Pozdní modernismus je mezinárodním trendem současného umění , v širokém slova smyslu popisujícím všechny oblasti současného umění vytvořené po 2. světové válce až do počátku 21. století . Terminologie často ukazuje podobnosti mezi pozdním modernismem a postmodernismem , ačkoli tam jsou rozdíly. Převládajícím termínem pro umělecká díla vzniklá od 50. let 20. století je termín současné umění . Ne každé umění označované jako současné umění je však modernistické nebo postmodernistické, v širším měřítku tento pojem zahrnuje jak umělce, kteří pokračují v práci v současné a pozdně modernistické tradici, tak umělce, kteří modernismus odmítají z jiných důvodů.
Kritik Arthur Danto v Po konci umění tvrdí , že současné umění je širší pojem než pozdní modernismus, pozdně modernistická díla představují dílčí sektor moderního umění a tato díla nahradila modernistická a modernistická díla . Souběžně s tím řada dalších kritiků, jako jsou: Jean-Francois Lyotard , Kirk Varnedeau , Hilton Kramer [1] tvrdí, že díla pozdního modernismu v nejlepším případě patří k dílům moderny.
Terminologie, která zahrnuje dva termíny pozdní modernismus a postmoderní umění, se používá k označení toho, co lze považovat za závěrečnou fázi moderního umění, za umění na konci modernismu nebo za určité trendy v současném umění.
Jsou tací, kteří jsou proti dělení na moderní a postmoderní období. Ne všichni kritici souhlasí s tím, že fáze nazývaná modernismus je u konce nebo dokonce blízko konce. Neexistuje žádný konsensus, že veškeré umění po modernismu je postmoderní. Současné umění je šířeji používaný termín pro tvorbu z doby kolem roku 1960, i když má také mnoho dalších použití a interpretací. Postmoderní umění také není odděleno jasnou linií od modernismu a mnozí kritici v něm vidí jen další fázi moderního umění nebo jinou formu pozdního modernismu [2] .
Od konce roku 2010 jsou kritici termínu pozdní modernismus v menšině. To neznamená, že fáze umění označená jako pozdní moderna je přijímána a obecně uznávána, jen je dobře známá potřeba tohoto termínu pro popis pohybů v umění po vrcholu abstraktního expresionismu . Zatímco však koncept změny v umění dospěl ke konsenzu, dosud neexistuje shoda v tom, zda jsou tyto změny postmoderní nebo pozdně modernistické, panuje shoda v tom, že došlo k hluboké změně ve vnímání uměleckých děl, a na světové scéně se objevila nová éra s přerušením od 60. let [3] .
V literatuře termín pozdní modernismus označuje literární díla vytvořená po druhé světové válce. Existuje však několik různých definic pozdější modernistické literatury. Nejběžnější jsou díla publikovaná v letech 1930 až 1939 nebo 1945. Existují však modernisté jako Basil Banting (1900-85) a T. S. Eliot (1888-1965), kteří napsali později než v roce 1945, a Samuel Beckett [4] , který zemřel v roce 1989, byl popsán jako „pozdní modernista“. Eliot publikoval dvě hry v padesátých letech a Bantingova dlouhá modernistická báseň Briggflatts byla zveřejněna v roce 1965.
Pozdní modernismus popisuje hnutí, která jednak vznikají a reagují na trendy modernismu a zároveň odmítají některé jeho aspekty, plně rozvíjející koncepční možnosti modernistického hnutí [5] . V některých popisech postmodernismus jako období v umění skončil, zatímco v jiných jde o pokračující pohyb v současném umění. V umění charakterizovaném specifickými rysy modernismu je zpravidla formální čistota, průměrná specifičnost, umění pro umění, možnost autenticity v umění, důležitost nebo dokonce možnost univerzální pravdy v umění a důležitost vyniká avantgarda a originalita. Tento poslední bod je jednou z konkrétních kontroverzí v umění, v níž mnoho institucí tvrdí, že přítomnost progresivních, špičkových a progresivních trendů je kritická pro poslání umění v současnosti, a proto postmoderna představuje rozpor v hodnotu „umění naší doby“.
Jedna navrhovaná kompaktní definice zní, že zatímco postmodernismus působí tak, že odmítá velké narativy modernismu o uměleckém směru a ničí hranice mezi vysokými a nízkými uměleckými formami, porušuje žánr a jeho konvence prostřednictvím kolize, koláže a fragmentace. V postmoderním umění se má za to, že všechny polohy jsou nestabilní a neupřímné, a proto ironie , parodie a humor jsou jediné polohy, které nelze zrušit kritikou [6] .
Mnohé z těchto rysů jsou přítomny v současných uměleckých hnutích, zejména odmítání rozdílu mezi vysokými a nízkými uměleckými formami. Tyto rysy jsou však považovány za základní pro postmoderní umění, a nikoli pouze v různé míře přítomné. Nicméně jedním z nejdůležitějších rozdílů mezi postmodernismem a modernismem jako uměleckými hnutími je v konečném důsledku progresivní postoj modernismu, že nová tvorba by měla být více „orientovaná na budoucnost“ a pokročilejší, zatímco postmodernistická hnutí obecně tento koncept odmítají.
Nicméně, použití termínu postmoderní má kritiky jeho aplikace. Například Kirk Varnedo prohlásil, že postmodernismus neexistuje a možnosti modernismu ještě nebyly vyčerpány [7] . Jak bylo uvedeno výše, tito kritici jsou v současnosti v menšině.
Radikální hnutí a trendy v modernismu a modernistickém umění, které byly považovány za vlivné a potenciálně předcházely vzniku pozdního modernismu, se začaly objevovat krátce před a zejména po první světové válce. S příchodem technické a mechanické složky v umění se objevily takové trendy jako kubismus , dadaismus a surrealismus a s nimi techniky jako koláž a další. V této době také došlo ke vzniku nových forem umění, jako je kino , které pomocí průmyslových kopírovacích technik přivedlo umění na novou úroveň. Díky úsilí Pabla Picassa a Marcela Duchampa se objevila hotová technika .
Na počátku 20. století , ovlivněn Henri Matissem a André Derainem jako fauvistickými malíři a monumentálními inovacemi Pabla Picassa a Georgese Braqueho , stejně jako celosvětovým úspěchem kubismu a podporou avantgardy, Marcel Duchamp vystavoval pisoár a prohlásil za sochu . Chtěl, aby se lidé na pisoár dívali jako na umělecké dílo, protože řekl, že je to umělecké dílo. Své dílo nazval „ hotové “. „Fontána“ byl pisoár s pseudonymem R. Mutt, který v roce 1917 otřásl uměleckým světem. Toto a další Duchampova díla jsou obecně klasifikována historiky umění jako dadaismus .
Dada může být viděno jako součást modernistické tendence napadat zavedené styly a formy, spolu se surrealismem , futurismem a abstraktním expresionismem [8] . Z chronologického hlediska je Dada v rámci modernismu, nicméně řada kritiků se domnívá, že předjímá postmodernismus, zatímco jiní, jako Ihab Hassan a Stephen Connor , jej považují za možný přechodový bod mezi modernismem a postmodernismem [9] .
Fauvismus , a zvláště Henri Matisse, měl důležitý vliv na jak abstraktní expresionismus, tak malbu barevného pole , hlavní milník pozdního modernismu. Tanec je široce považován za „klíčový moment v kariéře Matisse a ve vývoji moderního malířství“ [10] . Díky svému velkému modrému prostoru, jednoduchosti designu a důrazu na čistý pocit měl obraz obrovský dopad na americké umělce, kteří jej viděli na MoMA v New Yorku .
Koncem 40. let Pollockův radikální přístup k malbě způsobil revoluci v potenciálu veškerého moderního umění, které ho následovalo. Pollock si do jisté míry uvědomil, že cesta k vytvoření uměleckého díla je stejně důležitá jako samotné umělecké dílo. Stejně jako průkopnické vynálezy malířství a sochařství na přelomu století s pomocí kubismu Pabla Picassa, Pollock nově definoval způsob, jakým bylo umění vytvořeno v polovině století. Pollockovo hnutí – pryč od malířského stojanu a konvence – bylo signálem osvobození pro jeho současníky a jejich následovníky.
Umělci si uvědomili, že tvůrčí proces Jacksona Pollocka — práce na podlaze, natažené surové plátno, specifické materiály, průmyslové materiály, házení lineárních přadénků barvy, malování po kapkách, kreslení, barvení, štětce — v podstatě posunul tvůrčí proces za jakékoli předchozí hranice.
Abstraktní expresionismus jako celek rozšířil a rozvinul možnosti, které umělci měli k vytvoření nových uměleckých děl. Inovace Jacksona Pollocka , Willema de Kooninga , Franze Klinea , Marka Rothka , Philipa Gustona , Hanse Hoffmanna , Clyfforda Stilla , Barnetta Newmana , Eda Reinhardta a dalších svým způsobem otevřely stavidla rozmanitosti a rozsahu veškerého umění.
S abstraktním expresionismem je spojen vznik kombinovaných uměleckých děl - s umělcovými materiály, vymykajícími se dřívějším konvencím malířství a sochařství. Tento trend v umění je ilustrován prací Roberta Rauschenberga , jehož „kombinace“ v 50. letech byly předchůdci pop artu a instalačního umění a využívaly mnoho velkých fyzických objektů, včetně vycpaných zvířat, ptáků a komerční fotografie.
Leo Steinberg používá termín postmodernismus v roce 1969 k popisu Rauschenbergovy „ploché“ obrazové roviny obsahující řadu kulturních obrazů a narážek, které nebyly slučitelné s obrazovým polem premoderní a modernistické malby [11] .
Stephen Best a Douglas Kellner identifikují Rauschenberga a Jaspera Johnse jako součást přechodné fáze mezi modernismem a postmodernismem, ovlivněnou Marcelem Duchampem . Oba využívali ve své tvorbě obrazy běžných předmětů nebo předmětů samotných, přičemž zachovávali abstrakci a obrazová gesta vrcholné moderny [12] .
V abstraktní malbě a sochařství 50. a 60. let se geometrická abstrakce stala důležitým směrem v tvorbě mnoha sochařů a umělců. Malbě dominoval minimalismus , barevná malba , tvrdá obrysová malba a lyrická abstrakce , což byly radikální nové trendy [13] [14] [15] .
Helen Frankenthaler , Maurice Louis , Frank Stella , Kelly Ellsworth , Richard Diebenkorn , David Smith , Anthony Caro , Mark di Suvero , Jean Davis , Kenneth Noland , Jules Olitsky , Isaac Witkin , Anne Trutt , Kenneth Snelson , Al Hodgkin , Howard Poons , Bryce Marden , Robert Mangold , Dan Christensen , Larry Zox , Charles Hinman , Sam Gilliam byli někteří z umělců, jejichž práce charakterizovala abstraktní malbu a sochařství v 60. letech [16] . Lyrická abstrakce sdílí podobnosti s malbou barevných polí a abstraktním expresionismem , zejména ve volném použití barvy – textury a povrchu. Přímá kresba, kaligrafické použití čar, matné, stříkané, obarvené, mačkané, lité a stříkané efekty barvy svým vzhledem připomínají efekty, které vidíme v abstraktním expresionismu a barevném poli. Styly se však výrazně liší.
Jak je vidět v akční malbě , důraz je kladen na tahy štětcem, vysokou kompoziční dramatičnost, dynamické kompoziční napětí. Zatímco v lyrické abstrakci je cítit kompoziční nahodilost celé skladby, zdrženlivá a uvolněná kompoziční dramatičnost a důraz na postup, opakování a celkovou procítěnost. V 60. a 70. letech 20. století působili vlivní umělci jako Robert Motherwell , Adolph Gottlieb , Philip Guston , Lee Krasner , Cy Twombly , Robert Rauschenberg , Jasper Johns , Richard Diebenkorn , Joseph Albers , Elmer Bischoff , Frank Frank , Agnes Martin , Sam Kelly Francis , Ells Stella , Kenneth Noland , Joan Mitchell a mladší umělci jako Bryce Marden , Robert Mangold a desítky dalších pokračovali ve vytváření životně důležitých a vlivných obrazů.
Na počátku 60. let se minimalismus objevil jako abstraktní umělecké hnutí (jeho kořeny sahají ke geometrické abstrakci Malevicha , Bauhausu a Mondriana ). Mezi umělce , kteří byli průkopníky minimalismu , patří Frank Stella , Ed Reinhardt , Agnes Martin , Barnett Newman , Donald Judd , Tony Smith , Carl Andre , Robert Smithson , Saul LeWitt , Dan Flavin , Robert Mangold , Robert Morris a Ronald Bladen . Nové umění odmítlo myšlenku relační a subjektivní malby, složitost abstraktních expresionistických ploch, emocionální duch doby a kontroverze přítomné v aréně akční malby . Minimalismus tvrdil, že extrémní jednoduchost dokáže zachytit veškerou vznešenou prezentaci potřebnou v umění. Minimalismus v malbě a sochařství je na rozdíl od jiných oborů pozdně modernistickým hnutím a v závislosti na kontextu může být interpretován jako předchůdce postmodernistického hnutí.
Hal Foster ve svém eseji The Essence of Minimalism zkoumá, do jaké míry Donald Judd a Robert Morris uznávají a překračují Greenbergův modernismus ve svých publikovaných definicích minimalismu [17] . Tvrdí, že minimalismus není „slepou uličkou“ modernismu, ale „posunem paradigmatu směrem k postmoderním postupům, které se dnes nadále rozvíjejí“ [18] .
Na konci šedesátých let zavedl termín „ postminimalismus “ Robert Pinkus-Witten , aby popsal minimalistické odvozené umění, které mělo obsahové a kontextové podtexty , které minimalismus odmítal, dílo Evy Hesse, Keitha Sonniera , Richarda Serry a nová díla bývalých minimalistů. Robert Smithson, Robert Morris, Saul Levitt a další [19] .
Rosalind Krauss tvrdí, že v roce 1968 se umělci jako Morris, Levitt, Smithson a Serra „ocitli v situaci, jejíž logické podmínky již nelze nazvat modernistickými“ [20] . Rozšíření kategorie sochařství o land art a architekturu „vedlo k přechodu do postmoderny“ [21] .
Koncem 60. let se však procesní umění stalo revolučním konceptem a hnutím, které zahrnovalo malbu a sochařství prostřednictvím lyrické abstrakce a post-minimalistického hnutí , stejně jako rané konceptuální umění . Eva Hesse , Robert Smithson, Walter De Maria , Richard Serra, Nancy Graves , Yannis Kounellis , Bruce Naumann , Richard Tuttle , Mel Bochner , Hannah Wilke , Linda Benglis , Michael Heizer , Lawrence Weiner , Joseph Kossuth byli mezi umělci hnutí pocházejí z 60. let 20. století. Procesní umění inspirované Pollockem umožnilo umělcům experimentovat a používat různorodou paletu stylu, obsahu, materiálu, umístění, smyslu pro čas, měřítko, velikost, plasticitu a skutečný prostor .
Termín „ popt art “ použil Lawrence Alloway k popisu obrazů, které oslavovaly konzumismus západního světa v době po druhé světové válce [23] . Toto hnutí odmítlo abstraktní expresionismus a jeho zaměření na hermeneutické a psychologické interiéry ve prospěch umění, hnutí zobrazujícího a často oslavujícího hmotnou konzumní kulturu, reklamu a ikonografii éry masové produkce. Rané práce Davida Hockneyho a práce Richarda Hamiltona , Johna McHalea a Eduarda Paolozziho byly považovány za originální příklady v hnutí. Zatímco novější americké příklady zahrnují většinu kariéry Andyho Warhola a Roye Lichtensteina a jeho použití Bendyho teček, techniky používané v komerční reprodukci. Mezi radikální tvorbou Duchampa , rebelujícího dadaisty - se smyslem pro humor, a popovými umělci, jako jsou Claes Oldenburg , Andy Warhol, Roy Lichtenstein a další, existuje jasná souvislost [24] .
Obecně pop art a minimalismus začaly jako modernistická hnutí, posun paradigmatu a filozofický rozkol mezi formalismem a antiformalismem na počátku 70. let vedly některé kritiky k tomu, že tato hnutí považovali za předchůdce nebo předchůdce postmoderního umění. Další současná hnutí citovaná jako vlivná na postmoderní umění jsou konceptuální umění , dada a surrealismus , stejně jako použití technických technik, jako je asambláž , montáž, koláž , brikoláž a umělecké formy, které používají záznam nebo reprodukci jako základ pro umělecká díla. ..
Existují různé názory na to, zda je pop-art pozdně modernistické hnutí nebo postmoderní. Thomas McEvelly souhlasí s Davem Hickeym a říká, že postmodernismus ve výtvarném umění začal prvními výstavami pop artu v roce 1962, "ačkoli trvalo asi dvacet let, než se postmodernismus stal dominantním ve výtvarném umění." Frederick Jameson také považuje pop art za postmoderní [25] .
Koncem 50. a 60. let začali umělci s širokým spektrem zájmů posouvat hranice současného umění. Yves Klein ve Francii a Caroli Schneemann , Yayoi Kusama , Yoko Ono v New Yorku byli průkopníky děl založených na performance . Skupiny jako Living Theatre s Julianem Beckem a Judith Malinou spolupracovaly se sochaři a malíři a vytvořily prostředí, které radikálně mění vztah mezi publikem a účinkujícím. Tato představení byla často určena k vytvoření nové umělecké formy, která kombinuje sochu, tanec, hudbu nebo zvuk, často s účastí publika. Díla se vyznačovala reduktivními filozofiemi minimalismu, spontánní improvizací a expresivitou abstraktního expresionismu.
Ve stejném období, od konce 50. do poloviny 60. let, vytvářeli různí avantgardní umělci happeningy . Případy byly záhadné a často spontánní a neregistrovaná setkání umělců a jejich přátel a příbuzných na různých určených místech. Mezi aktivity patří absurdní, fyzické cvičení, bizarní kostýmy, spontánní nahota a různé náhodné a zdánlivě nesouvislé aktivity. Allan Kaprow , Claes Oldenburg , Jim Dine a Robert Whitman , mimo jiné, byli pozoruhodnými tvůrci happeningů.
Fluxus pojmenoval a zorganizoval v roce 1962 George Maciunas (1931-1978), americký umělec litevského původu . Fluxus odvozuje svůj původ od hodin experimentální kompozice Johna Cage v letech 1957 až 1959 na New School for Social Research v New Yorku. Mnoho z jeho studentů byli umělci s malou nebo žádnou hudební zkušeností. Mezi Cageovi studenti patřili zakladatelé Fluxus Jackson McLow , Al Hansen , George Brecht a Dick Higgins [26] .
Svým vzhledem Fluxus často připomíná dadaismus . O přímém vlivu dadaistů, zejména Marcela Duchampa, na jejich tvorbu hovořili sami mnozí představitelé skupiny Fluxus 60. let. Nazvat nový trend „neodada“ by ale bylo špatné. Zakladatel Fluxusu George Maciunas se raději přiklonil k mrtvé latině, pravděpodobně proto, aby za prvé oddělil nový směr od historicky zavedeného dadaismu a za druhé zdůraznil nadčasovost Fluxových myšlenek. Jednoduchý až banální, někdy směšně hloupý nebo vyzývavě divoký, Fluxus zpochybnil kánony, ve kterých „uvízlo oficiální umění 50. a 60. let“. Fluxus byl opět povolán, aby smazal hranice mezi uměním a životem, naučil lidi vidět krásu v těch nejtriviálnějších věcech, žít „v okamžiku“, neustále a z „ničeho“ tvořit něco zajímavého mimo workshopy , mimo jeviště, bez přerušení každodenního života. Fluxus začlenil silný proud anti-komerčnosti a anti-umělecké citlivosti, odsuzující trhem řízený tradiční umělecký svět ve prospěch umělce řízené kreativní praxe. Umělci Fluxus raději pracovali s jakýmkoliv materiálem, který měli po ruce, a buď vytvářeli vlastní dílo, nebo na procesu tvorby spolupracovali se svými kolegy.
Andreas Huyssen kritizuje pokusy tvrdit Fluxus jako postmodernismus jako „buď hlavní kód postmodernismu, nebo v konečném důsledku nepředstavitelné umělecké hnutí – jakýsi vznešený postmodernismus“. Místo toho vidí Fluxus jako hlavní neodadaistický fenomén v rámci avantgardní tradice. Nereprezentoval velký pokrok ve vývoji uměleckých strategií, i když vyjadřoval revoltu proti „kontrolované kultuře 50. let, v níž umírněný, domestikovaný modernismus sloužil jako ideologická opora pro studenou válku “ [27] .
Konceptuální umění se stalo hlavním vývojem v současném umění na konci 60. let. Pozdní modernismus se koncem 60. let rozšířil a ztenčil a pro některé se konceptuální umění s modernismem úplně rozešlo. Někdy je konceptuální umění označováno za postmoderní, protože se jasně podílí na dekonstrukci toho, co dělá umělecké dílo „uměním“.
V konceptualismu je pojem díla důležitější než jeho fyzické vyjádření, cílem umění je zprostředkovat myšlenku. Konceptuální objekty mohou existovat ve formě frází, textů, diagramů, grafů, kreseb, fotografií, audio a video materiálů. Předmětem umění se může stát jakýkoli předmět, fenomén, proces, protože konceptuální umění je čisté umělecké gesto.
Duchampa lze považovat za předchůdce konceptuálního umění. Avantgardní skladatel David Tudor tak vytvořil hru The Reunion (1968), napsanou spolu s Lowell-Crossem, která představuje šachovou hru, kde každý tah způsobí světelný efekt nebo projekci. Při premiéře se hrálo mezi Johnem Cagem a Marcelem Duchampem [28] . Některé další pozoruhodné příklady jsou „4'33“ od amerického skladatele Johna Cage , během kterého není přehráván žádný zvuk. Mnoho konceptuálních děl se drží postoje, že umění vzniká tím, že divák pozoruje objekt, a nic jiného.
Důležitá série uměleckých hnutí, která byla důsledně popisována jako postmoderní, zahrnovala umění instalace a vytváření objektů, které jsou konceptuální povahy. Jedním z příkladů jsou tablety Jenny Holzer , které používají umělecké metody k předávání konkrétních zpráv, jako je „Chraň mě před tím, co chci“. Věc, která vstupuje do různých mimořádných kombinací, se zbavuje své praktické funkce a získává funkci symbolickou. Změna kontextů vytváří sémantické modifikace, hru významů. Velikost instalací se liší od extrémně malých, kam se můžete dívat jen jedním okem, až po několik sálů ve velkých muzeích . Instalace se na rozdíl od plošných obrazů a jednotlivých objektů zaměřuje na tvorbu vnitřního prostoru.
Dalším trendem v umění, který je spojován s pojmem postmoderna, je společné používání několika různých médií uměleckého vyjádření. Intermedia , termín vytvořený Dickem Higginsem a zamýšlený odkazovat na nové umělecké formy po vzoru Fluxus , figurální poezie , ready-made , performance . Stabilní kombinace žánrů se proměnily v nové formy umělecké praxe, jako je vizuální poezie, performance. Tyto symbiózy probíhaly v souladu s celosvětovým trendem 20. století , který spočíval v ničení hranic mezi prostředími, mísení výrazových prostředků různých druhů umění. Intermédia byla chápána jako nová díla, která nebylo možné popsat v rámci uměleckých kategorií existujících na počátku 60. let, protože se významově nacházela mezi dvěma již známými a užívanými výrazovými prostředky [29] .
Přestože teorie spojování několika umění do jednoho umění je poměrně stará a periodicky oživovaná, postmoderní projev je často kombinován s uměním performance , kde je odstraněn dramatický přesah a zbývá umělcova konkrétní výpověď či konceptuální vyjádření akce.
Kritik Craig Owens v eseji „The Allegorical Impulse: Toward a Theory of Postmodernism“ v roce 1980 identifikuje oživení alegorického impulsu jako charakteristiku postmoderního umění. Tento impuls může být viděn v umění apropriace umělců jako Sherri Levin a Robert Longo , protože „alegorické obrazy jsou přivlastněné obrazy“ [30] . Umění přivlastnění vyvrací modernistické představy o umělecké genialitě a originalitě a je ambivalentnější a kontroverznější než moderní umění, zakládá i ničí ideologie, „je kritické i spoluvinné“ [31] .
Návrat k tradičním uměleckým formám sochařství a malby na konci 70. a na začátku 80. let, viděný v díle neoexpresionistických umělců , jako jsou Georg Baselitz a Julian Schnabel , byl charakterizován jako postmoderní trend a jedno z prvních koordinovaných hnutí. objevit se v postmoderní době [32] [33] .
Jeho silné vazby na komerční trh s uměním vyvolaly otázky jak o jeho postavení jako postmoderního hnutí, tak o definici postmoderny jako takové. Hal Foster uvádí, že neoexpresionismus byl spoluviníkem konzervativní kulturní politiky Reagan-Bush éry v USA [18] . Pierre-Félix Guattari tvrdí, že postmodernismus není nic jiného než poslední závan modernismu . Tato kritika neoexpresionismu ukazuje, že peníze a sociální vztahy skutečně podporovaly globální důvěryhodnost současného umění v Americe ve stejné době, kdy konceptuální a feministické umělecké postupy systematicky přehodnocovaly současné umění [34] .
Na počátku 21. století se současná malba, současné sochařství a současné umění obecně nadále rozvíjejí v několika příbuzných směrech, které se vyznačují myšlenkou pluralismu . „Krize“ v malířství, sochařství a současném umění, stejně jako v kritice moderního umění, je dnes způsobena pluralismem. Neexistuje a neměla by existovat shoda na reprezentativním stylu dané doby. V důsledku toho se umělecká díla nadále vyrábějí, i když v různých stylech a estetických temperamentech, a trh je měřítkem uznání a úspěchu.
Neexistuje žádný obecně přijímaný termín, který by definoval umění posledních dvou desetiletí XXI. století, řada kritiků prohlašuje úpadek postmoderny . Zároveň je třeba poznamenat, že ještě nikdy nevzniklo a nekoupilo tolik děl současného umění. Ještě nikdy neprojevila veřejnost a média takový zájem o umění. Anglický historik umění Will Gompertz ve své knize „Incomprehensible Art. From Monet to Banksy“ zavádí termín nová avantgarda k popisu nového umění 21. století [35] .