Historie fotografie zahrnuje vývoj fotografie jako jednoho z výtvarných umění od poloviny 19. století do současnosti.
V prvním desetiletí fotografie byly jejími hlavními technologiemi daguerrotypie a v menší míře kalotypie ; v 50. letech 19. století je postupně vytlačil kolodiový proces , který umožnil výrazně snížit rychlost závěrky při fotografování (pokud měl Daguerre v roce 1839 expoziční čas 10 minut a více a v letech 1840-1841 se již snížil na 10 sekund, pak během kolodiového procesu byla rychlost závěrky snížena na několik sekund a dokonce na méně než sekundu [1] ). Tradice evropské malby a dlouhá expozice vedly k potřebě pózování, tedy k inscenované povaze rané fotografie, pokud v ní byli přítomni lidé [2] [3] .
Hned v prvních letech se začala rychle rozvíjet komerční fotografie, především portrétní a krajinná. Pro zhotovení portrétů byla otevřena řada fotoateliérů (již v roce 1841 jich bylo jen v Paříži více než deset).V roce 1854 si Dizderi nechal patentovat technologii výroby "vizitek" - maloformátových fotografií, které si díky své levnosti rychle získaly obrovskou oblibu; začíná sbírání karet celebrit. Fotografové, jako je slavný Felix Beato , jezdí do vzdálených zemí , aby vytvořili záběry krajiny - od Itálie, Řecka a Egypta až po Japonsko - a dokonce si tam otevírají ateliéry; jejich fotografie s krajinami , architektonickými památkami , žánrovými výjevy jsou na místě prodávány turistům nebo jsou vydávány po návratu z expedice v podobě knih.
Rozvíjí se i aplikovaná fotografie – vědecká (např. album „British Algae“ Anny Atkinsové , 1843) a lékařská, policejní, architektonická (např. Heliografická expedice 1851) a další. [čtyři]
Roger Fenton , který zachytil Krymskou válku v roce 1855 , je nazýván prvním válečným fotografem a Americká občanská válka se díky úsilí Matthewa Bradyho Alexandra Gardnera , Timothyho O'Sullivana stává první, kdo dal vzniknout významný soubor fotografických dokumentů. Kvůli technickým omezením nejsou natáčeny samotné bojové akce, ale pouze jejich důsledky, jako na slavné fotografii O'Sullivana "The Harvest of Death" (1863), dále pohledy na vojenský tábor, portréty účastníků , atd. [4] Zajímavé je, že na některých slavných vojenských fotografiích historikové nacházejí stopy manipulací s výjevem, aby byl výraznější (např. na fotografii „Dům vzpurného ostřelovače“ (1863) od A. Gardnera , tělo a puška byly přesunuty [5] a na fotografii „ Údolí stínu smrti “ (1855) od R. Fentona mohly být přeneseny dělové koule).
Je těžké nakreslit jasnou hranici mezi čistě informační („protokol“, zprostředkování aktuálního obrazu divákovi) a estetickou funkcí fotografie; tak již zmíněné manipulace při natáčení vojenských scén hovoří o touze po uměleckém efektu. Zásadním kritériem je zde samotný záměr fotografa. J. E. Mayall a Gabriel Harrison byli jedni z prvních, kteří se pokusili realizovat takový záměr ve druhé polovině 40. let 19. století , a Gustave le Gres v roce 1852 napsal: „Mojí drahocennou touhou je, aby místo toho fotografie spadající pod moc průmyslu a obchodu, by byl zařazen mezi umění. Toto je jediné místo, které si ji zaslouží , a tímto směrem se ji budu vždy snažit nasměrovat . V 50. letech 19. století již tento přístup fotografa ke své práci není vzácností.
Mezi žánry rané umělecké fotografie, stejně jako v komerční a užité fotografii, zaujímá čestné místo fotografický portrét - zejména celebrit. Krajiny jsou filmovány - přírodní a městské pohledy , architektonické struktury. Více či méně inscenované žánrové scény zděděné z žánrové malby nejsou ničím neobvyklým . Ve viktoriánské Velké Británii se v druhé polovině 50. let 19. století populární „ živé obrazy “ [6] přesunuly do fotografie , vznikly divadelní portréty a kostýmní scény: zformoval se - inscenoval trend „fotografie jako vysoké umění“ ( High art photography ). ve formě a tíhnoucí ke křesťanské morálce.alegorie obsahem [2] .
Prvními významnými fotografickými umělci 19. století byli: Nadar , Gustave le Gré ve Francii; představitelé vysoké umělecké fotografie OG Reilander , Henry Peach Robinson , Julia Margaret Cameron v Anglii; David Hill s Robertem Adamsonem ve Skotsku. Oscar Reilander byl jedním z prvních, kdo v roce 1855 použil ranou formu fotomontáže , kompozitního tisku z několika negativů, a později ji použil k vytvoření složitých vícefigurových kompozic, z nichž nejznámější je Two Ways of Life (1857), byl vytištěn s 30 nebo 32 negativy. Gustave le Gré se proslavil především svými mořskými krajinámi, které pro zvětšení fotografické šířky tiskl obvykle ze dvou negativů . Mistr psychologického portrétu Nadar v roce 1858 jako první fotografoval z balónu a v letech 1860-1862 pořídil sérii fotografií pařížských katakomb a stok .
Institucionální uznání není pro fotografii snadné. Fotografie jsou zpravidla vystaveny ve vědecké a technické části výstav. Na Salonu roku 1859 jsou tedy kalotypie Gustava le Gré nejprve vystaveny spolu s litografiemi, a když je objasněna technika jejich tvorby, jsou přesunuty do vědeckého oddělení. Při přípravě na Světovou výstavu v roce 1862 fotografové trvají na místě v sekci výtvarného umění, ale dosahují pouze toho, že „fotografie je obecně předváděna samostatně – ani jako technika, ani jako umělecká tvorba, ale jako samostatné pole působnosti. “ [2] . Boj o uznání fotografie pokračuje až do konce století. [2]
V 80. letech 19. století se díky Eastmanovi Kodakovi podařilo natočit celuloidový film a amatérskou krabicovou kameru Kodak No. 1 » (1888), který umožnil neprofesionálům získat ostré okamžité fotografie z jejich rukou: „Vy stisknete tlačítko, my uděláme zbytek“ byl reklamní slogan [1] . Získání jednoduchého „dokumentárního“ obrázku přestává být problémem, což podněcuje umělecké rešerše.
PiktorialismusV 80. - 10. letech 19. století došlo k rozkvětu piktorialismu - mezinárodního hnutí, jehož představitelé hlásali blízkost fotografie k malbě a snažili se zavést do umělecké fotografie obrazové techniky a efekty. Malba mívala významný vliv na fotografii, ale předlohou již není akademická malba a prerafaelité , ale „ impresionismus (ve smyslu rozostření obrazu) a symbolismus (ve smyslu dějového žánru)“ [ 7] . K docílení malebného efektu se používají soft focus objektivy jako monokl (někdy i filtry), retuše negativů a speciální metody tisku.
V roce 1892 založil zkušený výtvarný fotograf H. P. Robinson a jeho kolegové ve Velké Británii piktorialistickou komunitu The Closed Ring v roce 1902 Alfred Stieglitz založil podobnou skupinu Photo-Secession a vlivný časopis Camera Work v USA . V Rakousku se v roce 1897 příznivci hnutí Heinrich Kuhn , Hugo Henneberg a Hans Watzeck sjednotili ve skupině „Trojlístek“ ( latinsky „Trifolium“ , německy „Kleeblatt“ ). Největšími piktorialisty byli Angličané Frank Meadow Sutcliffe , teoretik a praktik Peter Henry Emerson , členové Photo-Secession Alfred Stieglitz, Edward Steichen , Alvin Coburn , Clarence White , Francouz Robert Demachy reprezentující extrémy stylu [8] . V roce 1910 uspořádala Photo-Secession rozsáhlou „Mezinárodní výstavu obrazové fotografie“ v Albright Art Gallery , na níž bylo prezentováno více než 600 děl od 65 autorů [9] .
V Rusku se piktorialismus zformoval o něco později, ale rozvíjel se déle - od počátku 20. století do druhé poloviny 30. let ( Sergej Lobovikov , Alexej Mazurin , Anatolij Trapani , Nikolaj Andrejev , Nikolaj Petrov , portrétista Moses Nappelbaum , Vasilij Ulitin , Alexander Grinberg , Jurij Eremin , Nikolaj Svishchev-Paola a další). [7] [10] [11]
P. G. Emerson . Střelba sluky, nakl. 1886
A. Stiglitz . Nádraží, 1892
E. Steichen . Železný dům , 1904. Humbichromátový tisk
R. Demachy . Zápas, nakl. 1904. Gumbochromátový tisk
Ve Spojených státech v 10. letech 20. století [13] začala být piktorialismus vytlačován přímou fotografií , za jejíhož prvního přívržence je považován Paul Strand . Fotografie by neměla vůbec napodobovat malbu, tvrdí tento přístup: čočky s měkkým ohniskem jsou nahrazeny ostrým ohniskem, důraz v práci fotografa se přenáší z procesu tisku do procesu filmování. Stiglitz Stranda podporuje: „Fotografové by se měli naučit nestydět se, že jejich fotografie vypadají jako fotografie,“ [14] píše v roce 1913 a sám postupně přechází od piktorialismu k tomuto způsobu.
Nejde o návrat k naivnímu naturalismu rané fotografie, ale o modernismus : v městských pohledech a přírodních objektech se odhalují abstraktní formy, potvrzuje se industriální a strojová estetika ( Charles Sheeler ).
Přímá fotografie se dále rozvíjela ve dvacátých letech a svého vrcholu dosáhla v práci představitelů skupiny F/64 (1932-1935) - Edwarda Westona , Ansela Adamse a dalších. Weston zkoumá texturu a formy přírodních objektů ( Sink , 1927 , Pepper No. 30 , 1930 ), natáčí akty ( Naked , 1936 ). Adams vytváří klasické černobílé krajiny a vyvíjí zónový systém , který umožňuje upravit parametry expozice a zpracování filmu v souladu s tvůrčím záměrem.
Evropský modernismusTaké evropskou fotografii 20. let 20. století převzala moderna .
V Itálii vytvořil A. J. Bragaglia v 10. letech 20. století futuristický trend v umělecké fotografii – fotodynamismus.
V Německu se rozvíjí umělecké hnutí „ New Objectivity “ v mnoha ohledech blízké americkému modernismu [7] , které v oblasti fotografie reprezentují Albert Renger-Patch , Karl Blossfeldt [16] a August Sander . Vyznačují se touhou po objektivním a detailním přenesení objektu, v případě Ranger-Patche a Blossfeldta - s důrazem na formu.Sander v 10. - 20. letech 20. století pracoval na monumentálním fotografickém projektu „Lidé XX století“, který chtěl zachytit zástupce všech vrstev a vrstev německé společnosti v sérii dokumentárních portrétů; jeho první album, A Face of Our Time, by vyšlo v roce 1929. [17]
Němečtí dadaisté — John Heartfield s Georgem Grossem v roce 1916 a Raul Hausmann s Hannah Höch v roce 1918 — objevili techniku fotokoláže [18] , kterou brzy převzali sovětští fotografové .
Mezinárodní avantgardní hnutí „ New Vision “ vyjádřilo ve fotografii vliv německého Bauhausu a sovětského konstruktivismu . Díla tohoto směru se vyznačují neobvyklými úryvky, diagonální kompozicí („ kosina “), velkým ořezem, gravitací k abstraktnosti obrazu; jsou zkoumány nestandardní techniky: solarizace na Man Ray ; fotogram v Christian Schad , Man Ray, Moholy-Nagy ; fotomontáž a koláž Mohoy-Nagy, Alexander Rodčenko a další, vícenásobná expozice . [7]
Surrealisty jsou především Man Ray , dále Maurice Tabar , Raoul Yubak , Hans Bellmer , Paul Nouget , Jacques-André Bouffard , Claude Caon , Philippe Halsman a další - aktivně uplatňují zmíněné a některé další nestandardní techniky, vytvářejí inscenované obrazy, zapojují do svého uměleckého prostoru fotografický materiál třetích stran [19] .
Germaine Krul , který začínal v 10. letech s piktorialismem, ve 20. letech se přibližuje různým proudům modernismu; v roce 1928 vyšla její slavná fotokniha „Metal“.
František Drtikol , Josef Sudek , Jaromír Funke , Yaroslav Rössler působí v České republice .
V roce 1929 se ve Stuttgartu konala velká výstava FiFo ( Film und Foto ) , která demonstrovala zkušenosti nashromážděné fotografií v různých zemích; později je tato výstava vystavena v Rakousku a Švýcarsku a v roce 1931 v Japonsku.
Latinská AmerikaOd 20. let 20. století až do konce století pokračuje kariéra Mexičana Manuela Alvareze Brava , jednoho z největších fotografů Latinské Ameriky .
Přítelkyně Edwarda Westona Tina Modotti s ním spolupracovala ve 20. letech v Mexiku a měla znatelný vliv na kulturní život Mexico City, včetně mladého Alvareze Brava.
Mezi předchůdce dokumentární fotografie patří vojenští fotografové 50. – 60. let 19. století, kteří natáčeli Krymskou válku a občanskou válku ve Spojených státech , i když kvůli vynucené dlouhé expozici byly jejich fotografie většinou inscenované a kromě toho autoři dělali ne vždy uměli a snažili se dát čistě reportážnímu obrazu estetický rozměr.
Raná pouliční fotografieZe stejného technického důvodu existovaly jevištní a pouliční scény, které byly natočeny v 50. letech 19. století Charlesem Negrem , ale v 80. letech 19. století již byly expozice výrazně zredukovány.
Za průkopníky pouliční fotografie jsou považováni Nizozemec Georg Breitner , který působil v 90. letech 19. století , Ital Giuseppe Primoli , Brit Paul Martin (fotil skrytou kamerou a zachycoval i noční pohledy v London by Gaslight série, 1895-1896). [dvacet]
Sociální fotografieJiž v 19. století se navzdory technickým omezením (např. fotografování ze stativu kvůli dlouhým rychlostem závěrky) začal rozvíjet sociální dokument . John Thomson v letech 1876-1877 vydává časopis Street Life of London a v roce 1878 vydává stejnojmennou knihu. V New Yorku natočil Jacob Riis život městských slumů v průběhu 80. let 19. století a vydal knihuHow the Other Half Lives (1890), je považován za prvního fotoreportéra, který použil blesk . Lewis Hine to přebírá, fotografuje těžké životy amerických imigrantů a průmyslových dětí v letech 1900 a 1910; ve 20. a 30. letech pokračoval ve fotografování dělnické třídy optimističtěji a na známé sérii záběrů dokumentoval stavbu Empire State Building .
Walker Evans , Dorothea Lang a devět dalších fotografů se podílelo na masivním sociálním projektu Farm Protection Administration (1935-1942) pod vedením Roye Strykera , který vytvořil dokumentární portrét venkova Ameriky během Velké hospodářské krize od desítek tisíce fotografií (mezi nejslavnějšími: " Matka migranta" od D. Langa, "Ellie Mae Burroughs, Sharecropper's Wife" [2] od W. Evanse, "Dust Storm" [3] a vybělená lebka vola [4 ] od A. Rothsteina - vše 1936).
V letech 1935-1951 funguje vlivná New York Photo League , sdružení a škola levicových fotografů.
Propagandistická fotografieV SSSR se ve 20. – 30. letech 20. století rychle rozvíjela dokumentární a propagandistická fotografie [21] . Největší fotografové této doby, z nichž většina byli členy uměleckého sdružení Okťabr - Alexander Rodčenko , Boris Ignatovič , Arkadij Šajchet , dále Abram Shterenberg , Boris Kudoyarov , Dmitrij Debabov , Eleazar Langman a další - potvrzují avantgardního konstruktivistu estetika "Nové vize" (úhlová střelba, šikmé, velké rámování).
Od počátku 30. let hrála v sovětské fotografii hlavní roli fotoreportáž . Rozvíjejí se různé formy narativní kombinace fotografií: fotomontáže (včetně kombinace fotografických obrazů s plakátovou typografií a dalšími designovými prvky [22] , - Alexander Rodchenko , El Lissitzky , Gustav Klutsis ), fotoseriály [23] a fotokniha .
Největšími expozicemi této doby jsou „Výstava sovětské fotografie 10 let“ (1928), „První celosvazová výstava fotografického umění“ (1937). [dvacet]
V Německu estetiku fotomontážního plakátu rozvíjí John Heartfield [24] .
FotožurnalistikaPodoba polotónového tisku v 80. - 90. letech 19. století a ofsetového tisku v 80. letech 20. století umožnila reprodukovat fotografie ve vysoké kvalitě v periodikách (předtím byla zhotovena rytina z fotografie, ze které se již tiskl), a začátkem 20. století „měla téměř ve všech časopisech jistě rubriku pod obecným názvem typu „Svět v obrazech“, kde byly publikovány fotografie osobností, politických osobností, představitelů vysoké společnosti, slavnostní události krytý“ [25] . Zavedení a zdokonalení fototelegrafu v 10. - 30. letech 20. století umožnilo rychlý přenos obrázků. Obrovský úspěch fotoaparátu Leica , který byl uveden na trh v roce 1925, vedl k rozšíření maloformátové fotografie – lehké, mobilní, málo pozorovatelné fotoaparáty. Koncem dvacátých let byly hlučné a kouřové hořčíkové blesky nahrazeny bleskovými žárovkami . Tyto čtyři technologické faktory – a samozřejmě rostoucí poptávka po zpravodajském tisku – vedou k tomu, že třicátá až padesátá léta se stávají „zlatým věkem fotožurnalismu “ (později se iniciativa přesune do zpravodajské televize). Ilustrované týdeníky vycházejí v milionech výtisků: German Berliner Illustrirte Zeitung (1892-1945), Münchner Illustrierte Presse (1924-1944), French Vu (1928-1940), American Life (1936-1972), British Picture Post (1938-1957).
Německý fotoreportér Erich Salomon získal celoevropskou slávu , od konce 20. let až do svého zatčení nacisty v roce 1940 natáčel – často skrytou kamerou ukrytou v klobouku, kufříku, knize apod. – na diplomatických jednáních i u soudů . Od konce 20. let natáčel Alfred Eisenstadt v Německu a později v USA . Ikonický mezinárodní fotoreportér Robert Capa , který své krédo vyjádřil slovy „Pokud vaše snímky nejsou dost dobré, pak jste nebyli dost blízko“, se objevuje všude tam, kde je válka, od počátku 30. let až do své smrti v roce 1954. Americký fotožurnalista Vidzhi se ve 30. a 40. letech proslavil svou kronikou nočního newyorského zločinu; svým stylem ovlivnil americkou fotografii druhé poloviny 20. století.
Tragédie druhé světové války se stává nevyčerpatelným zdrojem materiálu pro fotožurnalistiku ; mnoho významných fotografů natáčí vojenské akce a jejich následky a někteří – jako Evgeny Khaldei , Dmitrij Baltermants – jsou dnes známí právě svými válečnými díly. Mezi slavné fotografie patří: 11 snímků z vylodění v Normandii, které byly pořízeny pod kulkami Roberta Capy a dalších .
Autorská dokumentární fotografieI v dobách rozkvětu piktorialismu pracoval francouzský fotograf Eugene Atget zcela jiným způsobem než on : fotografoval starou, do haussmannovské Paříže ustupující [26] , každodenní život města od roku 1888, ale uznání se mu dostalo až z druhé poloviny 20. let díky surrealistům [27] a Berenice Abbottové , kteří se hodně zasloužili o zachování a popularizaci Atgetova díla a jeho přístup zhmotnili při natáčení New Yorku 30. let.
Od počátku 20. století fotografuje Jacques-Henri Lartigue od dětství ; slávu mu přinesla výstava jeho raných fotografií v MoMA v roce 1963.
Největším mistrem dokumentární fotografie byl André Kertész , který od roku 1912 působil v Maďarsku, poté ve Francii a později v USA. Kertesz „jako první spojil ve svém díle linie funkční (časopis-foto-reportáž) [28] a autorské fotografie, jejíž dialektika je téměř hlavní intrikou jejího klasického období“ [20] . Jak později řekl Cartier-Bresson , „cokoli jsme udělali, Kertész to udělal jako první“ [20] .
Samostatně stojí August Sander , jehož díla z 10. – 20. let 20. století obsahují prvky jak dokumentární - pouliční a společenské, tak portrétně inscenované fotografie.
Dokumentární fotografie se v Evropě rozvíjela i ve 30. letech 20. století a kombinovala autorské a reportážní (žurnalistické) principy: mnoho ilustrovaných časopisů fungovalo jako způsob, jak zpřístupnit snímky veřejnosti. Mezi nejpozoruhodnější fotografy, jejichž tvůrčí cesta začala v tomto desetiletí: Francouzi Brassai – spolupracující se surrealisty, ale poznamenal, že „vždy se snažil vyjádřit realitu, protože nic surrealističtějšího neexistuje“ [7] , Henri Cartier-Bresson je jedním z nich . z nejvlivnějších postav v historii média Robert Doisneau – mistr lyrické, až sentimentální pouliční fotografie Willy Roni – který je spolu s Cartier-Bressonem a Doisneauem považován [29] za zakladatele „humanistické fotografie" ; Angličan Bill Brandt . Pouliční fotografie je populární , knihy „ 100x Paříž “ (1929) od Germaine Krul, „ Paříž v noci “ (1929) od Brassaie, „ Paříž očima Andre Kertésze “ (1934), „ Noc v Londýně “ (1938) od Billa Brandta jsou zveřejněny.
V USA v letech 1938-1941. Walker Evans diskrétně natáčel cestující v newyorském metru a schovával kameru pod kabátem [5] ; tyto fotografie však budou zveřejněny až v roce 1966. Významná americká fotožurnalistka 30. a 40. let Margaret Bourke-Whiteová byla ovlivněna sovětskou fotografickou estetikou [20] . Jeden z největších amerických fotožurnalistů konce 30. a 70. let 20. století, zakládající mistr žánru fotoeseje byl Eugene Smith . Zároveň v ulicích Philadelphie a po válce - v New Yorku, Louis Faurer [ , široké veřejnosti málo známý, ale svými kolegy ceněný a svým vzhledem a stylem částečně předjímající poezii a technická svoboda fotografie 50- x - 60. léta.
V roce 1955 pořádá Edward Steichen , od roku 1947 kurátor MoMA , jednu z nejvýznamnějších výstav v historii fotografie The Human Race, která shrnuje humanistickou dokumentární fotografii první poloviny 20. století.
USA. Od počátku 40. let rozvíjejí tradice amerického formalismu Harry Callahan , který inklinuje k abstraktně-minimalistické kompozici, používá fotografii jako duchovní praxi, Minor White a Aaron Siskind , který je úzce spjat s abstraktním expresionismem . [třicet] Od konce 40. let průkopníci barevné fotografie Saul Leiter a Ernst Haas propůjčili pohledům na ulice New York City abstraktní-malířskou kvalitu; dlouhou expozici a pohyb kamery, ke kterému se Haas často uchyluje, úspěšně využívá v černobílé street fotografii další zástupce New York School of Photography Ted Kroner . V 50. letech Callahan a Siskind vyučují na Chicago New Bauhaus ; Ray Metzker a Kenneth Josephson (druhý také pod Minor White) u nich studovali , od 60. let 20. století směřovali k „úpravě dokumentárního obrazu do abstraktního vzoru“ [31] , přičemž pokročili v černobílé fotografii daleko v tom stejném směru jako Leiter a Haas - barva.
Německo. Ve válkou zmítané Evropě nebyl čas na formální experimenty a teprve koncem 40. a 50. let 20. století Otto Steinert a umělecká skupina Fotoform v čele s ním oživili tradice Nové vize a Bauhausu pod názvem „ Subjektivní fotografie“ .Na rozdíl od tohoto proudu fotografují Berndt a Hila Becher od konce 50. let minulého století průmyslové stavby, po kterých zdědili objektivistický přístup školy Nové objektivity . V letech 1976-1996 vyučuje Bernd Becher fotografii na Akademii výtvarných umění v Düsseldorfu , jeho studenti tvoří Düsseldorfskou školu fotografie . [třicet]
Itálie. Ve 40. - 50. letech 20. století natáčí Giuseppe Cavalli , jehož tvorba se vyznačuje lehkou tonalitou . Od 50. let 20. století pracuje jím ovlivněný Mario Giacomelli , který se uchyluje k různým střeleckým a tiskařským technikám k získání extrémně kontrastních snímků (obzvláště oblíbené jsou série s kněžími [6] ).
Surrealismus zůstává vlivným hnutím. Jeho estetika je patrná v díle Billa Brandta , který se po válce odklonil od dokumentárního stylu a v 50. letech natáčel akty, bizarně zkreslené širokoúhlým objektivem [32] [31] . Techniku fotogramu , zavedenou do umělecké praxe surrealisty, rozvíjel v Německu od druhé poloviny 50. let Floris Neususs . Ještě ve třicátých letech začal v USA natáčet K. J. Laughlin , který je označován za prvního amerického surrealisty (jeho nejslavnější kniha Ghosts Along the Mississippi vyšla v roce 1948); Od roku 1938 se fotografování začal věnovat Frederic Sommer který se přestěhoval z Evropy . V 50. letech štafetu Američané Ralph Eugene Mityard a Jerry Welsman , kteří pomocí fotomontáže dosáhli surrealistického efektu.Dwayne Michaels , ovlivněný René Magrittem a dalšími surrealistickými umělci, stojí stranou jak formalistů, tak dominujících dokumentaristů [ 33] 60. let [34] [ : vytváří komiksové narativní série fotografií a v v dalším desetiletí (70. léta) také začal jednotlivé fotografie i série doplňovat ručně psaným textem. Vliv Michaelse a dalších surrealistů je vidět na zkušenostech Francescy Woodmanové ze 70. let.
S rozvojem televize v 50. letech začíná reportážní složka dokumentární fotografie postupně ztrácet na významu a do popředí se dostává autorský princip: v USA se utváří fotografie „dokumentární po stránce materiálové a typově individualisticko-umělecká“. jeho výkladu“ [30] , přičemž záběr sociálního materiálu se rozšiřuje o některé okrajové a dříve tabuizované oblasti.
Pouliční fotografie se rozvíjí , dochází k postupnému osvobozování od mnoha bývalých kánonů. Ve 30. letech 20. století v Evropě a od počátku 40. let ve Spojených státech pracovala Lisette Model , mezi slavná díla - raná série portrétů bohatých obyvatel lenošek na Promenade des Anglais v Nice v roce 1934 [35] , pak skleněná vitrína "Reflections" a modernistická fragmentovaná "Running Legs" v prvních letech v New Yorku; její detailní, „rovný a brutální“ [30] styl ovlivnil další generaci amerických fotografů.
V 50. letech 20. století modelův přístup vyvinuli a zradikalizovali William Klein a Robert Frank . Jejich fotografie se vyznačují estetikou amatérské fotografie : přirozené světlo, často posetý horizont, rozostření , zrnitost . Na rozdíl, řekněme, Cartier-Bresson , Klein a Franck se nesnaží zůstat neviditelní: někdy jsou zahrnuti do děje a fixují reakce účastníků na sebe. V roce 1956 vyšla v Paříži kniha W. Kleina s newyorskými fotografiemi, která se rychle stala klasikou; v roce 1960 - podobná kniha o Římě, v roce 1964 - knihy o Moskvě a Tokiu. V roce 1958 také v Paříži vyšla kniha R. Franka „The Americans “ s 83 fotografiemi pořízenými na výletě po silnicích Spojených států. Klein i Frank se po období fotografování přesunou do kina.
Lisette Model a Robert Frank, stejně jako Vigi a Walker Evans , se stali referenčními body pro americké fotografy 60. let – představitele fotografie „Social Landscape“ neboli „New Documentary“ [37] : Lee Friedländer , Harry Winogrand a Diane Arbusová . Stejně jako jejich předchůdci i tito fotografové prokazují výrazný společenský zájem (v případě Diane Arbus zejména o marginální), ještě individuálnější vzhled a po formální stránce silné lpění na estetice amatérské fotografie [38] .
V roce 1947 Cartier-Bresson, Robert Capa a několik jejich kolegů založili Magnum International Agency , družstvo , které sdružovalo fotožurnalisty, jejichž práce posouvá těžiště „od senzačního, čistě zpravodajského efektu k osobní interpretaci události“ [20] . Brzy se do řad agentury připojí takoví významní fotografové jako Werner Bischof , Ernst Haas , Elliott Erwitt , Marc Riboud , René Bourri , Bruce Davidson
V 60. letech vstoupila reportážní fotografie ve Spojených státech do období krize, která pod náporem televize postupně ztrácela svůj informační význam. [30] V Evropě stále hraje významnou roli fotožurnalistika, zejména z hotspotů, na tradici autorské fotožurnalistiky ve stylu agentury Magnum pokračují Italové Gianni Berengo Gardin a Romano Cagnoni , Francouzi Raymond Depardon a Gilles Caron (zemřel 1970 d.), Brit Don McCullin , Čech Josef Koudelka a další. Obecně platí, že evropská fotožurnalistika 60. let, stejně jako americký dokument z 50. a 60. let , se postupně „osvobozuje od humanistického patosu a směřuje k upřímně subjektivnímu uměleckému vyjádření“ [20] . Vladimir Lagrange působí v SSSR od počátku 60. let 20. století . Mistrem sportovní fotografie byl Lev Borodulin , který v 50. a 60. letech pracoval v časopise Ogonyok .
Od počátku 50. let natáčela Vivian Mayer v ulicích New Yorku a Chicaga , své fotografie však nepublikovala a sláva jí přišla až v 21. století, kdy byl po její smrti objeven obrovský archiv fotografií. Pouliční život znevýhodněných oblastí Barcelony diskrétně natáčela Joan Colom od konce 50. let 20. století .
V SSSR byl koncem 50. a počátkem 60. let s nástupem „ tání “ narušen monopol polooficiální fotožurnalistiky nastolený ve 30. letech: po celé zemi byly otevřeny fotokluby a amatérské hnutí se stalo hlavním tvůrčí síla ve vývoji fotografie. V 60. letech dominovala mezi amatérskými fotografy dokumentární pouliční fotografie; v 70. letech se autoři pustili do stylového hledání, aktivně se uchýlili ke zpracování negativu a pozitivu v tisku a k fotomontáži a při zachování obecné společenské a dokumentární orientace v dílech tohoto období, individuálního-autorského principu, tzv. „princip sebevyjádření“ [39] (tak jako se to stalo v amerických dokumentech z 50.–60 . let ).
Anatolij Boldin natáčel od konce 50. let v Moskvě a od počátku 70. let Boris Smelov a další v Leningradu . Příznivci off-plot fotografie Vjačeslav Tarnovecký , Boris Saveljev , Sergej Lopatjuk a Alexandr Slyusarev - všichni kromě posledního pocházeli z ukrajinských Černovic - vytvořili „Skupinu čtyř“, jejíž výstava se konala v roce 1978 v Muzeu fotografie v Siauliai . Zvláště silné školy se formují ve volnějším Pobaltí: v Litvě - Antanas Sutkus , Aleksandras Macijauskas , Rimantas Dikhavičius (tvorba nahého žánru ), Vitaly Butyrin (surrealistické fotomontáže) a další; v Lotyšsku - Gunars Binde a další. [40]
V tradici ruského piktorialismu pokračuje od poloviny 60. let Anatolij Jerin a od konce 70. let Georgij Kolosov , členové fotoklubu Novator Moskva . [41]
Během třetí čtvrtiny 20. století si barevná fotografie postupně získává své místo v umění . Přes úspěšný rozvoj barevného filmu ve 30. letech 20. století jeho vysoká cena, obtížnost zpracování a natáčení pod umělým osvětlením, jeho pověst reklamního nástroje [42] a obecné estetické preference fotografické komunity po dlouhou dobu bránily vstupu na trh. barevné fotografie do oblasti umění.
Počínaje lety 1948-1949. Saul Leiter (v New Yorku) a Ernst Haas (celosvětově) tvoří významný korpus barevných fotografií . V roce 1962 MoMA pořádá 10letou retrospektivu Haasova díla, první samostatnou výstavu barevné fotografie muzea [43] , nepočítaje výstavu amerického přírodovědce Eliota Portera v roce 1943 [44] . Od konce 50. let fotografoval fotoreportér René Bourri barevně vedle černobílého filmu [45] . Barevné práce však zůstávají zatím výjimkou.
William Eggleston , který od poloviny 60. let 20. století vytvářel pečlivě provedené stylizace pro amatérský snímek , prosycený barvami a naplněný každodenním životem zbaveným jakéhokoli dramatu, byl v roce 1976 oceněn výstavou v MoMA , která - navzdory příval kritiky - upevňuje institucionální uznání barevné fotografie. Představitel "Nové topografie" (podle názvu výstavy v roce 1975 ) Stephen Shore natáčí barevně, na velkoformátovou kameru , stejně běžné pohledy již od počátku 70. let; výstava jeho barevných prací se koná v MoMA ve stejném roce 1976.
Mezi průkopníky barevné dokumentární fotografie patří Japonec Ihei Kimura , který představil pouliční život francouzské metropole ve fotoknize Paříž (1974), a Ragubir Singh : „Byl to Singh, kdo vrátil barvu do žánru a pouliční fotografie v 70. letech 20. století. Menší sláva indického mistra ve srovnání s Evropany však nutí přemýšlet o prostupnosti hranic „západního kánonu“ [46] .
Od počátku 70. let se fotografie přibližuje současnému umění , a to jak v kreativním prostředí, tak institucionálně. Spojené státy jsou v čele hnutí. Ještě v roce 1940 bylo otevřeno L.W. Sipley American Museum of Photography ve Philadelphii a oddělení fotografie v MoMA , v roce 1949 bylo otevřeno Fotografické muzeum George Eastmana , od začátku 70. let se oddělení fotografie objevovala v dalších velká muzea v různých zemích, pořádají se mezinárodní fotografické festivaly, objevuje se stále více fotogalerií (dříve vzácné výjimky), fotografie putují do aukcí. Co se týče tvůrčích postojů, v té době - především v USA - upadal společenský význam fotožurnalistiky, zároveň se vyjadřovaly teoretické pochybnosti o objektivitě dokumentární fotografie - vlastně již pro americké dokumentaristy tzv. 50. - 60. léta kamera byla spíše nástrojem individuálního uměleckého vidění než objektivní fixace, v 70. letech se tento přístup prohlubuje; to vše ve spojení se zvýšeným zájmem o fotografii ze strany současných umělců vede k rozchodu s dokumentem: fotografie se prolíná s postmodernou a konceptualismem .
…Fotografie jsou nyní kopiemi bez originálů . Jestliže dříve existovala realita a fotografie z ní, nyní zbyla jen fotografie. [47]
V 90. letech se rozšířilo digitální zpracování obrazu . Začíná postupný přechod k digitální fotografii .
Po více než stoletých kruzích se umělecká fotografie v 70. letech vrací k inscenovaným scénám, z nichž kdysi v imitaci malby začínala. Namísto slavné Leiky dnes mnoho fotografů, stejně jako daguerrotypisté v minulosti, používá nejen stativ a přídavné světlo, ale také velkoformátové fotoaparáty , aby zvětšili výtisky do obrovských velikostí, které již nejsou určeny pro stránku novin a časopisů. , ale pro prostor muzea a galerie.
Fotografie sleduje různé strategie z arzenálu postmoderny: reflektování vlastní podstaty, odkazování na rané a netradiční fotografické technologie nebo hraní dokumentu ; přivlastňuje si hotová díla a vypůjčuje si metody a témata jiných výtvarných umění — a sám se pro ně stává materiálem a metodou ( fotorealismus ); naopak se stahuje ze své vlastní vizuality a mění se v prostředek předávání myšlenek .
Umělecká fotografie této doby (s výjimkou děl konceptualistů) je nejčastěji barevná.
Kino, malba, instalace jako metodyPostmoderní fotografie se ve svých přístupech a metodách často ubírá cestami jiných výtvarných umění, starověkých i nových.
Film. Od konce 70. let Kanaďan Jeff Wall , sám svou metodu nazýval „ filmová “ [48] , natáčel velkoformátovou kamerou pečlivě zinscenované scény , které na první pohled vypadají jako dokumentární; své fotografie vystavuje na průsvitném filmu v lightboxech a od 90. let používá digitální zobrazovací technologie. Američan Philip-Lorca Di Corsia od druhé poloviny 70. let míchá styly dokumentární a inscenované fotografie, „balancuje mezi neformálním záběrem a figurativností inscenované kompozice, hraje si s přirozeným a umělým světlem“ [49]. : záběry z jeho první série („ A Storybook Life “, „ Rodina a přátelé “, 70. léta—) jsou inscenované, ale stylizované jako dokumenty, a později, když natáčel náhodné kolemjdoucí, použil skryté zdroje světla, čímž fotografii dodal malebně-kino efekt (“ Streetwork “, 1993-1999) a vytrhávání jednotlivců z davu (" Heads ", 2000-2001). [50] Američan Gregory Crewdson od 90. let aranžuje a natáčí na velkoformátovou kameru scény ze života předměstské Ameriky - s nádechem surreality, filmového děje a pečlivého nasvícení, někdy i za použití slavných herců - podle autor, "filmy v jednom snímku" ; od roku 2000 se také uchýlil k technologiím digitálního zpracování a jeho série Under the Roses (2003-2005) je technikou a stylistickým účinkem srovnávána s díly O. G. Reilandera , který používal kompozitní tisk již v 50. letech 19. století. [51]
Malování. Od 70. let vytváří Američan Joel-Peter Witkin šokující fotografické obrazy plné fyzičnosti, deformace a smrti, zděděné surrealisty, fotografie 19. století a malbu barokní éry .
Fotografové zkoumají tradiční žánry malby , silně ovlivněné těmi druhými. Rineke Dijkstra z Holandska od počátku 90. let fotí pomocí velkoformátového fotoaparátu a blesku sérii celovečerních portrétů , které jsou přirovnávány k dílům Augusta Zandera , Diany Arbusové, starých mistrů ; zvláště slavný je raný seriál „Beach Portraits“ s teenagery [52] . Německá Loretta Lux vytváří od roku 2000 originální dětské portréty, digitálně zpracovává a manipuluje s fotografiemi a někdy je doplňuje malovanými pozadími Od 90. let 20. století fotografovala zátiší Laura Letinsky z Kanady, která byla ovlivněna vlámskou a italskou malířskou tradicí [53] ; od roku 2000 - Uta Barth z Německa. Městské, člověkem vytvořené, člověkem vytvořené pohledy se stávají dominantní formou krajiny . V roce 1975 se v USA konala vlivná výstava „New Topography“ , která tento trend poznamenala. Krajiny transformované lidskou rukou byly od 80. let odstraňovány Kanaďanem Edwardem Burtinskym .Od 90. let vytváří Andreas Gursky , zástupce Düsseldorfské fotografické školy , obrovské, pečlivě počítačově zpracované fotografie, obvykle pořízené z vysokého nadhledu, zobrazující „svět moderního globalizovaného každodenního života“ [54] , které vytvořily rekord ceny v aukcích. [55] Přístup Andrease Gefellera je blízký , pomocí počítačového zpracování vytváří pohledy na krajinu vytvořenou člověkem, které jsou běžnému vidění nepřístupné: například v sérii Observations (2002-2009) [7] , spojování dohromady mnoho snímků pořízených ze země na počítači, získá pohled shora „z bodu, který ve skutečnosti neexistuje“ [56] . Němec Michael Wolf a Ital Olivo Barbieri od počátku 21. století fotografují městské prostředí a scénám pořízeným z výšky dodávají vzhled miniaturních modelů posunem a nakloněním objektivu .
Malebný efekt dodává krajině dlouhá expozice : při expozičních časech do 20 minut, s velkoformátovým fotoaparátem, v noci natáčí pohledy na opuštěné město z 90. let od Ruth Blis Luxembourg [57] ; Brit Darren Almond zahájil sérii Full Moon v roce 1998 , kdy fotografoval tradiční krajinomalby za úplňku při expozicích 15 minut nebo více [58] . Ještě delší časy závěrky a další nekonvenční techniky se používají od 90. let v tradičních žánrech krajiny, portrétu a zátiší Michael Wesley , Chuck Close , Gary Schneider , Richard Learoyd , Chris McCaw a další.
Za abstraktní malbou nechce zaostávat ani fotografie . Oblíbenou metodou vytváření abstraktních obrazů je focení mimo zaměření: touto cestou se vydala v 90. letech Němka Uta Barth , která tak rozmělňuje pohledy na přírodu a interiéry („ Pozadí “, 1992-1997), Američan Bill Armstrong a Mondrian – ovlivnili Gastona Bertina [ 8] , kteří vyřezávají své kompozice z reprodukcí a barevného papíru ; [59] Dalším přístupem je rozmazání snímku s pomalou rychlostí závěrky jako Gabor Oz [60] [61] . Abstraktní barevné obrázky - chemigramy a chemogramy , luminogramy a kyanotypie - jsou vytvářeny bez použití fotoaparátu .
Instalace. Dalším směrem je tvorba prostorových objektů a scén pro jejich následné fotografování. Od 70. let pracuje Sandy Skoglund v USA způsobem blízkým surrealismu : vytváří a následně fotografuje složité instalace , často plné opakujících se objektů. Od poloviny 70. let James Kasebere navrhuje a natáčí modely interiérů a celých čtvrtí Němec Thomas Demand od 90. let tvořil z papíru a kartonu - obvykle z fotografie z nějakého časopisu - a poté velkoformátovým fotoaparátem fotografoval naturalistické modely interiérů, často historicky významných místností (např. pro fotografii z roku 1994 "Místnost" - model explodované místnosti, kde se spiklenci pokusili o Hitlera ). Od 90. let fotografuje výtvarník a fotograf Vladislav Efimov své náladové objekty a instalace. Brazilec Vik Munis od 90. let 20. století fotografuje své krátkodobé „odpadové obrazy“.
Fotografie se používá k zachycení land artových objektů , ale i performancí , happeningů a podobných fenoménů současného umění; například Američan Spencer Tunick od 90. let organizuje a fotografuje bleskové davy stovek a tisíců nahých lidí .
Citování, přivlastňování, konceptualismusFotografie se ochotně uchyluje k tak obecným strategiím postmoderny, jako je citace, přivlastňování a konceptualismus .
Citace. Nejen postupy, ale i náměty, konkrétní obsahy, fotografie často vděčí slavným plátnům, méně často filmům nebo fotografickým dílům. Díla zmíněného Jeffa Walla často obsahují narážky na klasické obrazy. Američanka Cindy Shermanová se natáčí na sérii fotografií „ Snímky z filmů bez názvu “ (1977-1980), stylizovaných jako rámečky z neexistujících filmů.A ve fotosérii " Historical Portraits " (1988-1990) se Sherman s použitím falešných částí těla objevuje jako model z obrazů starých mistrů [62] (podobná díla vytváří i Japonec Yasumasa Morimura ). V 90. letech natáčí Andrey Chezhin cyklus „Knoflík a modernismus“ – narážky na klasické obrazy a fotografie. Od roku 2000 Američanka Sharon Core ve svých fotografiích vytváří zátiší Raphaela Peela , plátna Wayna Thiebauda a dalších malířů. Vadim Gushchin v roce 2010 natáčí minimalistická zátiší – jeho slovy „subjektové abstrakce“ – ztělesňující suprematismus v barevné fotografii [63] .
Přivlastnění. Běžnou strategií je zařazování „nalezených“ anonymních (amatérských či archivních) fotografií a dokonce i děl jiných autorů do vlastního uměleckého kontextu . [64]
Kromě zmiňované s-]enLevineSherriaPrinceRichard,Barbara KruegerpřivlastňovateléCindy Shermanové si sérii After Walker Evans (1981) - cizí fotografie. Bill Armstrong od 90. let kolážuje fragmenty reprodukcí slavných obrazů nebo fotografií a neostré snímky ve stejných 90. letech ve Velké Británii Emmanuel Perdon (nar. 1965) střílí neostré ženské tváře ze starých obrazů. [66] Od roku 2000 další Brit , Idries Khan , komprimuje vypůjčené obrázky – všechny Becherovy sférické plynové nádrže [ ⇦ , všechny stránky Koránu atd. – do jediného vícevrstvého obrázku na na hranici mezi abstraktním a figurativním . Přivlastnění se nachází i v podzemní sovětské fotografii: například Boris Michajlov ručně koloroval nalezené amatérské fotografie, vrstvící nový význam (Luriki, 1971-1985) [67] . Příkladem čistého přivlastnění je Alien Photos (1987) od Alexeje Shulgina [68] . Andrey Chezhin v 90. letech transformuje našel amatérské negativy při tisku a vytváří snímky za účasti své oblíbené postavy - tlačítka .
Digitální revoluce otevírá nové příležitosti .Od konce 80. let Thomas Ruff , zástupce Düsseldorfské fotografické školy , digitálně transformuje obrazy jiných lidí – od vědeckých snímků vesmíru až po pornografii z internetu. Od roku 1998 francouzská umělkyně Orlan ve své sérii Self-Hybridization digitálně spojuje svou tvář s portréty indiánů, africkými maskami, sochami a maskami předkolumbovské Ameriky. Na přelomu let 2010, s příchodem služby Google Street View , si někteří fotografové - Michael Wolf , John Rafman - začali půjčovat snímky z automaticky snímaných pohledů na ulice.
Konceptualismus. Apropriace je jen jednou z metod konceptuálního umění , pro kterou je důležitější vtělená myšlenka než přímý estetický dojem.
Kenneth Josephson natáčí v 60. - 70. letech 20. století svůj nejoblíbenější seriál „ Fotografie na fotografiích “.Vlivná skupina vytvořená v San Diegu : koncem 60. let vytvořila Martha Roslerová feministické a protiválečné fotografické koláže založené na přivlastněných obrázcích z časopisů (série „ Krásné tělo, aneb krása nezná bolest “, 1966-1972; „ Krásná dům: válka s dodávkou domů “, 1967-1972) [69] ; Eleanor Entin rozesílá sérii pohlednic [70] 50 párů bot na výpravné cestě napříč USA („ 100 Boots “, 1971-1973).
Fotografie se také používá jako nástroj pro radikální konceptualistická prohlášení. Výtvarník Ed Ruscha tak v 60. letech katalogizuje jednoduché předměty do fotoknihy 26 čerpacích stanic (1962) a dalších. Douglas Huebler v roce 1969 pořídil sérii 10 fotografií: stál v Central Parku a kdykoli uslyšel ptačí zpěv, vyfotografoval se ve směru zvuku; v následujícím roce vystavil sérii 12 fotografií pořízených každé dvě minuty, když jel po silnici. Série Christophera Williamse „ Z Angoly do Vietnamu “ (1989) sestávala z 27 fotografií skleněných květin z Harvardského přírodovědného muzea , pocházejících ze zemí, kde v roce 1985 došlo k politickému zmizení [71] . Němec Wolfgang Tillmans natočil v roce 1997 56 pohledů na Concorde .
Fotografie jsou spárovány s texty - jako v sérii Johna Baldessariho " Wrong " (1966-1968), Keith Arnatt (" Trouser-Word Piece ", 1972-1989 [10] ) [72] , ve slavném díle Marthy Roslerové „ Bowery ve dvou neadekvátních systémech popisu “ (1974-1975), v Duane Michaels ; s videosekvencí - jako Eleanor Entin (" Caught Red-handed ", 1973) [73] .
V 80. letech se konceptualismus rozšířil i v sovětské fotografii: různé možnosti, jak kombinovat fotografie s texty nalezenými nebo vepsanými fotografovou rukou, nalézá například Vladimir Kuprijanov („Na památku Puškina“, 1984; „Neodmítejte mě z tvá tvář ...“, 1990; atd.), v dílech členů moskevské skupiny „ Nepřímá fotografie “ Borise Michajlova , Ilji Piganova , Igora Mukhina a dalších. [74] Další člen této skupiny, Sergej Leontiev , natáčí programovou sérii "Zážitky z tvrdé fotografie" (1988) [75] .
Konceptualistická díla se také objevila v 90.–2000. letech 20. století, například Gillian Waring (seriál „Znamení, která říkají to, co chcete říct, a ne to, co od vás chtějí ostatní slyšet“, 1992–1993; „ Album“, 2003).
Umění založené na fotografiíchJiž v 50. - 60. letech 20. století začali představitelé současného umění ve svých dílech kombinovat fotografii s jinými materiály a technikami, např. Robert Rauschenberg , Andy Warhol , Gerhard Richter , od 70. let Gilbert a George a další. Od 60. let konceptualista Robert Heineken kolážuje obrazy masové kultury – obrazy z časopisů a televize: „Pomocí overlay, juxtaposition a dalších kontextových změn působím jako vizuální guerilla“ 76] . Lucas Samaras v sérii " Fototransformace " (1973-1976) zpracovává polaroidové fotografie působením na emulzi během vyvolávání; David Hockney v 80. letech 20. století sestavuje obrovské kubistické koláže z desítek polaroidů. Zmíněná Barbara Krueger od konce 70. let aplikuje typografii v duchu konstruktivistů na fotografie vypůjčené z reklamy a médií ve stylu plakátu . V Rusku díla založená na fotografii vytvářeli od 80. let Ilja Piganov , Michail Ladějščikov , umělecká skupina AES+F a další.
Sblížení s dokumentární fotografiíDochází k určitému stírání hranic mezi uměleckou a dokumentární fotografií. Za prvé, inscenovaná fotografie je stylizována do dokumentu ( Jeff Wall , Philip-Lorca Di Corsia ) . Joan Fontkuberta a Waleed Raad vytvářejí konceptualistická pseudodokumentární díla. [77] Za druhé, umělecké techniky se používají při pouliční střelbě : stejný Philip-Lorca Di Corsia používá skryté umělé světlo; Alexey Titarenko používá pomalou rychlost závěrky a pohyb fotoaparátu [78] ; Paul Graham ve svém seriálu „ Americká noc “ (1998-2002) silně přeexponoval snímky chudých čtvrtí, čímž poskytl stylistický komentář k sociální nerovnosti [79] . Ze strany reportážní fotografie je patrný protijedoucí provoz.
Rané a nekonvenční technologieJe široce praktikováno fotografování bez pomoci fotoaparátu. Belgičan Pierre Cordier v roce 1956 vynalézá a začíná používat chemigram k vytváření abstraktních obrazů - proces zpracování fotografického papíru různými chemikáliemi; v roce 1974 Němec Josef Neumann nazývá svou modifikaci procesu chemogramem . Robert Rauschenberg v letech 1950-1951. experimentování s kyanotypií ; v roce 2000 se k němu Christian Marclay vrací - v abstraktnější verzi . Umělecké možnosti černobílých a barevných fotogramů zkoumal od 70. let Američan James Welling , od 80. let Britové Susan Durges (ponoření fotografického papíru do říční vody za měsíčního svitu) a Adam Fass , od 90. let — Brit Christopher Bucklow a mnoho dalších. Abstraktní barevné luminogramy - druh fotogramů - vytváří od 90. let Harry Fabian Miller a od 20. století Wolfgang Tillmans a Walid Beshti . [80]
Zájem o různé rané a netradiční fotografické technologie znatelně ožil v 90. letech. Nadšenci oživují daguerrotypii , protože výkonné světelné zdroje umožňují obejít se bez dlouhých expozičních časů jako dříve - například umělec Chuck Close fotografuje portréty touto technikou [81] ; jiní se obracejí k mokrému kolódiu , jako Sally Mann pro krajiny. A Abelardo Morell , Vera Lutter a Gabor Oz začnou zachycovat snímky, které poskytuje ještě starodávnější camera obscura , měnící temné místnosti v poslední; Od roku 2000 používá stejnou techniku Brit Richard Learoyd , získává velkoformátové portréty a zátiší výjimečné ostrosti [82] .
Experimentují také s natáčením fotoaparátem bez objektivu - stenop . [83]
Ještě v 70. - 80. letech 20. století Japonci Hiroshi Sugimoto a Hiroshi Yamazaki ( viz ) fotili na dlouhé expozice místo Bressonova „rozhodujícího okamžiku“ a zachycovali na snímku samotný běh času. V 90. letech 20. století dovedl Němec Michael Wesley tento přístup do extrému a natáčel zátiší, přírodní a městské krajiny pomocí speciálně navrženého nástěnného záběru s ultra dlouhými expozicemi od několika dnů do několika let. Gary Schneider Jižní Afriky , který se přestěhoval do USA, v letech 1990-2000 vytváří portréty s expozicí 8 minut (série Heads, z roku 1989) až hodina pro celovečerní portréty (Akty, 2001-2005) , v úplné tmě, pomalu pohybující slabý světelný zdroj kolem modelu. Fotograf od roku 2000 Chris McCaw [11] umožňuje slunci doslova vypálit stopu ve fotografické emulzi za pár hodin a využívá efektu solarizace . [84]
V 70. letech 20. století byla reportážní fotožurnalistika v USA do značné míry vyčerpána, byla ukončena, ztrácela se v televizi o publikum a příjmy z reklamy, Life a dalších fotožurnálech. Hlavním odbytištěm dokumentární fotografie se stávají galerie, muzea a knižní publikace. [85]
Dokumentární fotografie tohoto období je různorodá: mísí v různých proporcích autorské a reportážní, sociální a estetické principy, ve větší či menší míře využívá a rozvíjí nálezy 50. až 60. let, uchyluje se nebo se neuchyluje k barevnosti (černé a bílý obraz je stejně populární jako barevný, alespoň do příchodu digitálního věku).
Dokumentární krizeDokumentární čistota, „pravdivost“ fotografie je zpochybňována.V USA členové skupiny The San Diego [86] v kreativní praxi ( Martha Rosler , " Bowery ve dvou neadekvátních systémech popisu ", 1974-1975; Eleanor Entin , " Red-handed ", 1973 [73] ) a teoretické články [87] kritizovaly tradiční dokumentární fotografii, která se prohlašuje za humanistickou a objektivní, zejména sociální dokumentární tvorbu s tendencí „oponovat ‚naší‘ polovině a druhé polovině , střední třídě a nižší třída , já a ostatní“ [ 88] ; Ve skutečnosti není fotografie, jak píší, ani tak protokolární, jako spíše expresivní, chápání fotografie je určeno kulturním kontextem, ve kterém byla pořízena a vnímána, a „triumf abstraktního lidstva se v jakékoli politické situaci stává triumfem důstojnost pasivní oběti“ [89] . V této linii dokumentární kritiky pokračovala Susan Sontagová ve sbírce O fotografii (1977) a zejména v pozdějším díle Looking at Others' Suffering (2003).
Otázku pravdivosti naopak zhoršila digitální revoluce , která začala s příchodem osobních počítačů na přelomu 70. a 80. let 20. století a poskytla neomezené možnosti manipulace s obrazem . Prvním významným případem digitální manipulace byla fotografie Gordona Gahana z února 1982 National Geographic níž jsou dvě egyptské pyramidy přitlačeny k sobě, aby se vešly na vertikální obálku . Významný mexický dokumentarista Pedro Meyer , který natáčí od počátku 60. let, přechází na počátku 90. let k digitální manipulaci se svým materiálem a trvá na tom, že „dokumentuje zážitek“ [91] , nikoli fakta, a že fotografie, ve kterém například kombinuje prvky dvou po sobě jdoucích záběrů pouliční scény, není o nic více a neméně „pravdivý“ než tradiční dokument svou rámovou konstrukcí, prvky pózování a inscenace, rámování , zpracování při tisku atd. [92 ] .
Angažované dokumentyVarianta překonání neřestí humanistické dokumentární fotografie se stává upřímně subjektivním, angažovaným dokumentem. Od roku 1963 fotografuje Larry Clark mládež ze svého rodného města – přátele, se kterými tráví čas – a drogy, zbraně a sex plní stránky jeho uznávané fotoknihy Tulsa 1971). Od 70. let 20. století tento přístup rozvíjí Nan Goldin její amatérské fotografie jsou jakýmsi deníkem, odrazem osobní zkušenosti ze života v LGBT komunitě mezi drogově závislými. Koncem 80. a začátkem 90. let byla německá kultura mládeže zaznamenána Němcem Wolfgangem Tillmansem .
K tomuto směru lze přiřadit i rodinnou fotografii a pokud Emmett Gowin , který fotí od druhé poloviny 60. let, nebo na snímcích Sally Mann , pořízených v 2. polovině 80. let a sesbíraných v r. v knize „ Bezprostřední rodina “ se modelky často dívají do fotoaparátu, pak v rozsáhlé sérii „ Rodina “ od Alaina Laboileho , který své děti natáčí od druhé poloviny 20. století, je zásah fotografa minimální.
Sblížení s uměleckou fotografiíDalším trendem, jak již bylo zmíněno , je „překročení dělení na reportážní a uměleckou fotografii“ [31] .Od 70. let do současnosti na tradici dokumentárního umění včetně sociálního , navazuje největší brazilský fotograf Sebastian Salgado , pod jehož objektivem se černobílá reportážní fotografie mění v epický „fotoobraz“. “ [31] ; Susan Sontagová mu ve zmíněné knize z roku 2003 vyčítá estetizaci násilí a tvrzení impotence, ve „falešně humanistické rétorice“. Naproti tomu ironický Brit Martin Parr , který má k estetickému i humanistickému patosu extrémně daleko, už od 80. let křiklavě ukazuje „ošklivé a směšné stránky lidské existence“ [93] .
V návaznosti na linii S. Leitera a E. Haase formální estetiku barevné dokumentární fotografie rozvíjel od 60. let Harry Gruyer , od 70. let sovětsko-francouzský fotograf Georgy Pinkhasov . Od 90. let 20. století vytváří australský Trent Park barevná i černobílá díla v podobném stylu .
Adam Brumberg a Oliver Chanerin pracují na pokraji dokumentu a konceptualismu od počátku 21. století ; v konceptualistickém protestu proti zaujatosti vojenské fotožurnalistiky cestovali do Afghánistánu bez fotoaparátů a vystavili 6metrovou roli fotografického papíru slunečnímu záření na 20 sekund (The Day No One Died, 2008) [94] .
V roce 2000 vytváří Alec Soth na svých cestách po zemi velkoformátovou kamerou „zvláštní, půvabně obyčejné obrazy moderní Ameriky“ [95] . Blízký přístup k fotografii a opačný přístup k materiálu demonstruje Peter Hugo z Jižní Afriky , který ve stejných letech vytváří pouliční portréty, natáčí v afrických zemích „okrajové nebo neobvyklé skupiny lidí“ [96] , např. což je mu vyčítáno [97] právě v onom voyeurství a exotičnosti, proti které vystupuje např. Erik Prasetya . Američan Roger Ballen v 70. a 90. letech také natáčel v Jižní Africe a zjišťuje rostoucí zájem o okrajové postavy ve stylu Diany Arbusové , až na přelomu 20. století zcela opustí dokument ve prospěch surrealistických obrazů.
FotožurnalistikaNavzdory teoretickým sporům dává tradiční reportážní fotografie vzniknout novým jménům. Od 70. let 20. století působí česko-americký fotoreportér Antonín Kratochvil - odvážný experimentátor na poli sociální , vojenské a jiné dokumentární, ale i portrétní fotografie. Války a konflikty natáčí od 70. let Francouz Gilles Perez , od 80. let Američan Steve McCurry , v 90.-2000 Francouzka Alexandra Bula . V 80. letech se do řad tvůrců společenských a vojenských dokumentů přidali Francouz Luc Delaier , Američan James Nachtwey a v 90. letech Američan Stanley Greene . Od 90. let 20. století se americký Fazal Sheikh (obvykle fotící portréty), od 21. století Američan Manuel Rivera-Ortiz , zabývá tvorbou sociálního dokumentu v problémových oblastech světa . Fotoreportér Sergei Maksimishin pracuje v Rusku od roku 2000 .
Módní fotografie a fotografie celebrit, která je sama o sobě komerční, v tvorbě některých autorů koexistuje a někdy hraničí s výtvarnou fotografií. Fotografie celebrit pochází z objevení se „vizitek“ v roce 1854, módní fotografie se jako žánr formovala od počátku 20. století. Komerční fotografie byla ovlivněna všemi existujícími trendy – od piktorialismu přes modernismus, surrealismus až po fotoesej atd. Z významných módních a celebritních fotografů mimo jiné Edward Steichen (v období 1923-1938) a Man Ray shot . Další mistři žánru: od konce 19. století piktorialista baron Adolf de Meyer , od 20. let — baron Georges Goyningen-Hühne , Cecil Beaton , od 30. let — Horst P. Horst , Erwin Blumenfeld , Martin Munkacsy , s 1940 - Irvine Penn , Richard Avedon , od 50. let - Guy Bourdain , od 60. let - David Bailey , od 70. let - Helmut Newton (který také střílel dříve, ale od začátku 70. let - radikálně erotickým způsobem. [98] Od 40. let až do konce svého života pracoval Arnold Newman v žánru portrétní fotografie v přirozeném prostředí, které vynalezl . Mistrem portrétování ve 40.-80. letech byl Yusuf Karsh .
Kamkoli se hlavní proud fotografie dostal, vždy se našli mistři, kteří se slovy Susan Sontagové „uzavřeli do své posedlosti (jako Lewis Carroll s dívkami nebo Diana Arbusová s oslavami Halloweenu)“ [99] . Wilson Bentley (a v Rusku - Andrey Sigson ) fotografoval sněhové vločky pod mikroskopem již v 19. století. Karl Blossfeldt se s fotoaparátem vlastní výroby zabýval makrofotografií rostlin; jeho dílo vyšlo poprvé v roce 1928 v knize Urformen der Kunst . Lennart Nilsson zkoumal svou čočkou krevní cévy a vnitřní dutiny lidského těla; jeho fotografie lidských embryí v děloze byly shromážděny v A Child Is Born (1965). Harold Egerton vyvinul techniku vysokorychlostní fotografie, která mu umožnila zachytit pád kapky mléka, let kulky, první milisekundy jaderného výbuchu a mnoho dalšího; od konce třicátých let s ním spolupracoval Gyen Mili a také Edgerton, známý fotografiemi pomocí stroboskopu .
Od počátku 70. let 20. století pracuje íránský fotoreportér Abbas Attar
Fotoreportér Shahidul Alam střílel v Bangladéši od počátku 80. let 20. století
Vietnamský fotoreportér Nick Ut pořídil v roce 1972 slavnou fotografii „The Horror of War“ („Napalm ve Vietnamu“).
Filipínský fotoreportér Alex Baluyat pracuje od 80. let. [100]
Indonéský pouliční fotograf Erik Prasetya spolupracoval v roce 1997 se Salgadu a poté, co se mnohému naučil, dospěl k převážně opačnému přístupu – k „estetice banálního“ [101] ; v předmluvě ke své knize Jakarta. The Aesthetics of the Banal“ (2011) Firman Ishsan píše, že Prasetya „kritizoval tradiční estetický přístup a poznamenal, že většina fotografů má estetiku střední třídy, která se přiklání k voyeurismu nebo romantismu , ne-li exotičnosti, což je situace, kterou musí fotograf překonat, když střelbou se dostat k „pravdě““ [102] .
Malajský fotograf Che' Ahmad Azhar se věnuje pouliční fotografii v Kuala Lumpur od roku 2000.
Singapurský konceptualista John Klang v seriálu „Time“ (2009) vytváří koláže z roztrhaných a slepených fotografií.
Zájem veřejnosti a historiků umění o problém padělání starých fotografií historické a umělecké hodnoty přilákal v roce 1978 soudní spor s umělcem Grahamem Ovendenem a fotografem Howardem Grayem. Vytvářeli fotografie ve stylu a technice rané viktoriánské fotografie a připisovali je nikdy neexistujícímu fotografovi údajně žijícímu ve 40. letech 19. století Francisi Hetlingovi . Tyto fotografie byly vystaveny v London Portrait Gallery a poté prodány soukromým sběratelům. Soud falšovatele obžaloby zprostil [103] .
Historici fotografie a odborníci byli nuceni přiznat, že případ Francise Hetlinga demonstroval snadnost padělání starých fotografií: „Neexistuje žádný historický fotografický proces, který by dnes nebylo možné reprodukovat,“ řekla historička umění Isabelle Anscombeová [103] .
![[2]](https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Allie_Mae_Burroughs.jpg){kind=link}
![[3]](https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Farmer_walking_in_dust_storm_Cimarron_County_Oklahoma2.jpg){kind=link}
![[4 ]](https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Arthur_Rothstein_-_The_bleached_skull_of_a_steer,_South_Dakota_Badlands,_1936.jpg){kind=link}
![[6]](https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Giacomell_series_Priests.jpg){kind=link}
![[1]](https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Carleton_E._Watkins,_Late_George_Cling_Peaches,_1889,_Albumen_silver_print,_32.8_x_50.3_cm,_MoMA,_896.2010.png){kind=link}
