bakcha v Konstantinopoli. Na mozaikách apsidy - Kristus na pozemské sféře, obklopený anděly bojovníky, svatým Vitalem a biskupem Ecclesiem. Zde jsou dvě mozaiky s císařem Justiniánem a Theodorou . Přísné tváře pozemských bohů, oblečení šokující nebývalým luxusem a perly – zosobnění Božího původu moci a nadlidské velikosti. Císařský pár, obklopený četnými dvořany, nosí chléb a víno k přijímání . V současnosti prostě neexistují obdoby těchto mozaik.
Románský styl (z lat. romanus - římský) - umělecký styl, který dominoval Evropě (hlavně západní) v X-XII století. (v některých místech - a ve století XIII), jedna z nejdůležitějších etap ve vývoji středověkého evropského umění. Nejplněji se našel v architektuře. Na počátku byl zaveden termín „románský styl“. 19. století Arcisse de Caumont , který vytvořil spojení mezi architekturou XI-XII století. ze starořímské a která předcházela gotice . Románský styl v Itálii, navzdory názvu „římský“, měl regionální rozdíly.
Přední místa zaujímala architektura – dřevěná a kamenná. Dřevěná se do dnešních dnů prakticky nedochovala, představu o uměleckých rysech doby proto získáváme studiem kamenných staveb - hradů, kostelů, katedrál, klášterů. Klášter románské éry nějakou dobu převládal, protože hlavním zákazníkem byli klášterní duchovenstvo, v jehož rukou se ukázaly velké finanční prostředky, a mniši působí jako vzdělaní znalci stavebnictví a architekti.
V podmínkách feudální fragmentace se používal pouze místní kámen. To snížilo náklady na stavbu, nevyžadovalo významnou dopravu - kvůli nedostatku zpevněných cest. Zásilky navíc nenarazily na četné celnice.
Románská architektura byla těžká, pevná, s jednoduchými geometrickými objemy, s malou výzdobou nebo sochařstvím, které s časem jen přibývalo.
Neexistovaly žádné standardní velikosti - kamenné bloky, sloupy, hlavice. Každý kapitál byl vyroben samostatným řemeslníkem, který znal přibližně rozměry a detaily - v důsledku toho došlo k libovůli umělce (umělecká svoboda). Proto je každý z výtvorů té doby samostatným, jedinečným uměleckým dílem.
V románské době dozrávaly také významné kulturní prvky.
Šíří se latina, která se stává základem pro vznik národních jazyků, které později dostanou název „románské jazyky“. Latina se stává jazykem mezietnické komunikace a jazykem tehdejšího školství. Západní Evropa přijala univerzitu jako vzdělávací instituci - teologickou, právní, lékařskou atd. Vznikly první západoevropské univerzity ( Bologna - v roce 1055, Oxford - 1163, Paříž ( Sorbonne ) - v roce 1180, Cambridge - v roce 1209 město z Padovy - v roce 1228). To položilo významné kulturní rozdíly s Byzancí a následně s východoslovanským světem.
V muslimských zemích bude jazykem vzdělávání a mezinárodní komunikace arabština.
V 11. a 12. století ještě nepominulo vědomí západní Evropy jako samostatného společenství zemí a národů, ale došlo k hlubokému vymezení mezi Západem a Východem (Západem a Byzancí a slovanským světem, Západem a muslimy). svět) již prošel. Došlo ke skutečné ideologické a vojenské konfrontaci. Frankové a Latinové se stávají personifikací národů západního světa obecně (ačkoli zůstávají skutečným konglomerátem různých národů), zatímco Byzantinci (Řekové, Arméni a Slované východního náboženství) již nejsou považováni za skutečné křesťany. Na Západě jsou považováni za něco mezi křesťany a Saracény, heretiky, ne o moc méně nebezpečné než Turci. Tyto ideologické postoje dosáhly svého nejvyššího rozvoje a rozprostřely se ve vzájemných anathematech a rozštěpení křesťanství na pravoslaví a katolicismus v roce 1054, v křížových výpravách proti Byzanci a muslimskému světu, při vojenském obsazení Konstantinopole křižáky a vytvoření latinské Říše tamější (1204-1261), expanze na evropský východ a katolizace Polska, pobaltských států, pokusy učinit z Jeruzaléma a Palestiny katolické, ve španělské reconquistě .
Postoj k práci se radikálně změnil. Je vnímána jako cesta ke zlepšení, vzdělání, cesta ke spáse duše. Práce přestala být pro občana (jako Římané) nenáročná, nedůstojná a bohatství a touha po něm nejsou vnímány jako hřích. Práce je jednou z hlavních ctností na Západě.
Objevují se pokročilé technologie. Bůh stvořil přírodní materiály, které je člověk schopen vylepšit, přičemž na sebe bere podíl Božího ducha. Z toho plyne touha materiály studovat a neustále je zlepšovat. Technika je stále primitivní, ale v Evropě se neustále komplikuje. Přispějte k tomu i neustálým válkám a zdokonalování zbraní.
Vytvoření románské katedrály bylo technicky obtížné, protože hlavní loď byla širší a vyšší než boční. V různých románských centrech byly problémy oblouků a osvětlení řešeny různými způsoby. Střechy na dřevěných krovech byly lehčí než kamenné, nevyžadovaly silné zdi, pod nimi vznikla řada oken, která šetřila stavební materiál a poskytovala dostatečné osvětlení střední lodi. Tak se staví většina sakrálních staveb v Itálii, v Sasku a České republice, ve francouzské Normandii. V 11. – 12. stol. ožívají nástěnné malby a monumentální sochařství, které byly na ústupu. Románské stavitelství Itálie nemělo jediné umělecké centrum, formovalo se v podmínkách odloučenosti zemí, v podmínkách napodobování antických vzorů, tradic, techniky a výrazného vlivu světských trendů. Mezi jeho významná centra patří Sicílie a Palermo, Pisa, Lombardie, Milán a Benátky. Umělecká škola v Římě vznikla o staletí později a vzkvétala v 15. a 16. století.
Pisa zažila krátký, ale skvělý boom v 10. a 12. století. Jeho vzestup byl způsoben námořním obchodem s Konstantinopolí a muslimskými zeměmi. Nadšení z vítězství nad Saracény v roce 1063 podnítilo událost, aby byla připomenuta vytvořením nového náboženského centra. Jeho rysy jsou jeho umístění ne v centru města, ale na okraji, na náměstí zázraků , vedle cest do Luccy a přístavu. Nový komplex budov měl i symbolický význam - cesta člověka od narození, křtu, života a smrti. Odtud - baptisterium , katedrála, zvonice a hřbitov pod střechou. Baptisterium (podle tehdejších rituálních požadavků) bylo postaveno odděleně od chrámu, neofyté vstoupili do chrámu až po křtu. Arkády byly použity mimořádně efektivně . Oba zdobí stěny zvenčí a opticky je odlehčují, zejména křtitelnici a válcovou zvonici. Šikmá věž Šikmé zvonice v Pise se stane jednou z vizitek země.
Benátky byly významným centrem románského slohu . Úzké vazby s Byzancí přispěly k významným kulturním výpůjčkám, ale neodradily závist, konkurenci a dokonce i agresi. Výpůjčky byly vítány, ale místní kulturní úkoly byly řešeny samostatně a speciálně pro Benátky. To se dobře projevilo při vzniku katedrály sv. Marka (výstavba v letech 1063-1085, dokončení a výzdoba - ve 13., 14., 15., 17. století). Vychází z byzantského schématu, které nakonec skryly dostavby a pozdní výzdoba. Na počátku 13. stol. po vyloupení Konstantinopole bylo průčelí chrámu vyzdobeno jak vyjmutými sloupy, tak bronzovými, antickými postavami koní. Spiritualismus, byzantské kánony byly opuštěny kvůli triumfu, dekorativnosti, neskrývanému vystavování vojenských trofejí.
Románské, těžké a zjednodušené - v katedrálách na ostrově Torcello ( 1008 ) a v Caorli, v katedrále ostrova Murano (12. století). Pro benátské mozaiky je typičtější půjčování byzantských schémat.
Benátské malířství také dostalo silný impuls k rozvoji . Vychází z byzantské ikonografie a jejích kánonů. Ale Benátčané pěstují vážnost, poměrně svobodný postoj ke kanonickým požadavkům a jasným barvám. Benátské ikony jsou podobné a nepodobné byzantským, a to i v raných fázích. Pozadí může být zlaté a černé, může mít fantazijní architekturu s ikonickým obrazem dokonce i slavného majáku v egyptské Alexandrii (od Paola Veneziana ). Benátská malba se dlouho potýká s limity starých byzantských schémat a nejnovějších požadavků, až exploduje s originalitou kompozic a detailů takových mistrů jako Marco Basaiti , Cima da Conegliano , Vittore Carpaccio , Giovanni Bellini , raný Giorgione . , Lorenzo Lotto a Titian , Paolo Veronese a Tintoretto , což bude nejvyšší úspěch benátské školy.
Předrenesance (neboli protorenesance ) je důležitou etapou ve vývoji italské kultury a umění, která začala v hlubinách pozdně románského slohu a místní verze gotiky. Podle času - to je 13-14 století. Vědecký termín "protorenesance" navrhl švýcarský vědec J. Burckhardt , který si všiml nových trendů ve vývoji italského umění již v 11.-13. století. V tomto období museli Apeniny urychlit historický proces, růst měst a aktivitu jejich obyvatel, rozvoj řemesel a řemeslných technik, vznik komun, úspěchy protifeudálních reforem.
Sochařství, dekorativní umění a nástěnná malba zažily formální změnu a návrat zapomenutých (antických nebo helénistických) rysů. Starověké římské dědictví, starověké techniky a formy nikdy nezmizely z horizontu italské kultury. Italská gotika má spořádanější a vyrovnanější charakter než u sousedních národů (stavby Arnolfa di Cambio ). Více či méně starožitné prvky jsou neodmyslitelné v „gotickém“ italském sochařství ( Niccolò Pisano , Jacopo della Quercia).
Malířství od 12. do 13. století začalo hrát stále významnější roli ve formování a rozvoji evropské umělecké kultury. Západoevropská malba se pomalu vzdaluje od statických, zamrzlých schémat směrem k ještě nesmělému pohybu, dynamice. Kromě toho je malba nejvíce přizpůsobena přenosu jakéhokoli spiknutí nebo upřímně podmíněného nápadu. Byzantská umělecká tradice si stále zachovává svou atraktivitu pro západoevropské umělce, ale oni sami již dokážou nabídnout nové detaily, nové chápání prostoru a času, nové kompozice, takže málo zohledňují strnulé kánony.
Rysy výlučnosti a odlišnosti ve srovnání s malbou Byzance získalo italské malířství - díky úsilí Giotto , Cenny di Pepo (známější jako Cimabue ), Pietro Cavallini , Duccio di Buoninsegna . Spiritualismus byzantských vzorků doplňuje psychologismus a empirické hledání perspektivy, pokusy reprodukovat hloubku prostoru na rovině stěny (Giottovy pozdní nástěnné malby). Znatelná pravdivost, autenticita a zvláštní smyslnost, drama událostí byly vlastní nejen postavám a scénám Giotta či Cimabuea, ale i tehdejší literatuře (poezie školy „sladkého nového stylu“, Dante ). Protorenesance jako umělecký fenomén se odehrála pouze v dějinách Itálie. Jeho pokyny však nezmizely, ale našly oporu a tvůrčí pokračování v činnosti nových generací italských umělců od Masaccia a Paola Uccella po Michelangela Buonarrotiho .
V Itálii rané renesance vývoj sochařství na nějakou dobu předběhl vývoj jiných druhů umění. Sochařství začalo dominovat na náměstích měst a v prvních ukázkách venkovských vil, ve svěžích zahradách, v nádheře fontán. Fontány se sochami si získaly takovou oblibu, že italské vzory byly zapůjčeny v zahradách Anglie, Francie, České republiky (Praha, kašna v zahradě Královského letohrádku). Poetická fontána s drobnou plastikou se stala hrdinou dramatických představení v divadle a vzorky fontán v Itálii byly kupovány a odváženy na šlechtická panství ještě v 19. a 20. století (statky v Anglii, panství v USA atd.) . To platilo i pro fontánové sochy manýristického mistra Giovanniho da Bologna , mistrů baroka .
Mezi přední sochaře té doby -
Ve fázi rané renesance byly fresky extrémně rozšířené. Většina italských umělců tohoto období jsou fresky. Dílo některých z nich je známé jen díky freskám. Reformy freskové malby iniciované Giottem se staly školou pro generace italských umělců. Kláštery se předhánějí v pozvánkách na díla slavných umělců. Mistrovské fresky pokrývají stěny jak starých, ještě gotických budov, tak i nových, a to jak v provinciích, tak v uměleckých centrech. Kostely, paláce, kostelní a domácí kaple, veřejné budovy, fasády a interiéry byly vyzdobeny freskami. Děj - Starý zákon (Stvoření Adama), výjevy ze života Marie a Umučení Krista (Zvěstování, Poslední večeře, Jidášův polibek, Ukřižování, Oplakávání Krista), tanec smrti nebo její triumf, alegorie ("Alegorie" moudré vlády"), mýtické postavy (Herkules), bitevní scény ("Vítězství císaře Konstantina nad Maxentiem"), zachycení událostí papežského dvora ("Založení Vatikánské knihovny papežem Sixtem IV"), významné události malých vévodských dvorů atd.
Mezi nejvýznamnější freskové cykly patří
Pokusy o oživení také starověké římské řádové architektury zaujaly několik teoretiků i praktických architektů. Stále není široké spektrum zákazníků, nejsou vyvinuty a otestovány všechny technické prostředky. Ale k oživení řádové architektury došlo v teoretických dílech Filarete a zejména Albertiho . Architektonické pozadí mnoha freskových cyklů italských umělců (od Fra Angelica, Filippo Lippi a Benozzo Gozzoli, Perugino) také vypadá jako restaurátorské projekty pro zničené památky starověkého Říma . Počáteční počet čistě renesančních staveb je malý. Ale jsou to oni, kdo určí hlavní směr vývoje italské architektury. Dokonce i kupole florentské katedrály Santa Maria del Fiore , kterou současníci považovali za první příklad „nového stylu“, byla plně postavena až v roce 1461 .
Mezi významné stavby té doby -
Reformátoři florentského malířství (Masaccio, Paolo Uccello, Piero della Francesca, Andrea del Castagno) prostě nemohli vstoupit do nových renesančních interiérů, protože ještě neexistovaly. Architektura byla a zůstává docela středověká - včetně Sixtinské kaple , kde působí Domenico Ghirlandaio, Perugino, Sandro Botticelli, Pinturicchio.
Umění Quattrocenta (a v širším smyslu umění renesance) je uměním aktivních obyvatel města. Teoretici se obrátili k vytvoření projektů ideálního města - urbanistické myšlenky vytvořit takové město, které by bylo zcela dokonalé z hlediska bezpečnosti, architektonického obrazu, sociální struktury, harmonicky kombinované s prostředím. Příležitostně jsou tyto projekty převedeny do reality, jako tomu bylo v případě souborové budovy města Pienza , vytvořené s finanční podporou papeže Pia II ., který se tam narodil (architekt Bernardo Rosellino). Zaměřili se také na konkrétní projekt městského rozvoje v rozvoji města Ferrara – za asistence vévody z Ferrary Ercole I (architekt Biagio Rossetti). Ale myšlenka je stále utopická.
Byly však položeny základy pro novou architekturu. Z kopule florentské katedrály - přímá cesta k projektu kopule katedrály sv. Petra v Římě (architekt Michelangelo Buonarroti ) a z Palazzo Rucellai - k majestátním palácům a vilám Říma v 16. - 17. století, k novým výdobytkům italské a evropské architektury.
Itálie je zemí s dva tisíce let starou kulturou, k níž přispěly různé národy. Právě v Itálii se nezapomnělo na zručnost výroby bronzových soch a slévárenství. Znalosti v těchto oblastech (za přítomnosti starověkých římských příkladů medailérského umění) podnítily oživení zapomenutého umění. Pro italskou renesanci se stává charakteristickým rysem osobnost univerzálního mistra, znalého v různých odvětvích. Michelangelo ( 1475 - 1564 ) úspěšně sochal, maloval fresky, byl schopným inženýrem a vynikajícím architektem. Ale univerzálnost nezačala u něj, ale od mistrů předchozích epoch. Mezi nimi i zapomenutý inženýr, architekt a medailér Aristoteles Fioravanti (asi 1415 - asi 1486). Zachovala se mince s nápisem „orristoteles“ a rytířem jezdcem. Pod kopyty koně je symbolický obraz květiny, pravděpodobně znamení Fioravanti. Fioravanti byl pozván do Moskvy, kde mistr postavil katedrálu Nanebevzetí Panny Marie , která stále existuje.
Neznámý mistr z Florencie, medaile Cosima de' Medici (alegorie moudré vlády, 1469)
Alessandro Vittoria, portrét Nicolò Vicentino, 1555
Neznámý mistr z Mantovy, portrét Jacoba Korreje, c. 1500 g
Bartolomeo Meglioli , vévoda Lodovico II Gonzaga, 1475
Vývoj architektury byl významně ovlivněn proměnami světonázoru, proměnami uměleckých slohů a zrychlením historického procesu v Evropě i během jednoho století.
Počátek 16. stoletíKonec 15. století - a začátek 16. v architektuře Itálie úzce souvisí s dílem Donata Bramanteho . Chronologicky bylo období vrcholné renesance poměrně krátké. Různí badatelé (v závislosti na radikálnosti odhadů) ji omezují na 15-30 let. To znamená, že to nebylo dlouhé, ačkoli jeho vliv na umělce a umění té doby byl obrovský.
Období 30 let (1490-1520) je spolehlivější, protože ukazuje původ Bramanteho úspěchů a jejich nejlepší příklady. Obdržel funkci hlavního architekta papeže Julia II . a částečně proměnil roztroušené, chaotické, ještě středověké budovy Vatikánu v jediný, výtvarně výrazný celek (vatikánské nádvoří, galerie, knihovna, renesanční zahrada s partery - později bylo vše přestavěn kromě fasád).
Po smrti Bramanteho v roce 1514 v jeho architektonickém stylu úspěšně pokračovali Rafael Santi , Antonio da Sangallo starší , Baldassare Peruzzi . Ve stylu vrcholné renesance vznikaly jak architektonické skici Leonarda da Vinciho (který se v té době nezabýval skutečným stavitelstvím), tak projekty Michelangela , kterého k architektuře později nutili významní klienti. Doba 30 let je na stavbu příliš krátká, protože stavební technika byla ještě dost primitivní. Dokonce i budovy Bramante ve Vatikánu (budova knihovny) se zřítily a později byly obnoveny do původní podoby. Stavby vrcholné renesance - majestátní, monumentální, překvapivě harmonické; za 30 let se jich podařilo postavit jen malému počtu. Téměř všechny vznikly v Miláně nebo v Římě samotném nebo kolem něj, mezi nimi -
Kostel Santa Maria presso San Satiro, Milán
Palazzo Cancelleria, Řím
Villa Madama, Řím, nedokončená
V období 1490 - 1520 . Italská malba zažívá skutečný rozkvět a nejvyšší fázi svého vývoje. Talentovaní zástupci Quattrocenta stále pracují v plné síle - Domenico Ghirlandaio , Sandro Botticelli , Perugino , Giovanni Bellini . Ale vyrostla nová generace umělců, která aktivně zaujímá vedoucí postavení v umění, která příliš nehledí na živé autority nedávné umělecké minulosti. Jsou mnohem menší než mistři z 15. století, ale jejich talent a zručnost jsou téměř nedostupné. Jejich seznam nepřesahuje 10 lidí, ale všichni jsou velkými talenty, titány renesance, mezi nimi -
Pozdější renesance v Benátkách by přidala další postavy od Paola Veronese a Tintoretta . Již za života těchto mistrů se jejich díla stanou předlohami a kresby Leonarda da Vinciho, Michelangela, fresky Raphaela ve Vatikánu, obrazy Giorgioneho, portréty Tiziana a Tintoretta se stanou standardem pro generace umělci jak v Itálii samotné, tak i daleko za jejími hranicemi, k nimž bez ohledu na věk či umělecký směr patří.
Bitva u Anghiari , kopie Rubensova díla od Leonarda , Louvre, Paříž
Kresba Michelangelo, galerie Uffizi
Michelangelo, plán centrické budovy
Giorgione (možná portrét básníka Antonia Broccarda), 1510 Museum of Fine Arts (Budapešť)
Tintoretto. Dóže Sebastiano Venier - Hrdina bitvy u Lepanta .
Tizian. Portrét Rannucho Farnese
Veronese, Livia da Porto Thiene a její dcera Portia
Lorenzo Lotto . Portrét architekta
Giovanni Girolamo Savoldo . Pokušení svatého Antonína (Savoldo)
Veronese, Venuše a Mars , Metropolitní muzeum umění , New York.
Freska od Paola Veronese "Bohyně moudrosti obklopená matematikou a geometrií"
Manýrismus se objevil v Itálii, kde se nejvýznamnějšími centry rozvoje stylu staly Florencie , Mantova a Řím , a poté se rozšířil do Francie a dalších evropských zemí. Styl byl také produktem krizových jevů ve společensko-politické sféře, charakteristických pro pozdní renesanci svou sociální, mravní a náboženskou nestabilitou. Někdy je počáteční fáze manýrismu spojována s vypleněním a zničením Říma v roce 1527 německými vojáky císaře Karla V. A co je nejdůležitější, manýrismus odrážel v nápadné formě zásadní, explozivní transformaci umění a literatury od středověku k „ moderním dějinám “.
Krize papežské moci začala dlouho před rokem 1527. Vyplenění Říma v květnu 1527 bylo pouze vyvrcholením dlouhého procesu. Krizi dobře pociťovali římští umělci, v jejichž dílech sílily prvky sklíčenosti, zklamání, úzkosti a předtuchy katastrof. Umělci předchozí generace stále setrvačností vytvářejí harmonické obrazy ve stylu revival. Ale nová generace, přemožená zklamáním, oceňuje pouze virtuózní výtvarnou techniku a erudici, nikoli harmonii a neusilování o ni. Existují protáhlé, příliš elegantní postavy, podrážděné a úzkostné. Pozadí obrazů a fresek je prosyceno fantastickou architekturou a lidským davem a hlavní postavy jako by byly zachyceny stejným spontánním, znepokojivým pohybem jako prostředí. Umělci odmítají studovat přírodu jako takovou, aby mohli studovat umělecké způsoby svých slavných předchůdců. V módě jsou směšné kompozice, neskutečné, jedovaté barvy a lidé, kteří zapomněli na radost.
Angelo Bronzino. Portrét Lucrezie Panchatika, fragment
Kapuce. Francesco Salviati , portrét neznámého pána, soukromá sbírka.
Kapuce. Parmigianino , portrét ženy, 1539, Windsor, Anglie
Kapuce. Sebastiano del Piombo , Neznámá dáma z Říma, 40. léta 16. století
Důležitým rysem manýrismu jako stylu byla jeho aristokracie, nedemokratický charakter, orientace na vkus bohatých majitelů a obecně dvorský charakter. Hlavními odběrateli a konzumenty manýristického umění byla církevní i světská aristokracie. Není divu, že významná centra manýrismu se sdružovala na dvoře papeže, vévodském dvoře ve Florencii, na vévodském dvoře v Parmě, v královských palácích ve Fontainebleau (Francie), Escorialu (Španělsko), Praze (Česká republika). ), Krakov (Polsko).
Manýrismus je založen na protikladech, mezi něž patří důkladné studium děl géniů vrcholné renesance a zběsilá touha pracovat po svém (odtud název manýrismus ), odmítání dodržovat přírodu a uctívat autority, virtuozita při provádění umělecká díla, dominanta individualismu, vysoké vzdělání mistrů a nespoutaná fantazie, teoretické výpovědi o dědičnosti vlastního umění a zároveň extrémní umělost, vrtkavost uměleckých způsobů, téměř úplné odmítnutí klasických kánonů v architektuře, v kompozice obrazů, ztráta harmonie pro disonance, úzkost, asymetrie, mimořádný dopad na pocity a vědomí zákazníka a diváka. Fantazie se dokonce stala hlavním cílem virtuózního umělce.
Kostel San Angelo, Milán
Palazzo di Brera, Milán
Palazzo dei Banchi, Bologna
Palazzo del Te , Mantua
V 16. století přešla iniciativa ve vytváření okrasných zahrad z Florencie do Říma. Aktivně se sem přenášely umělecké úspěchy z jiných kulturních center Itálie – od nálezů v architektuře Laurany, Luciana de a Bramanteho až po nejlepší úspěchy v malířství, sochařství a zahradnictví. V Římě byla vrstva vzdělaných zákazníků s velkými finančními prostředky (papežové, kardinálové, římská aristokracie), připravených tyto prostředky utratit na stavbu venkovských vil a zahrad. Mezi první předměstské vily Říma patří Villa Madama , Villa Giulia pro papeže Julia II . (Giuliano della Rovere), palác Belvedere se zahradami, vytvořený ve Vatikánu. Pokud Villa Madama (a její zahrada) z různých důvodů zůstala nedokončena, pak byl palác Belvedere předurčen stát se vzorem pro další zahrady, dokud nebude zničen. Kreativním rozvojem nejlepších průvodců zahradou Belvedere od architekta Bramanteho bude zahrada Villa Giulia (architekt Giacomo da Vignola ). Vytváření venkovských vil se zahradami láká nejlepší architekty té doby, kteří se také stávají zahradními architekty.
Mezi prvními, kteří si vypůjčili nastavení okrasných zahrad v Itálii, byli zahradníci a architekti z Francie. Barokní zahrada francouzského typu má všechny znaky renesanční a barokní zahrady Itálie. Zde a využití teras a parterů a vodních zdrojů. Ale francouzské zahrady byly rozmístěny na malých kopcích a terasy nebyly tak vysoké jako v Itálii. Ve Francii milovali parterry a vymysleli jich několik druhů: suchý parter, vodní parter, parter se sochou, parter s arabeskami (složité vzory). Příroda byla aktivně připodobňována ke geometrickým obrazcům (řezání keřů do kužele, koule, zdi), jezírka v podobě zrcadel, koryta řek v podobě rovných koryt atd. To vše je podřízeno hlavní dominantě zahrady – paláci šlechtice nebo krále. Právě ve Francii v 17. století vznikl ucelený typ zahradního a parkového souboru, kterému se říkalo zahrada francouzského typu a převzal veškerou slávu italských vzorů.
Zázraky italských manýristických a barokních zahrad pokračovaly i ve 20. století vytvořením zahrady La Scarzuola.
Villa Lancelotti, zahrada a nymphaeum
Boboli Gardens , Florencie, plán
Zahrada Castello Ruspoli Vignanello , Itálie
Rodištěm baroka je Itálie, kde první ukázky baroka v architektuře, sochařství a malířství vznikly v předních uměleckých centrech (Řím, Mantova a v menší míře Benátky a Florencie). Baroko je podle vědců krizový styl, který vznikl v důsledku krize humanismu a zrodu manýrismu. To však nevylučovalo touhu užívat si darů života, umění a přírody; éru charakterizuje rozšířené používání násilí, obchod s otroky, vyhlazování neobvyklých kultur či ideologických proudů jak v samotné Evropě, tak za jejími hranicemi ( protireformace , zničené miliony amerických Indiánů, dominance inkvizice atd. ). Pokud se renesance mírně rozšířila i v zemích mimo Itálii, pak od baroka začala skutečná invaze západoevropské civilizace do známého světa a začleňování vzdálených zemí a kontinentů na oběžnou dráhu jejich kořistnických zájmů (období tzv. Velké geografické objevy , predátorská kolonizace Ameriky , jižní Asie atd.). Michelangelo Buonarroti (1475-1564) je považován za zakladatele baroka v Itálii . Byl to on, kdo posílil architekturu gigantickým řádem, hojně využíval římsy, zdvojení pilastrů a sloupů, těsnost architektonických prvků a nadlidskou velikost. Sochařská a architektonická díla génia dodnes působí dojmem smutku, napětí, nervozity, i když si zachovávají jasnou konstrukci, symetrii a nadpozemskou, téměř nemožnou krásu.
Charakteristickým znakem je nádhera, nádhera, jas barev, kontrast, extravagance ornamentu, asymetrie vzorů. Barokní architektuře dominují výrazné objemové kontrasty, přehnaná plasticita fasád, šerosvit a barevné efekty. Malba a sochařství se vyznačují dekorativními a divadelními kompozicemi, jemným vývojem barev a světelných efektů, komplikovanou plasticitou a nádherou. V hudbě - vznik opery, rozvoj volného polyfonního stylu (zejména v díle Palestriniho ).
Stav věcí v římské architektuře v 17. století. zcela záviselo na konfrontaci a konkurenčním boji mistrů Berniniho a Borrominiho.
Plán kostela Sant'Ivo alla Sapienza
Nádvoří Sant Ivo alla Sapienza
Svatý Ivo, stará rytina z roku 1695
Složení paláce a kostela Sant Ivo
Barokní zahrada italského typu je logickým pokračováním renesanční zahrady. Renesanční zahrady byly stále malé velikosti, postrádaly velkolepost. Využili fontánu se sochou, lavičky, květináče s citroníky. Všemu dominoval palác nebo vila. Terasy zatím nejsou podřízeny jedinému výtvarnému řešení, sobě navzájem a paláci. Těsnost budov v městských hradbách neumožňovala vznik zahrad ve městech a objevují se na periferiích ( zahrady Boboli ve Florencii) nebo na venkově.
Příkladem rozvinuté barokní zahrady italského typu se stal soubor vily Aldobrandini ve Frascati u Říma . Architekt vily se stal i hlavním zahradníkem. Giacomo della Porta ( 1537 - 1602 ) využil svahu hory k vytvoření teras, na kterých plánoval jak palác pro Aldobrandiniho, tak zahradu. Horský potok se stal ozdobou kaskády, která se proměnila ve velké nymfeum , velikostně stejné jako samotná vila. Parková terasa vily se stala divadelním sálem pro nymfeum, zdobeným sochami, jeskyní a štuky. Hukot vody oživil celou tu hromadu architektury a soch.
Protilehlé průčelí vily překvapilo grandiózními rozměry a majestátními oválnými stupni, které zvětšily již tak velké průčelí.
Baroko, zrozené a vyzrálé v Itálii, setrvalo v národním umění déle než v jiných evropských zemích. Kousek po kousku se v něm hromadí krizové rysy a únava. Již v dílech Carla Maratty (1625-1713) ztrácí barokní malba svou důstojnost a pravdivost, které jsou nahrazeny bravurou a neupřímným patosem. Badatel J. Argan hořce poznamenal: "Jeho malba ve službách vládců symbolizuje banální věci, skrývající se za autoritou Raphaela a Tiziana." Barokní malířství Itálie však ještě neztratilo schopnost obnovovat se a vyprávět o přírodě, historii a světě lidských citů, a to jak v dílech provinčních mistrů ( Crespi , Vittore Ghislandi ), tak v dekorativní malbě ( Giovanni Battista Tiepolo ) . Doznívající baroko si dlouho udrží své postavení jak v divadelním a dekorativním umění Itálie, tak mnoha evropských zemí ( Andrea Pozzo , Ferdinando Bibiena , Giuseppe Valeriani ).
Ale centrum uměleckého hledání v Evropě nakonec míří do Francie.
Crespi. Sibyla Cuma, Aeneas a Carrier Charon , 1705.
Giacomo Ceruti . "Tři žebráci", 1736.
Lorenzo Tiepolo . Portrét Cecilie Guardiové
Vittore Ghislandi. Mladý umělec , 1732.
Italští umělci se přímo podíleli na zrodu a vývoji rokokového stylu . Umělkyně z Benátek Rozalba Career se s podporou filantropa Pierra Crozata přestěhovala do Paříže , kde se spolu s Francouzem Watteauem aktivně podílela na rozvoji stylu . Styl se projevil především v plánování a výzdobě interiérů (paláce, kostely, kostely) v tematické malbě a portrétování. V období rokoka se socha (převážně polychromovaná) stala nezbytnou součástí architektonické kompozice a ornament (zejména v řezbářství) měl podobu mušle („rokaille“). V éře rokoka se řemesla široce rozvíjela - tkaní, šperky, výroba nábytku, kresba tapisérií.
Šlechtici rokokové éry si dali za cíl každodenní potěšení. K potěšení měly přispět luxusní interiéry paláců a kostelů, přepychové šaty, řada dovolených v barokních zahradách a pavilonech v létě a v palácích v zimě. Kosmetika se používala ve velkém – bílá, pudr, tvářenka, černá barva na obočí, mouchy. Kosmetiku hojně využívaly ženy i muži. Zvláště rozšířené bylo používání mušek na obličeji - umístění mušek mělo svůj význam pro šlechtice znalé dvorských her. Kosmopolitnost rokokové malby je nejcharakterističtější pro díla Italů, kteří celkem snadno překračovali hranice různých států a léta působili mimo Itálii ( Giacopo Amigoni - v Bavorsku, Londýně a Madridu, Bernardo Bellotto v Německu a Polsku, Pietro Rotari - v Drážďanech, Vídni a Petrohradu) . Ale udělali to nedobrovolně, protože roztroušená italská knížectví se valila do propasti politické a hospodářské krize. Pro severní Itálii to skončí vojenským převzetím Napoleonovými vojáky , ztrátou státnosti Benátskou republikou a tragickými roky zotročení rakouským císařstvím až do poloviny 19. století.
V malbě éry rokoka, svátků a divadelních představení převládaly nekonečné zamilované páry mytologických postav. Na portrétech jsou všichni důrazně usměvaví, přátelští, ladní, ale byla to maska, která skrývala četné nedostatky a nesmírně složité problémy. Byly to svátky uprostřed moru – s uměle zrušenými problémy, tuberkulózou, syfilidou, chudobou, smrtí.
Rozmarné a velkolepé umění rokoka smetla nová a mocná vlna klasicismu konce 18. století a empírového stylu .
Italské sochařství 18. století nemělo zásadní vliv na uměleckou situaci v zemi, jako tomu bylo za časů Michelangela Buonarrotiho nebo Lorenza Berniniho , Alessandra Algardiho . V popředí je malířství a architektura. Italští sochaři, spoutaní barokní tradicí 17. století, kterou započali Bernini, Alessandro Algardi a Fleming Francois Duquesnoy, rozvíjejí její dekorativní kvality a virtuozitu ve zpracování materiálu. Na pozadí zručných římských či benátských mistrů vyniká temperament a talent Florenťana Carla Bartolomea Rastrelliho . Byl však nucen emigrovat do Francie a poté do Ruska, kde se stal zakladatelem ruského monumentálního, portrétního a dekorativního barokního sochařství.
Ale sladké zajetí již vyrobených schémat a zápletek podporuje autoritu italských sochařů, kteří dostávají zakázky ze zahraničí. Hrubé zahradní a parkové sochy od veronských a benátských mistrů se vyvážejí do Ruska, Německa, Polska a Rakouska. Na zahraničních zakázkách pracují Pietro Baratta , Antonio Tarsia, Giovanni Bonazza, Giovanni Zozzoni, Giuseppe Torretto , Giovanni Maria Morleiter, Henry Morengo, Giovanni Marchiori, bratři Groppelli a řada menších mistrů .
Sk. Morlater. Alegorie bdělosti . Velký palác Gatchina , Rusko.
P. Baratta, alegorie "Sláva vojákům"
Sk. D. Karthari. Cupid a Psyche, Letní zahrada (St. Petersburg)
P. Baratta, Alegorie architektury , 1722
Umění Itálie 18. století. ztrácí zájem o výrazné problémy reality a dává přednost dekorativnosti před reprezentativními úkoly. Domácí žánr , tak rozmanitý mezi umělci z Holandska 17. století. nebo Angličan William Hogarth (1697-1764), Italové - slepenec vtipných scének, někdy prosté fixace nepříjemné reality. Snižuje se hodnota i starověké římské historie, jejíž obrazy se stále snaží rehabilitovat fresky Giovanniho Battisty Tiepola nebo rytiny Piranesi . Antika (tak atraktivní po tři století) se nakonec stává pouze teoretickým ideálem, stejně jako vědeckým objektem rozené archeologie. Tomu napomáhají dravé vykopávky starověkých římských Pompejí a aktivity Johanna Winckelmanna . V Itálii se všude výrazně omezuje výstavba, což zase zvyšuje emigraci umělců – z Říma a italského Švýcarska do různých evropských zemí. Architektura pozdního baroka Itálie ztrácí okázalou výzdobu a přibližuje se mezinárodním formám klasicismu (jeho nová vlna v umění 18. století v podobě neoklasicismu ). Rysy klasicismu jsou již vlastní stavbám nedávných zastánců baroka ( Palazzo Reale , architekt Luigi Vanvitelli ; Basilica Superga , Turín, architekt Filippo Yuvarra ). Zjednodušené formy klasicismu najdeme také v několika málo vilách v zemi ( Villa Manin ). Je pozoruhodné, že nejlepších příkladů klasicismu v Itálii je méně než v zahraničí - především v Británii, Francii, v Ruské říši, kde pracuje armáda nadaných italských architektů (Alessandro Galilei, Antonio Rinaldi , Giacomo Quarenghi , Francesco Camporesi , Ferdinando Fuga , Luigi Rusca , Domenico Merlini , Giacomo Trombara ), nepočítaje ty drobné.
Mezi nejlepší italské umělce přechodné éry od rokoka ke klasicismu patří Pompeo Batoni . Nejlepší rysy italského klasicismu v divadelním a dekorativním umění jsou vlastní také italskému emigrantovi do Ruské říše - Pietru Gonzagovi . Italské umění tohoto období (sochy Antonia Canovy , obrazy Vincenza Camucciniho a Andrea Appianiho ) však ztrácí originalitu a spojení s realitou, spoutané neoklasickými myšlenkami Winckelmanna a absencí vlasteneckých či společensky významných ideálů, které nebyly případ v umění revolučního klasicismu ve Francii.
Do popředí společenského života Itálie se v polovině 19. století nedostaly problémy umění, ale problémy národně osvobozeneckého boje proti Rakouskému císařství, problém sjednocování nesourodých zemí (malé státní útvary) do jediného státu, jak se to stalo dávno ve Velké Británii, Francii, Ruské říši.
Po dokončení procesu sjednocení země do jediného království měli umělci z města Florencie touhu vytvořit novou kreativní společnost. Ideologická platforma společnosti se stavěla proti jak pozdnímu klasicismu, tak romantismu odtrženému od reality , a akademismu 19. století, který byl v krizi. Badatelé v Itálii odkazují na směr realismu a předchůdce impresionismu v národním umění. Rysy národního realismu se již projevily v umění piemontských a neapolských umělců, nejvíce otevřených nejnovějším trendům západoevropského umění. Piemontský malíř Antonio Fontanesi (1818-1882 ) byl skutečným stoupencem nudných způsobů Camille Corot , který navštívil Itálii. Různorodější byly zápletky a díla Giacinta Giganteho (1806-1876), Filippa Palizziho (1818-1899). Umělci společnosti udělali hodně pro oživení bývalé slávy umělců Itálie a jsou považováni za zakladatele moderního malířství země. Ostatně snažili se výtvarný jazyk italské malby zmodernizovat a zdůraznit hodnotu skutečnosti, na rozdíl od mytologických či literárních námětů.
Akademie zahrnuje dílo sienského umělce Luigiho Mussiniho , který se vyznačoval svou vášní pro vzácná témata z antické a středověké historie. Zvláště zajímavý byl jeho obraz Šachový turnaj na dvoře španělského krále , vytvořený pro výstavu Royal Institution v Manchesteru v roce 1883 . Na konci 19. století se dílo Itala Giovanniho Boldiniho , který bude působit v Paříži , stane zosobněním virtuózní malby . Tradice národně demokratického malířství budou nejlépe ztělesněny v dílech Giovanniho Segantiniho (1858-1899), otevřených jak realistickým tradicím, tak vlivu symbolismu.
Luigi Mussini . Šachový turnaj na dvoře španělského krále , 1883
Luigi Mussini . Spartan Boy Watching the Důsledky nadměrného pití, 1850
Segantini. Rolnice tahání dříví v zimě
Segantini. K napajedlu
Segantini. Ave Maria
Segantini. Dvě matky
Navzdory boomu ve vytváření pomníků králi Viktoru Emanuelovi , Giuseppe Garibaldimu a slavným kulturním osobnostem Itálie neprožívalo monumentální sochařství nejlepší časy. Italská města zaplnila řada pompézních pomníků krále, nevýrazných - Garibaldi, čistě ilustrativních, vulgárně naturalistických architektů, sochařů, umělců, skladatelů, spisovatelů - Dante, Leonardo da Vinci, Arnolfo di Cambio, Giotto atd. K zpestří památky, některé z nich kombinované s fontánami (Fontána Gaetana Donizettiho , Bergamo), umístěnými ve výklenku zdí paláce. Realisticky vytvořené reliéfy válečníků jsou kombinovány s alegorickými plastikami Itálie (památník 150 partyzánům, kteří zemřeli poblíž milánského Mentonu) ve stylu akademismu či empíru.
"Giotto", Uffizi, sochař Giovanni Dupre, 1845
Arnolfo di Cambio, Katedrální náměstí, sochař Luigi Pamplone, 1830
Památník Dante, Florencie
Památník Giuseppe Garibaldi, Savona.
Památník 150 partyzánům, kteří zemřeli poblíž Mentonu s alegorií Itálie, Milán
Fontána Gaetano Donizetti, Bergamo.
Čestný pohřeb Danteho ( cenotafa ), sochaře Stefana Ricciho
Sochař Luigi Belli, autoportrét na pomníku s alegorií Itálie, 1880
Básník Petrarch, výklenek paláce Uffizi.
Památník krále Viktora Emanuela II., Milán, sochař Ercole Rosa, 1896
Památník G. Garibaldiho, Civitavecchia
Biondi's Saturnalia , 1899 sousoší.
Secese v Miláně měla zvláštní místo kvůli svým extrémním formám . Rychlý rozvoj průmyslu a uvolněné sumy peněz nových boháčů z Milána daly vzniknout formě secese, které se ironicky říkalo „asyrský styl“. Stylistika bizarně spojovala patos (často prázdný) s dekorativností historismu, touhou po monumentalitě a psychologickém rozkladu, extrémních podobách jednotlivých uměleckých manýr. Výraznou dominantou doby plné povyku a rozporů byl nový milánský hřbitov - Cimitero Monumentale, plný pompézních náhrobků a památníků, mauzoleí, sarkofágů, zdobených plastikami, vitrážemi, mramorovým nebo bronzovým dekorem, kovaným kovem atd.
Základní kámen rodiny Bussi
Náhrobek Artura Toscaniniho, secese, sochař Leonardo Bistolfi, 1915
Židovská část hřbitova
Náhrobek rodiny Bezenzaniků, sochař Enrico Butti
Po mnoho staletí bylo umění a řemesla Italů také důležitým uměleckým průmyslem. Historicky dlouhá fragmentace a nejednotnost zemí přispěla k rozvoji místních uměleckých center. V období gotiky se rozšířila výroba vitráží. Stejně jako ve Francii byly nejlepší umělci přitahováni k vytváření vitráží v italských knížectvích, mezi nimi -
Tradičně silné bylo sklářství a tkalcovství, výroba krajek v Benátkách. Oblibu si získaly výrobky puškařů z Milána nebo římských klenotníků. Evropské uznání měl italský nábytek (židle, stoly, svatební truhly), vyrobený z ořechového dřeva, pokrytý řezbami.
Nábytek ze severní Itálie. Victoria and Albert Museum
Skříňka
V renesančních Benátkách vzkvétala výroba kovových klepadel. Řemeslníci se předháněli v rozmanitosti tvarů, které povýšily domácí detail vchodových dveří na úroveň skutečných vysoce uměleckých výrobků.
Zvláštní místo zaujímala malá keramická centra, geograficky vzdálená od známých uměleckých center - Faenza, Deruta, Gubbio, Savona, Castel Durante, Siena, Urbino. Toskánské keramické dílny zaujaly první postavení v 15. století. Začalo se vyrábět nádobí, nádobí a vázy svérázných tvarů, pokryté modrými vzory. Na výrobu obřadního a svatebního nádobí přecházejí i další keramická centra (Deruta, Gubbio, Savona, Castel Durante).
Savona. Manufaktura Sebastiano Ricci , lékárnická váza
Savona, manufaktura Solomone, výrobky z majoliky
Barevné malby pokrývaly i tehdy známé náčiní pro lékárny. Prestiž děl italských umělců a rytců se odrazila i ve výzdobě keramických výrobků. Mistři (i přes samostatné parcely) v 16. století začali převádět parcely z rytin do keramiky, i když ne vždy úspěšně. Originalita je vlastní tzv. „svatebnímu nádobí“, na které se malovaly dívčí portréty. Časem se také rozrůstá sortiment - objevují se velké mísy, vany-chladničky, baňky, pokryté propracovaným dekorem a štukovými detaily.
Jednotlivé vzorky čínského porcelánu, které se dostaly do Itálie, vzbudily ve Florencii a Savoně obdiv a pokusy o kopírování jeho technologií. Ale kvalita těchto produktů byla nižší než vzorky z Číny nebo Japonska. Nejúspěšnější byla výroba italského porcelánu ve městě Neapol v 18. století.
Faenza , miska s erbem. 1532
Deruta, jídlo 1534
Nicolò da Urbino, „Venuše“, před rokem 1535
Francesco Xanto Avelli, 1525
Tragické události 20. století neměly nejlepší vliv na umění, kde se avantgardní a destruktivní tendence šířily neuvěřitelnou rychlostí. Na začátku XX století. Paříž se stala známým centrem avantgardních tendencí , kde vedle sebe koexistuje secese, pozdní symbolismus , kubismus , surrealismus aj. Právě v Paříži působí tak různorodé umělecké osobnosti jako Italové Boldini a Amedeo Modigliani . Avantgardní trendy vznikají také v Itálii a tvorba Giacoma Bally (1871-1958), Umberta Boccioniho (1882-1916), Carla Carry (1881-1966), Gina Severiniho (1883-1966) významně přispěla k tzv. umění 20. století.
Kolaps forem výtvarného umění našel extrémní projev v abstrakci a jeho epigonech , malých uměleckých hnutích, aktivně podporovaných buržoazními obchodníky, médii , galeristy a aukcemi ve snaze vydělat na umění nemalé peníze. Dvě světové války vedly k přesunu uměleckého centra z Paříže do Velké Británie a Spojených států amerických.
Umění Itálie za vlády Benita Mussoliniho mělo místní umělecké charakteristiky . V tomto období vzniklo mnoho staveb, i když různé umělecké hodnoty (nové budovy Římské univerzity , moderní budova Ministerstva zahraničních věcí atd.). V 60. letech se v italském parlamentu dostal k moci tým vzdělaných a vysoce kultivovaných politiků, který stál za záchranou kulturních a historických památek minulého i 20. století.
A přestože se ozývaly výzvy levicových politiků ke zničení budov Mussoliniho režimu, byly přijaty příslušné zákony o úplném zákazu změn historických budov, které byly uznány jako památky historie nebo architektury.
Na pozadí boje proti politicky reakčnímu režimu dozrálo realistické umění Renata Guttusa a řady italských sochařů nové generace, včetně:
Francesco Messina. "Maria"
Umberto Boccioni. „Portrét Ferruccio Busoni“ .
Abstraktní formy v malbě a sochařství pěstují Emilio Vedova , Arnaldo Pomodoro a další.