Moderní

Aktuální verze stránky ještě nebyla zkontrolována zkušenými přispěvateli a může se výrazně lišit od verze recenzované 21. června 2022; kontroly vyžadují 10 úprav .

secesní styl

Zleva doprava, shora dolů: stanice pařížského metra "Abbes" , Hector Guimard , ( 1900 ); Litografie, Alphonse Mucha , ( 1898 ); Lamp, Louis Comfort Tiffany , ( 1900-1910 ) ; Nástěnná skříňka, Louis Majorelle ; Schodiště v Tassel's Mansion , Victor Horta , ( 1893 ). Zařazeno na seznam památek světového dědictví UNESCO .

Pojem

odmítnutí symetrie; stylizace přírodních forem, květinové ornamenty, využití lidových motivů, tvorba symbolistů , prerafaelitů , impresionistů

Datum založení

80. léta 19. století

Datum rozpadu

1914

Mediální soubory na Wikimedia Commons

Modern ( fr. moderne - nový, moderní) je mezinárodní umělecké hnutí na přelomu 19.-20. století, jehož cílem bylo vyvinout nový umělecký jazyk umění a tím vytvořit nový umělecký styl [1] . V anglické a francouzsky psané literatuře se k fenoménu připojoval termín „art nouveau“ ( fr. art nouveau ), což znamená „nové umění“ . V různých zemích získala secese jiná jména.

Pohled na secesi jako jeden ustálený umělecký styl je považován za poněkud zastaralý, analogicky s klasifikací uměleckých stylů akceptovaných v akademické vědě - gotika , baroko , klasicismus atd. Za zastaralou je rovněž považována definice moderny jako „mostu“ mezi historismem a modernismem – extrémně populární dřívější koncept, vyjádřený Nicolusem Pevsnerem v 70. letech [2] .

Secese byla komplexním fenoménem, který zahrnoval širokou škálu uměleckých směrů a škol, které spojovala antieklektická myšlenka překonání umění předchozí éry. Hlavními výtvarnými znaky secese jsou ornamentálnost a dekorativnost.

Historie termínu a jeho interpretace

Secese zaznamenala znatelný mezinárodní úspěch již na konci 90. let 19. století, ale neměla jediný název: různé země si vytvořily vlastní termíny, které by tento fenomén odkazovaly. Hlavním problémem při výběru názvu byla skutečnost, že současníci neměli tušení o místě původu stylu. Britové, kteří nechápali svůj vlastní důležitý příspěvek k rozvoji stylu, jej nazvali francouzským termínem „art nouveau“ ( fr. art nouveau – „nové umění“). Předpokládá se, že lexém byl vypůjčen z názvu pařížské galerie „Dům nového umění“ ( fr. Maison L'Art Nouveau ), otevřené 26. prosince 1895 francouzsko-německým obchodníkem Siegfriedem Bingem [3] .

Ve Francii byl styl původně označen různými jmény: někdy byl nazýván anglickým termínem „moderní styl“ ( anglický moderní styl ) [K 1] ; v grafickém umění to bylo vtipně označováno jako "nudle style" ( francouzský styl nouille ); někdy - s přímočařejším termínem "styl vstupních pavilonů v metru" ( francouzský styl de bouche de metro ). Architekt Hector Guimard , který navrhl pavilony pařížského metra, se domníval, že tento fenomén by měl být pojmenován po něm – „Guimard style“ ( francouzský styl Guimard ). Spisovatel Edmond de Goncourt , který byl obezřetný vůči usměrněným liniím moderny, vymyslel pro jeho označení pejorativní termín „jachtařské styly“ . V důsledku toho byl fenoménu ve Francii přiřazen termín „art nouveau“ ( fr. art nouveau ) [5] .

V Německu se tento styl původně nazýval „Belgishe“ a „Veldeshe“ po Belgičanovi Henri Van de Velde , který se přestěhoval do Německa v roce 1897 a stal se vůdcem secese v této zemi. Někdy byla secese označena termínem „Studio-Stil“ podle jedné z anglicky psaných publikací, které popisovaly práci hnutí Arts and Crafts. Někdy byl tento styl nazýván fantazijněji: "squiggle style" ( německy schnürkelstil ) nebo "tapeworm style" ( německy bandwurmtil ). Nicméně termín "Jugendstil" ( německy jugendstil ) - "mladý styl", podle názvu ilustrovaného časopisu Jugend založeného v roce 1896 , byl nejvíce používán a fixován v německých slovnících [5] .

V Rakousku se tomuto stylu říkalo " Secession " ( německy : Secessionstil ), podle názvu výstavní organizace " Vídeňská secese ". Skotští umělci přišli s hlasitým vlastním jménem " School of Glasgow " ( angl. Glasgow school ). Ve Španělsku se vžil termín „Modernismo“ ( španělsky modernismo ). V Itálii se secesi původně říkalo „květinový styl“ ( italsky stile floreale ), později jí byl podle názvu londýnského obchodu a textilu, především v orientálním stylu, přiřazen termín „Liberty style“ ( italsky stile liberty ). stylu, které se prodávaly v tomto obchodě. V Belgii byla secese nazývána "úhořím stylem" ( holandština. paling stil ) nebo " stylem společnosti XX " ( holandština. Le Style des Vinght ) nebo "volnou estetikou" ( holandština. La Libre Esthétique ). Poslední dva termíny sloužily ke ztotožnění secese se stejnojmennými sdruženími umělců, což vyneslo Brusel do popředí nového uměleckého hnutí [3] .

Ruská umělecká kritika 20. století používala termín „nový styl“ ve vztahu k symbolismu a modernitě a umělecký kritik Vladimir Stasov , který o obojím mluvil negativně, je spojil pod společný název „dekadence“ [6] . V ruské umělecké literatuře se termín „moderní“ objevil ve 20. letech 20. století, v dílech Eduarda Starka („Staré divadlo“, 1922) a Alexeje Fedorova-Davydova („Ruské umění průmyslového kapitalismu“, 1929) [7] .

Někdy se termín „národní romantismus“ používá jako označení pro národní romantickou větev moderny , která je nejčastěji chápána jako architektonický styl Finska a skandinávských zemí konce 19. a počátku 20. širší smysl, označující všechny národní stylové proudy dobového historismu konce 19. století a moderny [8] . Například ve Švédsku termín „národní romantismus“ označuje umění a řemesla 70.–20. let 19. století, zatímco podle německého vzoru období 1895–1905, kdy umělecká kultura země nejvíce tíhla k západoevropské moderně, se označuje jako „secese“ [9 ] . Vznik ryze ruského termínu „severní moderna“ [K 2] byl spojen s pojmem „národní romantismus“ . Poprvé se objevil v diplomové práci Vladimíra Lisovského v roce 1966; Lisovsky navrhl používat termín Andrey Punin . Pod „severní modernou“ byla míněna národně-romantická větev moderny ve Skandinávii a Finsku, stejně jako její oblastní větev v Petrohradě [10] .

Teoretické koncepty secese

Otázka předmětu pojmu „moderní“ je kontroverzní. historik umění Martin Eidelberg

Problém přesného definování secese je dlouhodobou debatou. Je secese vyhraněným stylem, nebo představuje obecný trend k obnově umění na přelomu století? Tato kontroverze sahá až do Bingovy vlastní doby. Bing se domníval, že pojem „secese“ znamená pouze hledání nového stylu. Historie jeho galerie však ukazuje, že ačkoli zpočátku neexistoval jasný koncept [nového stylu], když začínal v roce 1895, v roce 1900 se již situace změnila a Byng se usadil na extrémně soudržném designu, jehož hlavními prvky byly převzato z výrazu Van de Veldeho abstraktního, lineárního stylu. Kritici skutečně vždy zmiňují styl bičování, když se pokoušejí definovat „vysokou secesi“, a teprve potom, jako by se neuráželi, zmiňují jiné umělecké formy. V důsledku toho zůstává otázka přesné definice matoucí. Estetiku Guimarda a Gallea lze popsat jedním termínem pouze tehdy, pokud tento termín označuje spíše chronologické období než jeden styl. Pokud se však rozhodneme, že pojem secese by měl označovat pouze chronologické období, zůstává nevyřešen další problém – jak pojmenovat a pojmout ty styly, které v tomto období vznikly.

— Martin Eidelberg, 1989 [11]

Problémy identifikované Eidelbergem lze ilustrovat pokusem definovat modernitu prostřednictvím teoretických esejů Henriho van de Velde: umělcovy názory na moderní umění pomáhají pochopit „geometrický“ koncept stylu v německy mluvících zemích, ale pokud je tento koncept přísně dodržován, pak Gaudí vypadne z okruhu moderních umělců. V tomto ohledu norský historik umění Stefan Tschudi-Madsen jako jeden z prvních v roce 1967 poznamenal, že secese je vlastně celá řada stylů, které se v různých částech Evropy lišily svou originalitou, ale byly stejné ve svých základních principech [12] .

V ruské historiografii se vyvinulo několik výkladů a teoretických konceptů „moderního umění“. První, akademický a nejběžnější, si nárokuje termín „moderní“ jako název určitého uměleckého stylu , který se v daném chronologickém období rozšířil. Takový přístup navrhl zejména D. V. Sarabyanov v knize „Moderní styl“ (1989), aniž by uvedl přesvědčivý teoretický argument. Potíž spočívá v tom, že v tomto krátkém, ale intenzivním období uměleckého života vedle sebe existovaly různé stylové směry, umělecké školy a tvůrčí spolky. Obsahově i formami se od sebe výrazně lišily, což odporuje obecné definici stylu v umění.

Odlišné pojetí hájil G. Yu. Sternin , založený na skutečnosti, že hlavním obsahem kultury moderní doby byla „touha syntetizovat různé zdroje, často protichůdné metody a styly, rozmanitost, formy a techniky“ [13 ] . G. Yu. Sternin učinil logický závěr, že „modernímu umění nelze porozumět pouze popisem jeho obecných, stylových rysů... Navzdory jisté plastické řeči... nejde pouze o styl umění, ale především o životní styl“. „Moderní“ jako vědecký termín „je vhodnější řadit nikoli k čistě stylistickým kategoriím, ale k tak historickému a kulturnímu pojetí jako je biedermeier... Můžeme říci, že biedermeier a secese jsou začátkem a koncem celé jedné historické fáze romantismu“ [14] .

Badatelé architektury V. S. Goryunov a M. P. Toubli k tomuto problému přistoupili ještě radikálněji : „Umění, které bylo relativně nedávno nazýváno dekadentním, nabývá stále zřetelněji na významu etapy, která završuje grandiózní cyklus vývoje evropské kultury, který začal zpátky ve starověku. Není pochyb o tom, že pokus na přelomu století o zobecnění estetické zkušenosti lidstva, o syntézu uměleckých tradic Západu a Východu, antiky a středověku, klasicismu a romantismu byl doprovázen a do jisté míry rozsahu, byl generován fenoménem úpadku, krizí systému vědeckých, estetických a etických hodnot“ [15] . Tato slova odrážejí nadšení a idealistickou náladu té doby. Mnohým se zdálo, že před jejich očima vzniká zcela nové umění, proto pojem „moderní“. „Jsme hřebenem stoupající vlny,“ napsal V. Ja Brjusov, iniciátor symbolismu v ruské poezii „stříbrného věku“ [16] .

Estetické a umělecké myšlenky secese

Hlavní uměleckou myšlenkou, která dominovala tomuto období, byla antieklektická orientace, touha překonat chaos eklekticismu v umění předchozí doby, hledání harmonie mezi uměním a životem v průmyslové éře. Mistři secese usilovali o spojení umělecké a užitné funkce vytvořených děl, o zapojení všech sfér lidské činnosti do sféry krásy, o realizaci myšlenek „proměny života prostřednictvím uměleckých prostředků“. V tomto navazovali na tradice romantismu a symbolismu . Charakteristickým rysem období secese byl rozkvět uměleckých řemesel a rostoucí zájem o nové technologie. Symbolismus byl jedním z proudů umění moderní doby a do značné míry i jeho ideovým základem, i když ne jediným. Svědčí také název „Stříbrný věk“ nebo francouzský výraz „belle époque“ („krásná éra“), který se k tomuto období ruské kultury vázal.

V novověku došlo k rychlému, radikálnímu přehodnocení starého a objevování nových uměleckých forem a technik, sbližování a prolínání různých druhů a žánrů umění. Secesní umělci, usilující o „velkou syntézu“ a „velký styl“, směle porušovali obvyklé normy a hranice. Německý výraz "Jahrhundertwende" ("přelom století") v tomto ohledu, jak poznamenala A. A. Rusáková , lépe definuje obsah období než běžněji užívaný francouzský "fin de siècle" ("konec století") [17] .

Touha po celistvosti je hlavním cílem umění období secese. Různorodost uměleckých forem a složitost přechodné doby, její krátké trvání přitom neumožnily plně realizovat princip celistvosti ve všech dílech. Obraz tehdejšího vývoje umění komplikuje skutečnost, že v novověku existovala díla nejen v „moderním stylu“. V architektuře nadále vznikaly kompozice v duchu historismu a stylizací v souladu s národně-romantickým hnutím [18] .

Prehistorie moderny

Formování nové estetiky bylo ovlivněno myšlenkami předchozí etapy vývoje západoevropského umění: William Morris a hnutí Arts and Crafts , stejně jako koncept „ jednoty umění “ ( německy Gesamtkunstwerk ), který implikuje nikoli syntézu různých druhů umění, ale organickou a holistickou interakci v jedné kompozici prvků architektury, světla, barev a hudby [19] .

F. Webb, W. Morris a zaměstnanci Arts and Crafts. " Červený dům ". 1859. Velký Londýn , Anglie
K. Hokusai. Červená Fuji. Barevný dřevoryt ze série "Třicet šest pohledů na Fuji". OK. 1830
W. Morris. Vzor tapety s listovým ornamentem. 1875. Muzeum Viktorie a Alberta, Londýn
W. Crane. Tapeta "Labuť a kosatec". 1883
A. McMurdo. Obálka knihy "Městské kostely K. Wrena". 1883

Základní principy „nového umění“ (secese) úspěšně realizoval umělec a teoretik Henri Van de Velde v tzv. „květinovém stylu“ (založeném na stylizaci rostlinných forem a zakřivených liniích) a v „ symbolický koncept kreativity“ vyvinutý jím. Na secesní styl navázali Henri Obrist, Hector Guimard , který se proslavil mřížemi stropních vstupů do pařížského metra, Victor Horta , Louis Majorelle , Victor-Emile Prouvé .

Další, „geometrický trend“ se zformoval v Rakousku, v tzv. vídeňské moderní škole Otty Wagnera , jeho žáků a následovníků: Josefa Hoffmanna , Josefa Olbricha , Jana Kotery a dalších, stejně jako Adolfa Loose , který prosazoval slavné slogan "Forma bez ozdob". K formování nové estetiky významně přispěli účastníci vídeňských workshopů (Wiener Werkstätte).

Samostatné místo zaujímá francouzská škola Nancy : díla slavného Emila Galleho a bratří Domů , stejně jako dílo Charlese Rennieho Mackintoshe a Glasgow School v jeho čele .

V severních zemích: Švédsko, Finsko, pobaltské země Estonsko, Lotyšsko, severní Německo se rozvinula takzvaná severní moderna , kterou odborníci připisují národnímu romantickému hnutí, protože v tomto umění se konstruktivní inovace spojují s národními a lidovými. témata a motivy [20] [21 ] .

Podobný stylový trend se ve stejném období vyvinul v architektuře Petrohradu , ale odborníci jej nepřipisují národnímu romantismu, protože byl živen vnějšími zdroji a „novoruský styl“ nahradil národní romantiku. pohyb [22] [23] .

Národně-romantické proudy v moderním umění různých zemí se živily lidovými, včetně literárních folklorních zdrojů. Odtud název „lidový styl“ ( lat. vernaculus – domorodec). Znatelný vliv na formování kultury evropského modernismu mělo orientální umění, především Japonsko , které se na Západě stalo dostupným s počátkem éry Meidži - barevné dřevoryty, objevené impresionisty a poté W. Van Goghem , tzv. japonismus , dále obrazy z čínského porcelánu a hedvábných látek. Pod vlivem orientálního umění se formovalo dílo původního umělce Jamese Whistlera .

S orientálním uměním obchodoval v Paříži jeden z iniciátorů nového uměleckého hnutí Siegfried Bing , který otevřel obchod China Gate (La Porte Chinoise), ve kterém začal prodávat umělecká díla z Číny a Japonska. V prosinci 1895 vytvořil Bing v Paříži svou slavnou galerii "Dům nového umění" (Maison de l'Art Nouveau), ve které vystavoval nejen výrobky ze zemí Východu, ale také díla mladých francouzských umělců v " nový styl". Název obchodu byl spojen se stylem nového francouzského umění: „Art Nouveau“ [24] . Galerie vystavovala keramiku a sklo, nábytek, látky z dílny Williama Morrise , šperky vedoucí školy Nancy Emile Galle , dále Louis Comfort Tiffany , Henri Van de Velde Eugène Grasse , Edvard Colonna, René Lalique , umělci skupiny Nabis Pierre Bonnard , Jean-Edouard Vuillard , Henri de Toulouse-Lautrec , Nor Edvard Munch , anglický umělec Frank Brengvin . V galerii vystavovali svá díla Auguste Rodin a Constantin Meunier . Reklamní brožury tvrdily, že „Dům nového umění“ byl navržen tak, aby překonal eklekticismus a špatný vkus v domácnostech Pařížanů a vštípil skutečnou krásu každodennímu životu. Proměna života pomocí umění je hlavní myšlenkou moderní kultury.

V Anglii a poté ve Francii a Itálii otevřel stejný obchod Arthur Lasenby Liberty , z jehož příjmení pochází jedno z názvů západoevropské secese: „liberty style“.

A. Obrist. Cyclamen. 1895. Tapiserie, přezdívaná "Úder metly." Městské muzeum, Mnichov
A. Van de Velde. Salátová mísa. 1903-1904. Porcelán. Míšeň
E. Guimard. Pohovka. Musee d'Orsay, Paříž
E. Guimard. Váza. 1899. Fajáns
E. Guimard. Vstup do metra. Nádraží Abbes. Paříž
E. Guimard. Kartuš vchodu do pařížského metra. OK. 1900
Palác Stoclet . 1905-1911. Brusel, Belgie. Architekt J. Hoffman

Hlavní etapy vývoje moderního umění

Obvykle existují tři hlavní fáze ve vývoji moderního umění:

1890 - 1900 let . Hledání nových forem a celistvosti kompozice na základě jednoho formativního prvku: častěji zakřivená linie „úderu metly“ nebo stylizace rostlinných forem;
1900-1905 . _ Symbolická fáze, přechod k lakonickým formám, zobecněná plasticita a rytmus jednoduchých geometrických objemů;
10. léta 20. století . Posílení neoklasických tendencí a vznik premis konstruktivismu [25] .

V první fázi vývoje umění „nového stylu“, podle sloganu A. Van de Veldeho: „Zpět k přírodě“, se umělci snažili osvobodit od přemíry dekorace , která je vlastní eklekticismus " viktoriánského stylu ", druhé empírové , novobarokní a " novorenesanční ". Ve druhé etapě přešli modernističtí architekti k holistickému návrhu budovy „zevnitř ven“ (dříve dominoval opačný způsob samostatného řešení fasády přidáním prvků různých stylů podle principu „vrstvového dortu“). . Zároveň došlo k oživení staré tradice, kdy architekt vše dokreslil „do posledního hřebíku“: od generálního náčrtu budovy až po nákresy klik dveří, okenních rámů, lamp a krbů. Kromě toho může být jako hlavní formativní motiv zvolen jakýkoli zvlnění nebo jiný malý prvek. Dominantním motivem-symbolem by se tak mohl stát například vzor ventilační mřížky, který se jako ozvěna opakoval v jiných podobách a v kompozici celku. To dalo trochu mystiky, tajemství a zachránilo „moderní styl“ před přílišnou racionalitou. Proto ani abstraktní dekorativní kompozice znázorňující smyčkový zahnutý brambořík na tapisérii Henriho Obrista (1895) – linie nazývaná kritiky „scourge strike“ – nepůsobí uvolněně, ale plná konstruktivního napětí. V dílech Hectora-Germaina Guimarda - návrhu vstupů do pařížského metra (1898-1904) - je charakteristický "organogenní" začátek, měnící kovové konstrukce ve složitě zakřivené stonky a květy nevídaných rostlin. Biologicky podobné květinové formy zábradlí pařížského metra, vytvořené Guimardem, odpovídaly vkusu nového stylu do té míry, že secesní umění v Paříži bylo svého času nazýváno „styl metra“ nebo „Guimardův styl“. “. V letech 1892-1899 postavil belgický architekt Victor Horta v Bruselu několik budov, které se proslavily v dějinách architektury: sídla Solvay, Tassel, Van Evelde, "Stará Anglie" a svůj vlastní dům (Atelier Horta). Prvky stavební struktury v Hortových budovách splývají se složitě zakřivenými dekoračními liniemi: struktura se plynule přeměňuje ve formu a forma v dekor na rovinách nebo zakřivených plochách.

"Nový styl" se vyvíjel tak intenzivně, že v poměrně pozdním díle Victora Horty - "Lidový dům" v Bruselu (1896-1899) se stávají výraznějšími prvky konstruktivismu. Architekt své krédo definoval takto: „Chci vyjádřit plán a konstrukci budovy v průčelí tak, jak to bylo v gotice, a stejně jako gotika odhalit materiál a zobrazit přírodu ve stylizovaném dekoru“ [ 26] .

V závěrečné fázi vývoje moderní kultury v architektuře neoklasicismus , neoklasický směr, tzv. „moderní klasicismus“, racionalismus , na jehož základě vznikl funkcionalismus a konstruktivismus, a také symbolický směr, reprezentovaný tzv. dílo Ericha Mendelssohna , jeho následovníků, a Antonia Sant'Elia , předzvěsti futurismu .

Vývoj secese v různých zemích

V řadě evropských zemí působili jednotliví mistři i sdružení umělců v mezích moderní estetiky: Exhibition Society of Arts and Crafts ( 1888 ) ve Velké Británii, World of Art ( 1890 ) v Rusku [27] , Drážďany a Mnichov „Spojené umělecko-řemeslné dílny“ ( 1897 ), „ Škola Nancy “ ( 1901 ) ve Francii, „ Vídeňské dílny “ ( 1903 ) v Rakousku, „ Německé dílny “ ( 1907 ) v Německu.

Vývoj secese ve Velké Británii

Secesní kultura se zformovala brzy ve Velké Británii, v myšlenkách hnutí Arts and Crafts , vytvořeného v 60. letech 19. století a mezinárodního uznání dosáhla v 80. letech 19. století . Hnutí volalo po oživení umění a řemesel, čerpalo inspiraci ze středověkých řemesel a přírody. [28]

McMurdovo dílo, slavné mahagonové křeslo a obálka knihy „City Churches of Rennes“, vytvořené v letech 1881 a 1883, patří mezi první díla „nového anglického stylu“ [29]

Dalším významným inovátorem ve Spojeném království byl Aubrey Beardsley, jehož kresby a grafické práce obsahovaly zakřivené linie, které se staly nejrozpoznatelnějším rysem stylu.

Při vývoji stylu byla důležitá i práce britských grafiků Waltera Cranea a Charlese Ashbyho . [třicet]

Obchodní dům Liberty's v Londýně sehrál důležitou roli v rozvoji umění a řemesel, a to díky předmětům vytvořeným speciálně pro prodej v obchodě umělcem Archibaldem Knoxem pro různé účely: textilie s barevnými stylizovanými květinovými vzory, stříbro, cín a šperky, ve kterém se tvary a použité materiály zcela „vymykají“ historickým tradicím šperkařského designu.

Pro secesní architekturu a design nábytku byl nejdůležitějším centrem rozvoje v Británii Glasgow, vedený Charlesem Rennie Mackintoshem a Glasgow School , kterou vytvořil , jejíž tvorba byla ovlivněna stylem skotských baronů , japonským uměním a vídeňskou secezí . [31] McIntosh vystavoval své návrhy na mezinárodních výstavách v Londýně, Vídni a Turíně. Mezi jeho architektonické výtvory patřila budova Glasgow Herald ( 1894 ) a knihovna Glasgow School of Art (1897). Prosadil se také jako návrhář nábytku a dekoratér, úzce spolupracoval se svou ženou Margaret Macdonald Mackintosh . Společně vytvořili zářivé návrhy, které kombinovaly geometrické rovné linie s jemně zakřivenými květinovými ozdobami.

Leon-Victor Solon významně přispěl k rozvoji keramiky v secesi. Specializoval se na plakety a trubkové vázy, stejně jako vývoj textilních vzorů. [32]

Předseda, Arthur McMurdo , 1881
Ilustrace k filmu Žabí král, Walter Crane , 1874
Rose White a Rose Scarlet, Margaret MacDonald Mackintosh , 1902
" Glasgow School of Art " , Charles Rennie Mackintosh , Glasgow , Skotsko , 1909

Vývoj secese v Belgii

Belgie byla raným centrem secesního rozvoje, a to především díky architektovi Victoru Hortovi, který navrhl jeden z prvních secesních domů, sídlo Tassel, které je jednou z nejznámějších dominant tohoto stylu [33] [34] , stejně jako tři další sídla v novém stylu. Všechny z nich jsou nyní světovým dědictvím OSN. Horta měl silný vliv na tvorbu mladého Hectora Guimarda, který se přišel podívat na budované sídlo a později tvrdil, že Horta byl „vynálezcem“ secese. Při navrhování fasád a interiérů Horta použil hojnost skla k rozšíření otevřeného prostoru a osvětlení místností světlem a železo k ozdobení sloupů a zábradlí zakřivenými vegetativními formami. Orta navrhoval také návrhy nábytku a koberců.

Paul Ankar byl dalším průkopníkem bruselské secese. Jeho vlastní dům , postavený v roce 1903, ve stejném roce jako Tasselovo sídlo, měl na fasádě sgrafitovou fresku . Dílo Ankary bylo silně ovlivněno myšlenkami Viollet-le-Duc a anglickým hnutím „arts andcrafts“. Jeho konceptem bylo spojit umění a řemesla a výtvarné umění do celku. Pověřil sochaře Alfreda Cricka a malíře Adolfa Crespina , aby svými pracemi vyzdobili fasády domů. Nejpozoruhodnějším příkladem byl dům a ateliér postavený pro malíře Alberta Ciamberlaniho v Bruselu, pro kterého vytvořil barevnou fasádu pokrytou sgrafity s malovanými postavami a ornamenty, která obnovila dekorativní architekturu Itálie 15. století . Ankarské dílo získalo uznání po jeho smrti v roce 1901. [35]

Dalším významným bruselským architektem byl Gustave Stroven , před zahájením vlastní praxe v 21 letech byl asistentem Horty.Jeho nejznámějším dílem je Maison Saint-Cyr v Bruselu. Se šířkou pouhých čtyř metrů je od shora dolů kompletně zdoben zahnutým ornamentem, ve stylu secese-baroka.

Dalšími významnými mistry belgické secese byli architekti Henry van de Velde, dekoratér Gustave Serruzier-Bovy a grafik Fernand Khnopf . [36] [37] .

Mansion Tassel . 1893. Victor Horta , Brusel , Belgie
Ankarský dům . 1903 Paul Ankar , Brusel , Belgie
Dům Saint-Cyr . 1901-1903. Gustave Stroven , Brusel
Nábytek z vily Blumenwerf . 1895. Henri Van de Velde

Vývoj secese ve Francii

Po světové výstavě v roce 1900 se Paříž stala „hlavním městem“ secese. Nejextravagantnější budovy navrhl architekt Jules Lavirot , jehož fasády byly kompletně pokryty keramickou sochařskou výzdobou. Nejpozoruhodnějším příkladem jeho práce je Lavirottiho dům . Kancelářské budovy a obchodní domy měly vysoké dveře pokryté barevným sklem a keramickým obložením. Styl byl oblíbený zejména v designu interiérů restaurací a kaváren.

Status Paříže přitahoval do města zahraniční umělce. Umělec švýcarského původu Eugène Grasse byl jedním z prvních tvůrců francouzských secesních plakátů. Podílel se na návrhu interiéru kabaretu "Černá kočka" ( fr. Le Chat Noir ) v roce 1885, vytvořil také plakáty pro pařížskou výstavu a plakát pro Sarah Bernhardt . V roce 1896 vytvořil Theophile-Alexandre Steinlen slavný plakát pro kabaret Černá kočka. Český umělec Alphonse Mucha přijel do Paříže v roce 1888 a v roce 1895 namaloval v renesančním Théâtre plakát ke hře Victora Sardoua Gismonda . Úspěch tohoto plakátu vedl ke smlouvě na výrobu plakátů k dalším šesti hrám Sarah Bernhardtové.

Město Nancy v Lotrinsku se stalo druhým hlavním městem secese ve Francii. V roce 1901 byla založena provinční aliance uměleckého průmyslu, známá také jako „ škola Nancy “, která se věnovala prolomení hierarchie – malířství a sochařství by měly být umístěny výše než umění a řemesla. Hlavními představiteli školy byli: Emile Galle , Louis Majorelle , Henri Sauvage a další.

Francouzský styl byl široce šířen prostřednictvím časopisů, včetně Studio, Art and Ideas ( francouzsky: Arts et Id'es ) a Art and Decoration ( francouzsky: Art et D'coration ), jejichž fotografie a barevné litografie tento styl proslavily po celém světě. svět.

Ve Francii dosáhl tento styl svého vrcholu v roce 1900 a poté rychle vyšel z módy a v roce 1905 z Francie prakticky zmizel. Secese byl luxusní styl, který vyžadoval výrobu vysoce placených řemeslníků a předměty vyrobené v tomto stylu nemohly být tak snadné a levné jako sériově vyráběné předměty. Jedním z mála secesních předmětů, které byly v té době sériově vyráběny, byly flakonky parfémů René Lalique, které se ve velkém stylu sériově vyrábějí dodnes.

Plakát " Gismonde ". 1894-1895. Alfonse Muchy
Váza s liliemi. Emile Galle
Křeslo. 1900. Louis Majorelle
Villa Majorelle . 1901-1902. Henri Sauvage , Nancy , Francie

Vývoj secese v Německu

Secese v Německu vznikla mezi různými sdruženími avantgardních umělců, architektů a řemeslníků, jako byla Darmstadtská umělecká kolonie , Mnichovská secese , Berlínská secese , Werkbund a další. Centry vývoje stylu v Německu byla města: Mnichov , Darmstadt , Karlsruhe , Norimberk , Lipsko , Berlín , Hagen atd.

Německá secese je známá jako Jugendstil ( německy: Jugendstil - „Mladý styl“). Název pochází z názvu uměleckého časopisu Jugend, který vycházel v Mnichově . Publikaci založil v roce 1896 Georg Hirt , který zůstal redaktorem časopisu až do své smrti v roce 1916 . Publikace vycházela do roku 1940 . Na počátku 20. století se časopis věnoval výhradně umění. [38] Později si termín Jugendstil vypůjčily další země Pobaltí a severní Evropy , aby pojmenovaly styl v těchto zemích. [39]

V roce 1892 zvolil Georg Hirt pro sdružení mnichovských umělců název Mnichovská secese. Vídeňská secese a Berlínská secese si vypůjčily své názvy od názvu mnichovské skupiny. Významnými účastníky rozvoje modernity v Německu byly: časopisy „Jugend“ a „ Simplicissimus “ ( německy Simplicissimus ), vydávané v Mnichově, jakož i časopis „ Pan “ ( německy Pan ), vydávaný v Berlíně.

Otto Eckmann byl jedním z nejznámějších německých umělců spojených s časopisy Jugend a Pan. Stejně jako jeho předchůdci v Británii se zajímal o japonské umění, ale zvláště ho zajímalo plošné znázornění přírodních motivů. Jeho oblíbené zvíře, labuť, se stalo jedním z leitmotivů secese.

Jugendstil kombinoval klikaté křivky s geometrickými liniemi, které byly použity k návrhu obálek knih, reklam a výstavních plakátů. Návrháři často vytvářeli originální styly písma, které harmonicky splývaly s obrázky, jako je písmo Arnolda Böcklina z roku 1904 .

V roce 1899 byla Darmstadtská umělecká kolonie založena Ernestem Ludwigem , který postavil dům velkovévody a také největší budovu kolonie, Svatební věž. Slavnými členy kolonie byli Joseph Maria Olbrich - jeden ze zakladatelů vídeňské secese, Peter Behrens a Hans Christiansen .

Další pozoruhodný odbor v Německu byl “ Deutsche Werkbund ” ( Němec: Deutscher Werkbund ), založený v 1907 v Mnichově na podnětu Hermanna Muthesius . V letech 1896 až 1903 působil Muthesius v Anglii, kde studoval architekturu tradičního anglického domu a měl blízko k myšlenkám hnutí Arts and Crafts. Pod vlivem výdobytků nového anglického umění, racionalistické architektury a děl glasgowské školy Charlese Macintoshe měl Muthesius myšlenku nové unie. Zakladateli Werkbundu byli: Peter Behrens - jeden ze zakladatelů průmyslového designu, Theodor Fischer , Joseph Hoffmann , Wilhelm Kreis , Max Lauger , Adelbert Niemeyer , Joseph Maria Olbrich , Bruno Paul , Richard Riemerschmid , Jacob Julius Scharvogel , Paul Schulze- Naumburg , Fritz Schumacher .

Obálka časopisu " Jugend " ze dne 30. května 1896, 1896
Svatební věž , Josef Olbrich , 1908
Budova továrny na turbíny AEG , Peter Behrens , 1908-1909
Villa Lindenhof v Gerrlingen, Richard Riemerschmidt , 1904-1906

Vývoj secese v Rakousko-Uhersku

Rakousko

Viz také Vídeňská secese

Vídeň se stala centrem samostatné varianty secese, která je známá jako „ vídeňská secese “. Hnutí převzalo svůj název od názvu Mnichovské secese, vytvořené v roce 1892 . Vídeňská secese byla založena v dubnu 1897 skupinou umělců, která zahrnovala Gustava Klimta , Kolomana Mosera , Josefa Hoffmanna , Josepha Maria Olbricha , Maxe Kurzweila , Ernsta Störiho aj. [40] Vůdcem hnutí se stal Gustav Klimt. Nové hnutí protestovalo proti konzervativní historizující orientaci vídeňského Künstlerhaus , oficiálního sdružení umělců. Secession založil časopis „ The Sacred Spring “ ( latinsky Ver Sacrum ), aby propagoval jeho práci. [41] Joseph Maria Olbrich navrhl kupolovou budovu „ Secese “ v novém stylu, která se stala výkladní skříní díla Gustava Klimta a dalších umělců tohoto hnutí.

Klimt byl nejslavnější z umělců zapojených do hnutí. V jeho dílech se setřela hranice mezi jemnou a dekorativní malbou. Dalším významným členem hnutí byl Koloman Moser. Byl mimořádně všestranným mistrem secese – jeho práce zahrnovala ilustrace časopisů, architektonické návrhy budov, stříbro, keramiku, porcelán, textil, vitráže a nábytek.

Nejznámějším architektem vídeňské secese byl Otto Wagner [42] , který se k hnutí přidal krátce po jeho vzniku, aby následoval své studenty Hoffmanna a Olbricha. Mezi jeho hlavní projekty patřilo několik stanic na městské železniční síti, stanice Karlsplatz – v současnosti výstavní síň vídeňského muzea atd.

V roce 1899 se Joseph Maria Olbrich přestěhoval do Darmstadtské umělecké kolonie a v roce 1903 založili Koloman Moser a Joseph Hoffmann Vídeňské dílny , učiliště a dílnu pro návrháře a řemeslníky nábytku, koberců, textilu a dekorativních předmětů. [43] V roce 1905 se od vídeňské secese oddělili Koloman Moser a Gustav Klimt, později v roce 1907 také Koloman Moser opustil Wiener Werkstütte a její další zakladatel Joseph Hoffmann vstoupil do německého Werkbundu. Gustav Klimt a Joseph Hoffmann pokračovali ve spolupráci, v roce 1908 uspořádali výstavu ve Vídni a postavili Stocklet Palace v Bruselu (1905-1911), který předjímal počátek modernistické architektury . [44] [45] V roce 2009 byl zapsán na seznam světového dědictví OSN.

Judith a Holofernes , Gustav Klimt , 1901
" Venuše v jeskyni ", Koloman Moser , 1915
" Kostel sv . Leopolda v nemocnici Otto Wagnera " , Otto Wagner , Vídeň , Rakousko 1904-1907
" Výstavní síň vídeňské secese " , Josef Olbrich , Vídeň , Rakousko 1897-1898

Maďarsko

Průkopníkem maďarské secese byl architekt Ödön Lechner , jehož projekty znamenaly přechod od historismu k maďarské verzi secese. [46] Charakteristickým rysem jeho architektury bylo použití keramiky a maďarských motivů. Ve svých dílech používal pygorgranit, který se vyráběl v porcelánce Zsolnay a používal se při stavbě budovy maďarského parlamentu a při restrukturalizaci Matyášova kostela. Mezi Lechnerova díla patří také Uměleckoprůmyslové muzeum, Geologický ústav a muzeum a budova Poštovní spořitelny. [47] Kvůli odporu vůči maďarskému architektonickému establishmentu však po počátečních úspěších nemohl Lechner následně přijímat stavební zakázky srovnatelné s původními stavbami. Lechnerovo dílo však dále inspirovalo další generaci architektů a sehrálo hlavní roli v popularizaci nového stylu.

Dalším významným architektem byl Kara Kosh , který byl následovníkem Johna Ruskina a Williama Morrise. Kosh použil jako vzor pro své návrhy finské hnutí národního romantismu. [48] Některé z jeho staveb: kostel v Zebegeni, pavilony budapešťské zoologické zahrady a Národní muzeum Székely v Shepshisentdörde.

Hnutím, které podporovalo maďarskou uměleckou secesi, byla umělecká kolonie Gödöllő , založená v roce 1901 Aladarem Körösföy-Krishem , profesorem na Škole užitých umění , rovněž stoupencem Ruskina a Morrise. [48]

Člen umělecké kolonie Gödölle [49] Mikga Roth se podílel na několika projektech hnutí, včetně paláce Gresham (vitráže, 1906) a banky Török (mozaika, 1906), a také vytvořil mozaiky a vitráže pro Palác kultury (1911–1913) v Marosvasarhei .

Slavný designér nábytku Eden Farago ve své tvorbě spojil tradiční a orientální architekturu a také malebný směr moderny. Pal Horthy , další maďarský designér nábytku, představil ve své práci mnohem střídmější a funkčnější styl. Jeho práce byla provedena v dubu s jemnými vzory v ebenu a mosazi.

" Muzeum užitého umění " , Eden Lechner , Budapešť , Maďarsko , 1893-1896
" Geologické muzeum " , Eden Lechner , Budapešť , Maďarsko , 1896-1899
" Centrální spořitelna " , Eden Lechner , Budapešť , Maďarsko 1899-1902
" Kostel sv . Laszlo " , Eden Lechner , Budapešť , Maďarsko 1894-1896

Česká republika, Slovensko, Slovinsko, Halič

Nejplodnějším slovinským architektem byl Cyril Metod Koch . [50] Studoval u Otto Wagnera ve Vídni a v letech 1894 až 1923 působil v městské radě Laibach (nyní Lublaň , Slovinsko ). Po zemětřesení v Laibachu v roce 1895, v letech 1900 až 1910 [50] navrhl mnoho světských staveb v secesním stylu: Pogačnikův dům (1901), Chudenovu budovu (1901), budovu Farmer's Loan Bank (1906-07), obnovená budova Hauptmann (1904). Jeho kariéra vyvrcholila návrhem budovy úvěrové banky v Radmannsdorfu (nyní Radovljica ) v roce 1906. [50]

Nejznámější secesní stavby v Praze jsou ukázkou „totálního umění“ s originální architekturou, sochařstvím a malbou. [51] Hlavní nádraží (1901-1909) navrhl Josef Fanta , vyzdobeno malbami Václava Jansy , sochami Ladislava Szalouna a Stanislava Suchardy . Veřejný dům (1905–1912), se sochami Josefa Mařatky a Ladislava Šalouna, navrhli Oswald Polívka a Antonín Balšánek , výzdobu provedl slavný český umělec Alfons Mucha a později Mucha namaloval vitráže v kostele sv. Víta v jeho původním stylu. Polívka, Mařatka a Šaloun se současně podíleli na stavbě Nové radnice (1908-1911) spolu se Stanislavem Suchardou ,

Styl, který spojoval maďarskou secesi a národní architektonické prvky, byl charakteristický pro slovenského architekta Dušana Jurkoviće . Jeho nejoriginálnějšími díly jsou Kulturní dům v Šakolcích (dnes Skalica na Slovensku , 1905), budovy lázní v Luhačovicích (dnes Česká republika , 1901-1903). Stejně tak 35 vojenských hřbitovů u Nového Zmigrudu v Haliči (nyní Polsko ), z nichž většina je vytvořena se silným vlivem místního lemkovského (rusínského) lidového umění (1915-1917).

Veřejný dům , Alfons Mucha , Praha , Česká republika , 1912
Vitráže, Katedrála svatého Víta , Alfons Mucha , Praha , Česká republika
Keramický reliéf, Divadlo Viola , Ladislav Šaloun , Praha , Česká republika
Novoměstská radnice , Osvald Polívka , Praha , Česká republika , 1908-1912

Vývoj secese v Polsku

Polská verze „Secese“ byla jedním z mezinárodních trendů secese. Styl byl nejvíce rozvinut v Polsku v letech 1890-1910.

Hlavními centry polského modernismu byla města: Krakov , Lodž , Vratislav , Poznaň a Bydhošť . Varšava byla před začátkem 2. světové války také městem s velkým množstvím architektonických budov v secesním stylu, ale do dnešních dnů se jich zachovalo jen malé množství, neboť za války bylo město téměř zcela zničeno a většina budov byla ztracena.

Slavní polští architekti byli: Franciszek Monczynski , Tadeusz Stryienski , Ludwik Wojtychko , Slawomir Odzhivolsky , Benjamin Torbe , Romuald Miller , Viktor Myarchinsky a další.

Také polský směr moderny v architektuře byl doplněn architektonickým stylem Zakopane, který byl součástí polské moderny. Kromě toho lze budovy ve stylu vídeňské secese nalézt také v různých městech Polska.

Polští umělci převzali mnoho květinových a organických motivů secese. Polská secesní malba se soustředila především ve městě Krakov. Stanisław Wyspianski byl „hlavním“ secesním umělcem v Polsku. Jeho obrazy, divadelní projekty, vitráže a interiéry budov jsou nyní hojně vystaveny v Národním muzeu v Krakově .

"Mateřství", Stanislaw Wyspiansky , Polsko , 1905
" Staré divadlo v Krakově ", Franciszek Monczynski , Krakov , Polsko
"Technické a průmyslové muzeum", Tadeusz Stryienski , Franciszek Monczynski , Polsko ,
" Budova Eduarda Schulze " , Rudolf Kern , Bydgoszcz , Polsko , 1905

Vývoj secese v Nizozemsku

V Nizozemsku se na rozdíl od belgického zakřiveného a květinového trendu secese vyvinul další směr - konstruktivnější a funkčnější. Byl ovlivněn geometrickými a stylizovanými formami německého Jugentstilu a vídeňské secese.

Nejvýznamnějším nizozemským architektem a designérem nábytku byl Hendrik Petrus Berlage , který odsuzoval historické styly a obhajoval funkční architekturu. Napsal:

"Člověk musí bojovat s uměním iluze, rozpoznat lež, aby našel podstatu, ne iluzi."

[52]

Byl také fanouškem architektonických teorií Viollet-le-Duc, [52] který se snažil o přísnou funkčnost a respekt k přírodním formám dřeva, bez kroucení a kroucení kovu. Při výrobě nábytku použil jako příklad egyptský nábytek s pravými úhly. Jeho prvním a nejslavnějším architektonickým dílem byla budova Bers van Berlage Commodity Exchange v centru Amsterdamu ( 1896-1903 ), kterou postavil v souladu s principy konstruktivismu. Vše bylo funkční, včetně linií nýtů, které zdobily stěny. Do svých návrhů budov často zahrnul vysoké věže, aby byly lépe vidět. Tuto praxi používali i další secesní architekti té doby, včetně Josepha Maria Olbricha ve Vídni a Eliela Saarinena ve Finsku. [53] Dalším jeho slavným dílem byl American Hotel ( 1898-1900 ).

Dalšími významnými nizozemskými architekty byli Hermann Hendrik Baanders a Gerrit van Arkel . Dokončili návrhy budov Astoria (1904-1905) v Amsterdamu; nádraží v Haarlemu ( 1906-1908 ) a bývalá kancelářská budova Holland America Lines ( 1917 ) v Rotterdamu .

Významným secesním grafikem a ilustrátorem byl Jan Thorop , jehož tvorba inklinovala k mystice a symbolismu. V jeho práci v designu a barvě lze vysledovat vliv umění ostrova Jáva . [53]

Významnými mistry ve výrobě keramiky a porcelánu byli Jurrian Kok a Theo Colenbrander . Ve svých dílech použili barevný květinový vzor. Spolu s tradičními secesními motivy použili neobvyklé formy keramiky, kontrastující tmavé a světlé barvy, vypůjčené z batikovaných šperků Java. [54]

" Astoria " , Hermann Baanders , Gerrit Van Arkel , Amsterdam , Nizozemsko , 1905
" Amsterdamská burza " , Hendrik Petrus Berlage , Amsterdam , Nizozemsko , 1896-1903
" Železniční stanice v Haarlemu " , Herman Baanders , Gerrit Van Arkel , Haarlem , Nizozemsko , 1906-1908
" Holland America Line Building " , Hermann Baanders , Gerrit Van Arkel , Rotterdam , Nizozemsko , 1917

Vývoj secese ve Španělsku

Viz také katalánská moderna

Velmi originální verze secese se objevila ve Španělsku v Barceloně, přibližně ve stejnou dobu jako v Belgii a Francii. Říkalo se tomu katalánský modernismus. Budovy v novém stylu navrhlo více než 100 architektů, ale hlavními jsou tři architekti: Antonio Gaudi , Lluis Domènech i Montaner a Josep Puig i Cadafalch .

Nejznámějším představitelem katalánské secese byl Antoni Gaudí. Gaudi ve své práci hojně využíval květinové a organické formy, zejména v návrhu parku Güell . Architektura parku spojovala prvky hnutí Arts and Crafts, symbolismu, expresionismu a racionalismu a ovlivnila mnoho forem a technik architektury 20. století. [55] [56] [57]

Ve svých dílech: Pavilon Güell (1884-1887) a Park Güell (1900-1914) aplikoval novou techniku zvanou Trencadis . Jeho projekty Casa Batlo (1904–1906) a Casa Mila (1906–1912) měly úzkou stylistickou souvislost se secesí, ale hlavní dílo architekta , katedrála Sagrada de Familia , spojovalo prvky secese s novogotikou .

Kromě Gaudího dominantního postavení v Katalánsku byl Lluís Domènech y Montaner také významným architektem. Své stavby postavil i v Barceloně: Hrad tří draků (1888), Dům Lleo y Morera (1902-1906), Palác katalánské hudby (1905) a nemocnici Sant Pau (1901-1930). Všechny budovy jsou zařazeny na seznam světového kulturního dědictví OSN.

Další významnou postavou katalánské secese byl Josep Puig y Cadafalch, který navrhl Dům Martího , Dům Macaya , Dům Amatlerů , Palau del Bare de Quadras a další.

Kromě Katalánska ve Španělsku se secese rozvinula ve Valencii. Někteří z významných architektů jsou: Demetrio Ribes Marco , Vicente Pascual Pastor , Timoteo Briet Monto a José María Manuel Cortina Pérez . Valencijská secese se vyznačovala použitím keramiky ve výzdobě, a to jak ve fasádách a ozdobách, tak i použitím regionálních motivů.

Další variantou secese ve Španělsku byla Madridská varianta secese ( španělsky Modernismo madrileño ), s pozoruhodnými architektonickými budovami, jako je palác Longoria , kasino Madrid nebo Cementerio de la Almudena . Nejznámějšími madridskými architekty byli: José López Sallaberry , Fernando Arbos y Tremanti a Francisco Andrés Octavio .

Administrativní budova Park Güell , Antoni Gaudí , Barcelona , Španělsko , 1900-1914
Dračí brána v pavilonech Guell, Antoni Gaudí , Barcelona , Španělsko , 1884 - 1887
Hrad tří draků , Lluis Domenech i Montaner , Barcelona , Španělsko , 1887-1888
Dům Lleo y Morera , Lluis Domenech y Montaner , Barcelona , Španělsko , 1902-1906

Vývoj secese v Itálii

Art Nouveau v Itálii byla známá jako "Styl svobody". Styl dostal své jméno podle názvu obchodu - Liberty & Co, založeného v roce 1874 v Londýně britským podnikatelem a popularizátorem secese Arthurem Lasenby Liberty , který se specializoval na dovoz textilu a uměleckých předmětů z Japonska a Dálného východu, byly oblíbené zejména v Itálii.

Styl Liberty byl velmi odlišný od hlavních proudů secese a často navazoval na historické styly, zejména na baroko. Fasády domů byly často posety výzdobou a plastikami. Barevné fresky, malované nebo keramické, a sochy, uvnitř i venku, byly oblíbeným prvkem italské secese. Vsadili na klasická i květinová témata.

Nejvýznamnějším italským secesním designérem byl Carlo Bugatti . Jeho práce byly exotické, včetně stříbra, textilu a keramiky, ale nejvíce si ho pamatovali pro své inovativní návrhy nábytku, které byly poprvé představeny na veletrhu výtvarného umění v Miláně v roce 1888 . Jeho nábytek se často lišil konstrukcí a měl neobvyklé povrchové úpravy, včetně pergamenu a hedvábí a vykládání ze slonoviny.

Podobně známým italským secesním výtvarníkem byl Galileo Cini , který byl známý jako malíř a divadelní scénograf; navrhl výpravy pro dvě slavné Pucciniho opery Gianni Sicchi a Turandot . [58] [59] .

Stolička, Carlo Bugatti , c. 1895
Plakát k výstavě v Turíně 1902 od Leonarda Bistolfiho , 1902
Villino Florio , Ernesto Basile , Palermo , Itálie , 1899-1902

Vývoj secese v Rusku

Ruská varieta secese je velmi barevnou variantou secese, která se objevila v Moskvě a Petrohradu v roce 1898, počínaje publikací ruských umělců Alexandra Benoise a Léona Baksta v uměleckém časopise Mir Iskusstva . Následně publikace uspořádala výstavy předních ruských umělců jako Michail Vrubel , Konstantin Somov , Isaac Levitan , knižní ilustrátor Ivan Bilibin a další myšlenky ruského folklóru a pohádek. Největším přínosem „Světa umění“ k rozvoji secese bylo vytvoření nového baletního souboru „Russian Ballet“ v čele s Sergejem Ďaghilevem s kostýmy a kulisami navrženými Bakstem a Benoisem. Premiéra nového baletního souboru se konala v Paříži v roce 1909. V budoucnu se její představení konala každý rok až do roku 1913. Exotické a barevné sady navržené Benoistem a Bakstem měly velký vliv na francouzské umění a design. Kostýmy a kulisy byly reprodukovány v předních pařížských časopisech: „ Ilustrace “ ( fr. L'Illustration ), „ Pařížský život “ ( fr. La Vie parisienne ), díky nimž se ruský styl stal v Paříži známým jako styl a la Bakst. Baletní soubor zůstal v Paříži, nejprve v důsledku vypuknutí první světové války a poté ruské revoluce v roce 1917, a ironicky nikdy nevystupoval v Rusku [60] .

Z ruských architektů byl nejvýznamnějším architektem Fedor Shekhtel. Nejznámějším příkladem jeho práce je zámek Ryabushinsky v Moskvě. Byl postaven za peníze ruského obchodníka a majitele novin a poté se po ruské revoluci stal rezidencí spisovatele Maxima Gorkého, kde se v současnosti nachází jeho muzeum.

Jiní ruští architekti té doby vytvořili návrhy, které čerpaly z historické ruské architektury. Tyto stavby byly vytvořeny převážně ze dřeva a byly odkazem na architekturu Kyjevské Rusi. Některé příklady jsou Teremokův dům v Talaškinu (1901-1902) od Sergeje Maljutina a Percovův dům v Moskvě (1905-1907).

Petrohradský architekt Nikolaj Vasiliev před emigrací v roce 1923 postavil několik budov v různých stylech. Tyto stavby jsou nejpozoruhodnější pro kamenné řezby Sergeje Vaškova , který se inspiroval řezbami z 12. – 13. století v katedrále sv. Demetria ve Vladimiru a katedrále sv. Jiří v Urjevu-Polském .

Několik uměleckých kolonií v Rusku během tohoto období bylo postaveno ve stylu ruského obrození. Dva nejslavnější z nich se nacházely v Abramtsevo (financované Savvou Mamontovem ) a Talashkino (financované princeznou Marií Tenishevovou ). Jedním z příkladů ruské renesanční architektury je klášter Marfo-Mariinsky (1908-1912) od Alexeje Shchuseva , který byl aktualizovanou verzí klasické ruské pravoslavné církve. Později tento architekt paradoxně navrhl Leninovo mauzoleum v Moskvě.

Secese se živě projevila v Petrohradě, kde na Něvském prospektu vznikl dům Singer a obchod Eliseevsky . Secesní architektura v Rusku se vyznačovala přítomností obrovských panoramatických oken a náladových kovových dekorací funkčních detailů (lampy a zábradlí).

Izba Teremok, Sergey Malyutin , Talashkino , Rusko
Kostel Spasitele neudělaný rukama, Pavel Samarin , Abramtsevo , Rusko , 1881-1883
Dům firmy Singer , Pavel Syuzor , 1902 - 1904
Obchodní partnerství domu bratří Eliseev , Gavriil Baranovsky , 1902-1903

Vývoj secese v Lotyšsku

Riga , současné hlavní město Lotyšska , byla v období secese jedním z největších měst Ruské říše, kde se secesní architektura vyvíjela podle vlastní dynamiky. Styl se stal extrémně populární a ovládl město po lotyšské národopisné výstavě v roce 1896 a výstavě průmyslu a řemesel v roce 1901. Secesní budovy tvoří třetinu všech budov v centru Rigy, což z ní dělá město s nejvyšší koncentrací secesní architektury na světě. [61] . Množství a kvalita secesní architektury byla jedním z kritérií pro zařazení historického centra Rigy na Seznam světového kulturního dědictví UNESCO [62] .

V Rize existovaly různé varianty secesní architektury:

v eklektické (dekorativní) secesi byly nejoblíbenější květinové dekorace a dekorativní prvky inspirované přírodou. Příklady této variace jsou práce Michaila Eisensteina .
v kolmé variantě secese byly do vertikálních kompozic fasád integrovány geometrické ornamenty. V tomto stylu bylo postaveno několik obchodních domů v Rize.
Národní romantická secese byla inspirována místním lidovým uměním využívajícím přírodní stavební materiály.

Některé pozdější neoklasicistní budovy obsahovaly i secesní detaily.

Eklektická secese: Budova na Albert Street , Michail Eisenstein , Riga , Lotyšsko
"Vertikální" moderní: Ministerstvo školství, August Foltz , Riga , Lotyšsko
"National Romantic" Art Nouveau: dekorace dveří v budově, Konstantin Pekshens , Riga , Lotyšsko , 1908
Neoklasicistní styl s prvky secese, Paul Mandelstam , Riga , Lotyšsko , 1913

Vývoj secese ve skandinávských zemích

Modern byl populární ve skandinávských zemích, kde byl nazýván „ Severní modernou “, a zahrnoval v každé jednotlivé zemi svůj charakteristický romantický nacionalismus .

Finsko

Finsko bylo zemí s velkým množstvím architektonických staveb vyrobených v secesi, jejichž období rozvoje se shodovalo se zlatým věkem finského umění a národním probuzením země. Po pařížské výstavě v roce 1900 se Akseli Gallen-Kallela stal předním finským umělcem [63]

Na pařížské výstavě byli autory finského pavilonu Hermann Gesellius , Armas Lindgren a Eliel Saarinen. Pracovali spolu v letech 1896 až 1905 a vytvořili mnoho slavných budov v Helsinkách , včetně pojišťovací budovy Pohjola ( fin. Pohjola ) (1899–1901), Finského národního muzea (1905–1910) [64] a jejich společné rezidence Wittresque v Kirkkonummi (1902). Architekti se inspirovali skandinávskými legendami a přírodou. Hrubá žulová fasáda se stala symbolem stylu patřícího finskému národu [65] .

Dalším významným finským architektem, který ve Finsku vytvořil několik pozoruhodných děl, byl Lars Sonk . Mezi jeho hlavní díla patřila katedrála v Tampere (1902-1907), dům Jeana Sibelia (1903), sídlo Helsinské telefonní asociace (1903-1907) a další.

Norsko

Norsko , stejně jako Finsko z Ruské říše , usilovalo o nezávislost na Švédsku a místní verze secese byla spojena s obrodou inspirovanou vikingským lidovým uměním a řemesly.

Slavný norský umělec Lars Kinsarvik navrhl židle v tradičních keltských a vikingských uměleckých motivech.

Další norský umělec Gerhard Munte navrhl křeslo se stylizovanou dračí hlavou, znak starověkých vikingských lodí, a také vytvořil širokou škálu plakátů, obrazů a grafických prací. [66]

Norské město Ålesund je považováno za hlavní centrum secese ve Skandinávii, neboť bylo po požáru 23. ledna 1904 kompletně zrekonstruováno [67] . Budovy byly přestavěny v letech 1904 až 1907 podle urbanistického projektu inženýra Frederica Nessera . Fúze jednoty a rozmanitosti dala vzniknout stylu známému jako "Ol Steel". Budovy mají lineární výzdobu, která odráží secesi a obsahuje prvky vyrobené v lidových tradicích, jako jsou dřevěné kostelní věže nebo všívané střechy [67] .

Švédsko a Dánsko

Ve Švédsku a Dánsku byly významnými secesními stavbami Královské dramatické divadlo (1901–1908) ve Stockholmu [68] a bývalá městská knihovna (nyní Dánský národní obchodní archiv) v dánském Aarhusu (1898–1901) [69] . Hack Kampmann , v té době zastánce národního romantického stylu, vytvořil Aarhus Customs Building, Aarhus Theatre a Villa Kampen v Aarhusu. Nejznámějším dánským secesním designérem byl Georg Jensen . Baltská výstava v Malmö v roce 1914 byla poslední velkou ukázkou Jugentstilu ve Švédsku [70] .

Budova Národního muzea Finska , Hermann , Gesellius , Eliel Saarinen , Armas Lindgren , Helsinki , Finsko , 1905-1910
Villa Wittresque , Herman , Gesellius , Eliel Saarinen , Armas Lindgren , Kirkkonummi , Finsko , 1902-1903
Katedrála v Tampere , Lars Sonk , Tampere , Finsko , 1902-1907
Královské dramatické divadlo , Frederik Liljekvist , Stockholm , Švédsko , 1908

Vývoj secese v Rumunsku

Charakteristickým rysem rumunské secese byla přítomnost v architektuře reliéfních ornamentů s naturalistickými květinovými motivy, charakteristické pro školu Nancy, stejně jako motivy mořské fauny, jako jsou mušle a delfíni, které zdobily fasády budov. Rumunský obrozenecký styl, který byl přítomen v architektuře, nábytku a grafickém designu, obsahoval prvky secese.

Příkladem je jeden z bukurešťských domů - Dům Dinu Lipatti od Petra Antonesca , jehož ústředním motivem je vstupní oblouk, nad nímž je vysoký reliéf vyvedený ženský maskaron. Dalšími příklady secesní architektury v Bukurešti jsou městské domy, které mají okna ve tvaru podkovy nebo jiného tvaru nebo secesní dekorace, a dům Romula Porescu , který má v rohových oknech vitráže z egyptského obrození. Některé novobarokní budovy v Bukurešti jsou provedeny se secesními nebo novorokokovými prvky , včetně Bukurešťské hvězdárny , č.p. [71] Casino of Constanta je pravděpodobně nejznámějším příkladem secese v Rumunsku.

Jedním z nejznámějších rumunských umělců byl Stefan Lucian , který přijal inovativní a dekorativní secesní trendy. Tento okamžik se shodoval se založením Ilean Society v roce 1897, jehož byl jedním ze zakladatelů. V roce 1898 uspořádala společnost v hotelu Union výstavu s názvem „ Výstava nezávislých umělců “ a vydávala časopis Ileana . [72]

Také příklady secesní a rumunské obrozenecké architektury lze nalézt v Transylvánii, jejíž první příklady pocházejí z éry Rakouska-Uherska. Většina se nachází ve městě Oradea , přezdívaném „hlavní město secese Rumunska“, a také v Temešváru , Târgu Mureș a Sibiu . [73] [74] [75]

Casino of Constanta , Daniel Renard a Petre Antonescu , Bukurešť , Rumunsko , 1905-1910
Dům cyklisty Mikia , Bukurešť , Rumunsko , 1910 [76]
Dům Dinu Lipatti , Petre Antonescu , Bukurešť , Rumunsko , 1902
Dům Romula Porescu , Dumitru Maimarolu , Bukurešť , Rumunsko , 1905

Vývoj secese ve Švýcarsku

Varianta secese s názvem „Smrk Style“ se objevila v La Chaux-de-Fonds v kantonu Neuchâtel ve Švýcarsku . Zakladatelem stylu byl umělec Charles L'Eplatenier , který se inspiroval přírodními motivy, jako jsou borovice, jiné rostliny, ale i divoká zvířata vyskytující se v pohoří Jura. Jedním z jeho hlavních děl bylo Spalovač mrtvol, který používal trojúhelníkové tvary stromů, šišky a další přírodní motivy z regionu. Styl byl také kombinován s více geometrickými stylistickými prvky secese a vídeňské secese [77] . Další pozoruhodnou stavbou v tomto stylu je Villa Falle La Chaux-de-Fonds , chata navržená a postavená v roce 1905 L'Eplatenierovým studentem, osmnáctiletým Le Corbusierem . Tvar domu připomínal tradiční švýcarskou chatu, ale při návrhu fasády byly použity trojúhelníkové stromy a další přírodní prvky. Le Corbusier postavil v této oblasti další dvě chaty v tradičnějším stylu [77] [78] [79] .

Villa Fallé , Le Corbusier , La Chaux-de-Fonds , Švýcarsko , 1906
Interiér stylizovaný jako vánoční stromek na stropě. Krematorium, Charles L' Eplatenier , 1908-1910
Prvek budovy stylizovaný do stylu "sapin", Krematorium, Charles L'Eplatenier , 1908 - 1910
Detail v podobě borové šišky, Krematorium, Charles L' Eplatenier , 1908-1910

Vývoj secese v Portugalsku

Secesní varianta v Aveiru se nazývala Arte Nova a jejím hlavním poznávacím znakem byla okázalá exhibice: tento styl používala buržoazie, která chtěla na fasádách vyjádřit své bohatství a přitom zachovat konzervativní interiéry. [80] Dalším poznávacím znakem Arte Nova bylo použití místně vyráběných obkladů se secesními motivy. [80] Nejvlivnějším umělcem Arte Nova byl Francisco Augusto da Silva Rocha [80] . Přestože nebyl architekt, navrhl mnoho budov v Aveiru a dalších městech v Portugalsku [81] . Jedním z nich je Residence of Major Pessoa , kde se v současnosti nachází Arte Nova Museum. [80] Existují další příklady Arte Nova v jiných městech v Portugalsku [82] [83] . Některé z nich: rezidenční muzeum Anastasia Goncalvese Manuela Joaquima Norte Juniora , domovní muzeum Dr. Anastasia Goncalvese (1904-1905) v Lisabonu , kavárna Majestic Juan Queiroz (1921) a další.

Rezidence majora Pessoa , Aveiro , Portugalsko 1907-1909
Atrium rezidence majora Pessoa, Aveiro , Portugalsko 1907 - 1909
Knihkupectví Lello , Francisco Xavier Esteves , Porto , Portugalsko , 1906

Vývoj secese v USA

V USA hrála společnost Louis Comfort Tiffanyho ústřední roli ve vývoji trendu amerického stylu. V roce 1885 Tiffany vytvořil vlastní společnost, která se zabývala výrobou tenkých skleněných výrobků a vývojem metod pro jeho barvení. V roce 1893 začal Tiffany vyrábět vázy a mísy, vyvíjet nové techniky, které umožňovaly originální tvary a barvy, a experimentovat s dekorativním okenním sklem. V roce 1895 byla jeho nová práce vystavena v Siegfried Bing Gallery , což mu umožnilo získat nové evropské klienty.

Po otcově smrti v roce 1902 převzal plné vedení firmy, ale stále se nejvíce věnoval navrhování a výrobě skleněných uměleckých předmětů.

Na naléhání Thomase Edisona začal vyrábět elektrické lampy s vícebarevnými skleněnými stínidly vyrobenými z bronzu a železa, zdobené mozaikami, vyráběné v mnoha sériích. Na každém produktu pracoval tým designérů a řemeslníků. Lampa Tiffany se stala jednou z „ikon“ moderny, ale řemeslníci firmy navrhovali nejen lampy, ale vyráběli i neobvyklá okna, vázy a další umělecká díla ze skla.

Kolumbijská expozice byla pro Tiffanyho důležitým místem; kaple, kterou navrhl, byla vystavena v Pavilonu umění a průmyslu. Tiffany Chapel spolu s jedním z oken Tiffanyho domu v New Yorku jsou v současné době vystaveny v Muzeu amerického umění Charlese Hosmera Morse ve Winter Parku na Floridě.

Tiffanyho sklo mělo také velký úspěch na světové výstavě v roce 1900 v Paříži. Jeho vitráž s názvem „Flight of Souls“ získala zlatou medaili výstavy [84] .

Další významnou postavou americké secese byl architekt Louis Sullivan . Sullivan byl průkopníkem americké moderní architektury, byl zakladatelem Chicagské školy , architektem prvních mrakodrapů a učitelem Franka Lloyda Wrighta . Jeho nejznámější výrok byl:

"Forma následuje funkci."

Zatímco podobu jeho budov utvářela jejich funkce, výzdoba jeho budov byla příkladem amerického hnutí Art Nouveau.

V roce 1893 na Světové kolumbijské výstavě v Chicagu, známé především neoklasicistní architekturou slavného Bílého města, navrhl secesní vchod pro jednu z vystavených budov.

Tiffany Chapel, Charles Hosmer Morse Museum of American Art ve Winter Park, Florida , USA , 1893
Skleněná váza, Louis Comfort Tiffany, Cincinnati Art Museum , USA , 1893-1896
Wisteria lampa, Virginia Museum of Fine Arts , USA , (cca 1902)
Okno "Flight of Souls", Pařížská výstava 1900, 1900

Vývoj secese v Argentině

Argentina , zaplavená evropskými přistěhovalci, absorbovala všechny umělecké a architektonické styly Evropy, včetně secese. Města s nejpozoruhodnějším dědictvím secese v Argentině jsou Buenos Aires , Rosario a Mar del Plata [85] [86] .

Paříž byla architektonickým prototypem Buenos Aires s výstavbou velkých bulvárů a tříd [85] . Místní styl byl spolu s francouzským vlivem ovlivněn i italským trendem moderny, protože mnoho architektů - Virginio Colombo , Francisco Gianotti , Mario Palanti - byli Italové.

V dílech Juliána Garcíi Núñeze lze zaznamenat katalánský vliv [85] .

Vliv vídeňské secese lze nalézt v budově Paso y Viamonte .

Rozvoj secese v Rosariu je spojen se jménem Francisca Rocy Simo , který studoval v Barceloně [87] . Jeho budova „Spanish Club“ ( španělsky: Club Español ) ( 1912 ) má jednu z největších vitráží v Latinské Americe . Sochy na budově vytvořil sochař Diego Masana z Barcelony [88] .

Belgický směr stylu v argentinské secesi zastupuje Villa Ortiz Basualdo , v níž v současnosti sídlí Městské muzeum umění Juana Carlose Castagnina v Mar del Plata , kde nábytek, interiéry a osvětlení pochází od Gustava Serrurier-Boviho .

Vitráže a sochy, " Dům Calis ", Ercole Pasina , Buenos Aires , Argentina , 1911
Interiér, galerie Guemes , Francisco Gianotti , Buenos Aires , Argentina , 1913
Palacio Barolo , Mario Palanti , Buenos Aires , Argentina , 1919-1923
Kovové a keramické prvky a sošky,“Španělský klub , Francisco Roca Simo , Rosario , Argentina , 1912

Vývoj secese v jiných zemích

Stejně jako v Argentině byla secese ve zbytku světa, která není uvedena výše, ovlivněna především zahraničními umělci:

Španělé stáli za projekty v Havaně na Kubě .
V Ponce a Portoriku byla tvorba místních architektů ovlivněna španělskými architekty [89] .
Francouzi realizovali secesní projekty v Tunisku (v té době to byl francouzský protektorát).
Němci v Lüderitz , Namibie [90] a v Qingdao , Čína .
Italové provedli práci ve Valparaisu v Chile [91] ; Montevideo , Uruguay ; Rio de Janeiro , Brazílie [92] .
Rusové stáli za dědictvím secese v Harbinu v Číně [93] .
Secesní dědictví v Limě tvoří díla Italů – bratří Masperiů, francouzského architekta Clauda Sahuta a britských mistrů [94] .
Palác výtvarných umění v Mexico City byl výsledkem spolupráce Italů (architekt Adamo Boari a sochař Leonardo Bistolfi ), místního architekta Federica Mariscala , maďarských umělců Aladar Körösföy-Krish , Geza Maroti a Mixa Roth , katalánského sochaře Agusti Kerol Subirats a Francouzský mistr Edgar Brandt [95] .
Secesní motivy najdeme i ve francouzské koloniální architektuře po celé Francouzské Indočíně .
Pozoruhodné umělecké hnutí zvané Bezalelova škola se objevilo v palestinské oblasti na konci osmanského a britského protektorátu. Jednalo se o „fúzi orientálního umění a secese“ [96] . Několik umělců spojených se školou Bezalel bylo docela slavných: Ze'ev Raban , Ephraim Moshe Lilien a Abel Pann [97] .

Městské divadlo , Tunis , 1902
Gerke House , Lüderitz , Namibie , 1909-1910 _
Palác výtvarných umění , Mexico City , Mexiko , 1904-1934
Socha Pegasa , Mexico City , Mexiko

Secese v architektuře, umění a řemeslech a výtvarném umění

Secese v architektuře

Secesní architektura se vyznačuje odmítnutím přímých linií a úhlů ve prospěch přirozenějších, "přírodnějších" linií a použití nových materiálů ( kov , beton , sklo ).

Stejně jako řada jiných stylů se i secesní architektura vyznačuje touhou vytvářet estetické i funkční stavby. Velká pozornost byla věnována nejen vzhledu budov, ale i interiéru , který byl pečlivě propracován. Všechny konstrukční prvky - schodiště, dveře, sloupy, balkony - byly výtvarně zpracovány.

Jedním z prvních architektů pracujících v secesním stylu byl Belgičan Victor Horta . Ve svých projektech aktivně využíval nové materiály, především kov a sklo . Neobvyklé tvary dal nosným konstrukcím ze železa , připomínajícím fantastické rostliny. Schodišťové zábradlí, lampy visící ze stropu a dokonce i kliky dveří byly navrženy ve stejném stylu. Ve Francii myšlenky secese rozvinul Hector Guimard , který vytvořil mimo jiné vstupní pavilony pařížského metra .

Španělský architekt Antonio Gaudi šel ještě dále od klasických představ o architektuře . Jím postavené stavby tak organicky zapadají do okolní krajiny, že působí jako dílo přírody, nikoli člověka.

" Expiatorní chrám Sagrada Familia ", Antoni Gaudí , Barcelona , Španělsko , 1882 do současnosti
"The Ceramic Hotel ", Jules Lavirotte , Paříž , Francie , 1904
" Casa Batlló ", Antonio Gaudí , Barcelona, Španělsko, 1900
" Vídeňské nádraží" Karlsplatz "", Otto Wagner , Vídeň , Rakousko , 1897
" Ryabushinsky Mansion " , Fjodor Shekhtel , Moskva , Rusko , 1902

Secese v malbě

Secese byla silně ovlivněna symbolismem , který se snažil přejít od tradičních forem 19. století k nejnovějším evropským trendům, které někdy nosily podmíněnou příslušnost k určité zemi.

Secese se vyznačuje touhou po vytvoření samostatného uměleckého systému. Jedním ze zakladatelů těchto myšlenek byla škola Pont-Aven s Paulem Gauguinem . Na rozdíl od jiných stylů byly secesní malby a panely považovány za prvky interiéru, což mu dalo nové emocionální zabarvení. Dekorativnost se proto stala jednou z hlavních kvalit secesní malby.

Malbu charakterizuje paradoxní kombinace dekorativní konvenčnosti, ornamentálních „kobercových pozadí“ a „vytesaných“ postav a tváří popředí s plastickou jasností ( Gustav Klimt , Fernand Khnopf , Michail Vrubel ), stejně jako velkých barevných ploch ( Leon Bakst , Edvard Munch ) a tenké zdůrazněné nuance (Mikhail Vrubel, Alexander Benois ). To vše dodalo obrázkům velkou expresivitu. Symbolismus přinesl i do moderní malby symboliku linie a barvy; široce zastoupena byla témata světového smutku, smrti, erotiky; rozšířila se přitažlivost umělců pro svět tajemství, snů, legend, pohádek atd. Klimtova plátna jsou výraznou ukázkou secesního malířství. Secesní umělci působili ve všech zemích Evropy a Ameriky: Rakousko, Velká Británie, Německo, Itálie, Holandsko, Rusko, USA atd. (Viz také seznam umělců secese .)

" Polibek ", Gustav Klimt , 1907-1908
" Večeře ", Leon Bakst , 1902
" Umění nebo něžnost sfingy ", Fernand Khnopf , 1896
" Pán ", Michail Vrubel , 1899
" Únos Evropy ", Valentin Serov , 1910

Secesní grafika

V rámci stylu se rozšířila knižní a časopisecká grafika , plakáty a plakáty . V oblasti umění existovalo nebývalé množství časopisů a recenzí, které propagovaly secesní styl: v Mnichově „Jugend“ (1896), v Berlíně „Pan“ (1895), v Darmstadtu „Německé umění a dekorace“ ( německy: Deutsche Kunst und Dekoration ) (1897), v Londýně "Studio" (1893), ve Flandrech "Od nynějška a později" ( holandština. Van Nu an Straks ) (1893), v Paříži "Umění a dekorace" ( fr. Art et d 'coration ) (1897) a "White Journal" ( fr. La Revue Blanche ) (1889), ve Vídni "Svěcení jara" (1898), v Praze "Free Directions" ( fr. Volné Smery ) (1897 ), v Petrohradě „Svět umění“ (1898) ad.

Oblastí, z níž vyrůstaly a vyvíjely se motivy stylu, se stala grafika a její vývoj výrazně ovlivnila obálka vytvořená pro knihu s názvem „City Churches of Wren“ od anglického umělce a architekta McMurda. Tento design, který se objevil v roce 1883, se vyznačuje barvami a silně zakřivenými stonky a listy v monochromu. Protože tato obálka patřila architektonické knize a byla pravděpodobně zakoupena mnoha britskými architekty, měla silný vliv na vytváření křivek a forem secesní architektury [98] .

Na konci 19. století se zformoval ten typ grafiky, kterému se běžně říká plakát. Za zrodem plakátu stály inovace v polygrafickém průmyslu. Technika litografie otevřela cestu ke skutečnému umění plakátu. Náklad publikace by mohl být několik tisíc výtisků [99] .

Litografie, umění knihy (knižní design), grafika dosáhla velkého rozmachu v období secese díky práci Angličana Aubreyho Beardsleyho , Němců Thomase Heineho , G. Folegera a ruských mistrů Alexandra Benoise a Konstantina Somova . Velkých uměleckých úspěchů dosáhla secese v tvorbě plakátů a plakátů (díla Emila Grasseta ve Francii, Alphonse Muchy v České republice).

První modernisté ve Francii byli učedníci Gauguina a v Anglii stoupenci „Pre-Raphaelitů“.

Nejvýraznějšími postavami anglické secese byli William Blake a Aubrey Beardsley, autor ilustrací pro Salome od Oscara Wilda a kreseb pro časopis Yellow Book . Beardsleyho grafika je moderní klasika. Ruský grafik Nikolaj Kuzmin řekl, že Beardsley oddělil světlo od tmy. Pro světlo - bílý papír, pro tmu - černý inkoust. A žádné polotóny. Linka získala úžasnou sílu. Začala nová éra grafiky. Extrémní jednoduchost prostředků: pouze černá a bílá, list papíru, pero, lahvička inkoustu. Ale tam, kde chtěl ukázat svou úžasnou „schopnost vyzkoušet“, se jeho technika stala jako nejlepší krajka: frontispice k „Salome“, k „Venuši a Tannhäuserovi“, „ Volpone “, suitě „Znásilnění zámku“ [ 100] .

Secesní grafika měla své výrazové prostředky: energická generalizovaná kresba, ostré kontrastní barevné poměry a využití velkých technických možností litografie přispěly k rozvoji tak rozmanité grafiky, jako je plakát. Vyznačují se pečlivě navrženými kompozicemi, dekorativními a typovými [99] .

V Rusku sehráli velkou roli při vývoji plakátu mistři sdružení " Svět umění " . Plakát jim poskytl masivní platformu, ze které se mohli věnovat estetické osvětě.

V roce 1896 začal v Mnichově vycházet časopis Jugend . Do této doby se v Německu rozvinul rozvinutý polygrafický průmysl. Vzkvétal knižní a časopisecký byznys, který měl dlouhou tradici. Rozšířil se vícebarevný tisk, velkoformátové litografické plakáty a zároveň miniaturní reklamní polepy. Rozvíjely se další drobné žánry: knižní deska , leták. Originální pozvánky si u tiskáren objednala muzea v Mnichově a Berlíně. Katalogy nakladatelských společností, knihkupectví byly často skutečnými grafickými mistrovskými díly, představujícími obrazy umělců [101] .

Mistři německé grafiky hledali nové techniky. Mezi takové inovace patřilo kreslení na hrubý zrnitý papír s předběžným nátěrem bílou barvou. Aby například mnichovští grafici dosáhli jemně rozmazaného tahu, začali hojně využívat japonský štětec. Další inovativní technikou je dostat na bílý papír otisk textury hrubé hmoty, mírně napuštěné tmavou barvou. Pozadí bylo jako zrnitý povrch plátna; tah na něj aplikovaný získal specifické vlastnosti. Grafici se naučili ošetřovat papír různými kyselinami, aby z něj udělali jakýsi pergamen. Čáry na takovém papíře vypadaly novým způsobem [101] .

Plakát Peacock Skirt , Aubrey Beardsley , 90. léta 19. století
Litografie "F. Champenois Imprimeur-Éditeur", Alphonse Mucha , 1897
Plakát ke kabaretu Černá kočka , Theophile-Alexandre Steinlen , 1896
" Japonská pohovka " litografie , Henri de Toulouse-Lautrec , c. 1893 - 1894 let
1896 výstavní plakát Theo van Reisselberghe , 1896
Plakát k výstavě dekorativního umění, Camille Martin , 1894

Secesní socha

Secesní sochařství, stejně jako malířství, bylo silně ovlivněno symbolismem . Hlavními rysy secesního sochařství je návrat k „přirozeným“ liniím. Charakteristická je tekutost a dynamika forem, "vnitřní energie". Secesní plastika je dekorativní, jejím účelem je ozdobit prostor, podřídit jej jedinému rytmu. Mezi moderními sochaři vynikají dva francouzští mistři: Auguste Rodin a Aristide Maillol .

Mezi tuctem Rodinových děl je nejznámější Myslitel . Ve svých dílech oslavuje velkou sílu lásky, její krásu a nesmrtelnost. Jeho další slavná díla: „První polibek“, „Věčné jaro“, „Básník a múza“.

Katalánec Aristide Maillol se začal věnovat sochařství, když už byl známým mistrem malby. Experimentováním s nahou ženskou přirozeností se snažil vytvářet obrazy přirozené krásy, kladl důraz na přirozenou harmonii ženského těla, smyslnost a emocionalitu. Jeho díla – „Pomona“, „Noc, řeka“, „Tři nymfy“ – jsou v nejlepších světových muzeích a veškerá jeho tvorba právem patří k mistrovským dílům evropského výtvarného umění.

Neobvyklé vidění světa a interpretace člověka jsou charakteristické pro tvorbu českého modernisty Františka Bílka . Jeho tvorba se vyznačuje naprostým realismem a autenticitou obrazu. Postavy jeho děl - Mojžíš, Gus - se vyznačují novostí a nestandardní interpretací.

Dalšími skvělými příklady secese v sochařství jsou díla Nauma Aronsona - portréty Komissarževské , Tolstého, Pasteura . Jako jediný z umělců vytvořil sochařský portrét, který je dnes uložen v jednom z muzeí v Izraeli. Jeho díla zdobí mnoho muzeí a galerií po celém světě [102] .

Jedním z nejvýraznějších představitelů tohoto stylu v Itálii byl Adolfo Wildt , jehož tvorba prošla vývojem od symbolismu přes vídeňskou a berlínskou secesi až k počátkům expresionismu .

Myslitel , Auguste Rodin , 1880-1882
"Mojžíš" , František Bílek , 1905
"Turgenev Ivan Sergejevič" , Naum Aronson , 1906-1913
"Kůň" , David Czerny , 1999
Šátkový tanec , Agathon Leonard , 1901-1902

Secesní sklo

Sklářské umění v secesi bylo médiem, ve kterém tento styl nacházel nové a rozmanité způsoby vyjádření. Intenzivní experimentování se sklářskými technikami probíhalo zejména ve Francii při hledání nových efektů průhlednosti a neprůhlednosti: v kamejovém rytí, dvojitých vrstvách a kyselém rytí, což je metoda, která umožňuje sériovou výrobu výrobků.

Město Nancy se stalo důležitým centrem francouzského sklářského průmyslu s dílnami Émile Gallé a dílnou Daum v čele s Augustem a Antoninem Daumovými . Spolupracovali s mnoha slavnými designéry včetně Ernesta Bussièra , Henriho Bergého (ilustrátor) a Amalrica Waltera . Společně vyvinuli novou metodu vykládání skla lisováním úlomků různých barev do nedokončeného výrobku. Často také spolupracovali s designérem nábytku Louisem Majorellem, jehož dům a dílny se rovněž nacházely v Nancy. Dalším znakem secese bylo použití vitráží s květinovými motivy v obytných salonech, zejména v domech v Nancy. Mnohé z nich vyrobil Jacques Gruber , který vyrobil okna pro Majorelleinu vilu i další domy. [103]

V Belgii byla vedoucí firmou sklárna "Val Saint-Lambert" ( fr. du Val-Saint-Lambert ) , která vytvářela vázy ve formách obsahující organické a květinové motivy, z nichž mnohé navrhl Philippe Wolfers . Wolfers byl zvláště známý pro vytváření kusů ve skle s kovovými dekoracemi.

V Čechách , tehdejší oblasti Rakousko-Uherska, byla známým výrobcem křišťálu firma J. & L. Lobmeyr . Experimentoval s novými metodami barvení, vytvořil jasnější a sytější barvy Loetz Witwe .

V Německu prováděl pokusy se sklem Karl Koepping , který pomocí foukaného skla vytvořil extrémně tenké sklenice ve tvaru květin, tak jemné, že se jich do dnešních dnů dochovalo jen málo. [104]

Ve Vídni byly skleněné struktury hnutí secese mnohem geometrickější než ve Francii nebo Belgii; Otto Prutscher byl v tomto směru „nejpřísnějším“ návrhářem skla. [104]

Ve Spojeném království vytvořila Margaret Macdonald Mackintosh řadu květinových vitráží pro architektonickou výstavu s názvem „The Art Lover's Home“.

Ve Spojených státech se Louis Comfort Tiffany a jeho designéři proslavili svými lampami, které využívaly společné květinové motivy ve skleněných stínítkách, složitě propojených dohromady. Tiffany lampy získaly popularitu po světové kolumbijské výstavě v Chicagu v roce 1893, kde Tiffany vystavil své lampy v byzantské kapli. Tiffany značně experimentovala s procesy barvení skla a v roce 1894 si nechala patentovat proces Favrile Glass, který používal oxidy kovů k barvení vnitřku roztaveného skla, což mu dávalo duhový efekt. Bylo vyrobeno několik různých sérií lamp Tiffany, v různých květinových vzorech, stejně jako s vitrážemi, paravány, vázami a řadou dalších dekorativních předmětů. Jeho dílo bylo nejprve importováno do Německa, poté do Francie Siegfriedem Bingem a poté se stalo jednou z dekorativních senzací výstavy v roce 1900. Tiffanyho americký konkurent, sklárna Steuben Glassworks ( německy Steuben Glass ), byla založena v roce 1903 v Corningu v New Yorku Frederickem Carterem , který stejně jako Tiffany použil proces „Favril“ k vytvoření povrchů s duhovými barvami. Dalším významným americkým sklářským umělcem byl John La Farge , který vytvořil složité a barevné vitráže s náboženskými i čistě dekorativními tématy. [104]

"Lampa s deštníky", Emile Galle , Francie , cca 1902
Vitráže "Veranda v hale", Jacques Gruber , Nancy , Francie , 1904
Lampa Lily, Louis Comfort Tiffany , USA , 1900-1910
Váza "Jack at the pulpit", Louis Comfort Tiffany , USA , 1910
Vitráže kostela sv. Leopolda , Koloman Moser , Vídeň , Rakousko , 1902–1907

Secesní kov

Architektonický teoretik 19. století Viollet-le-Duc obhajoval ukazování, nikoli skrývání železných rámů moderních budov, ale jiní secesní architekti jako Victor Horta a Hector Guimard šli ještě dále: přidali formy křivočarého železného zdobení. květinové a rostlinné motivy, a to jak v interiérech, tak v exteriérech jimi realizovaných staveb.

Kov byl použit při návrhu zábradlí schodišť, lamp a dalších interiérových detailů, ale i balkonů a dalších venkovních dekorací. Staly se jedním z nejvýraznějších znaků secesní architektury. Použití kovových dekorací rostlinnými formami se brzy objevilo také ve stříbře, lampách a dalších dekorativních předmětech. [105]

V USA navrhl designér George Grant Elmsley extrémně složité litinové konstrukce pro balustrády a další interiéry budov od chicagského architekta Louise Sullivana .

Zatímco francouzští a američtí designéři používali květinové a rostlinné formy, Joseph Maria Olbrich a další secesní umělci vytvářeli čajové konvice a další kovové předměty ve více geometrickém a zdrženlivém stylu. [106]

Svícen s tulipány Fernand Dubois , 1899
Vstupní mříž vily Majorelle , Nancy , Francie , 1901-1902
Svítidlo od Victora Horty , 1903
Brána paláce Stoclet , Josef Hoffmann , Brusel , Belgie , 1905-1911
Brána Villa Knopf , Štrasburk , Francie , 1905

Secesní šperky

Secesní šperky se nejvíce vyznačují takovými společnými stylovými rysy, jako jsou: použití hladkých, přirozených linií, které napodobují tvar listu nebo vlny, vyhýbání se rovným geometrickým tvarům, použití tlumených pastelových a matných barev a materiálů. Secesní šperkařský styl, aniž by opustil zlato, vyčlenil mezi oblíbené materiály polodrahokamy neprůhledné, jako je opál , měsíční kámen , tyrkys , ale také perly, smalt, slonovina. Diamanty a další drahé kameny se v secesních výrobcích používají především jako pomocné dekorativní prvky. Převládají vegetativní, zoomorfní (vážky, ještěrky, netopýři, motýli) a pohádkové (nymfy, víly) motivy.

Mezi nejvýznamnější klenotníky éry secese patří René Lalique , Alexis Falise , Louis Tiffany a Georges Fouquet .

Vážka, René Lalique , 1897-1898
Comb, René Lalique, 1902
Brož, René Lalique, 1919
Láhev vonící soli , Alexis Falise , 1867-1870
Přívěsek-brož s bohyní Florou , Louis Ocock , cca 1900
Přívěsek s nymfou, Masriera&Carreras

Secesní interiér

Interiér v moderní době začal hrát důležitější roli - to bylo diktováno architekturou, která vytvořila nové způsoby uspořádání vnitřního prostoru a připravila cestu pro plnou korespondenci vnějšího prostoru s vnitřním. Za úplně první secesní interiér lze považovat slavný „ Páví pokoj “, který navrhl James Whistler v Londýně [107] . Interiér byl postaven na úplném odmítnutí předchozích architektonických principů interiérového designu. Stěny areálu byly pokryty bizarními, asymetrickými tvary, které jako by nevytvářely žádnou pravidelnost, rozmarně se klikatící linie. Stropy byly zdobeny zpravidla plochým reliéfním sádrovým plastem, stěny byly zdobeny barevněji, závěsy byly světlé [108] .

" Peacock Room " , Freer Gallery of Art , Londýn , Anglie , 1876-1877
" Klenotnictví Georges Fouquet " , Alphonse Mucha , Paříž , Francie , 1901
Centrální pobočka Societe Generale , Paříž , Francie
" Stanice Vitebsk " Stanislav Brzhozovsky , Petrohrad , Rusko , 1900-1904
" Casa Batlló " , Antonio Gaudi , Barcelona , Španělsko , 1904-1906

Secesní nábytek

Výzkumníci tradičně poznamenávají, že tvůrci moderního nábytku se drželi jedné ze dvou linií: zástupci francouzské, české a maďarské odrůdy moderního stylu - dekorativní (rozmarné tvary a obrysy), němečtí a anglickí mistři - konstruktivní (přímost, jasná konstrukce). Navíc to druhé je typičtější pro německé a anglické produkty. Objekty, které tíhnou ke konstruktivní jasnosti linií a tvarů, jsou jednodušší, dekorační prvek je v nich redukován na minimum. Tento trend je nejplněji zastoupen v tvorbě nábytkářů Richarda Riemerschmidta a Otto Pankoka . V Rakousku a poté v Německu byla zvládnuta výroba takových nábytkových forem (zejména skříní), které se již ve všech ohledech lišily od předchozích typů [108] . Předměty německých, vídeňských a anglických nábytkářů, vytvořené v geometrickém "puritánském" stylu, jsou designově i tvarově přehlednější, jednodušší, dekor je v nich minimalizován. Tato moderní řada vede k autentickému současnému nábytku.

Hladké, nedělené povrchy secesního nábytku se získávají přechodem na mechanizované dýhování a montáž. Má se za to, že zakřivené formy secesního nábytku jsou převzaty od narození již v polovině 19. století, kdy slavná vídeňská továrna Michaela Thoneta uvedla do výroby židli z napařovaného dřeva, „ vídeňskou židli “ . .

Jedním z úspěchů secese je, že umělci, kteří navrhovali nábytek, sledovali realizaci svých nápadů přímo v dílnách. Služeb designérů bylo využito i při zařizování bytů v nájemních domech. To otevřelo možnost pro realizaci myšlenky náhlavní soupravy, sady nábytku. Blízkost výtvarníků-designérů k výrobě měla příznivý vliv na práci dílen.

V nábytku se paralelně k secesi rozvinula také řada příbuzných stylových směrů. Jeden z nich si jako zdroj vzal například japonský nábytek. Rozvíjela se i „gotická“ větev secese.

Francouzský, belgický a španělský nábytek reprezentují nádherné vitríny a knihovny Louise Majorelle , Emile Gallé a Hector Guimard, „kobří židle“ a „šnečí židle“ Carla Bugattiho , fantasticky organické formy nábytku Antonia Gaudího, hladce plynoucí linie skříněk nábytek a sezení od Henri Van de Velde . „Konstruktivní“ nábytek vytvářejí Charles Mackintosh a Margaret Mackintosh, mistři slavných „vídeňských“ dílen Colomon Moser , Adolf Loos a další, a dále pokračuje v nábytkových projektech F. L. Wrighta [109] .

Myšlenka stylistické integrity prostoru přispěla k širokému využití nábytkových sestav vyrobených ve stejném stylu a vepsaných do celkového prostoru místnosti. Mimořádně důležité místo zaujímaly jídelní sety včetně její hlavní části - příborníku či příborníku, který byl i přes svůj vcelku užitkový účel obvykle umísťován do obývacího pokoje, potvrzující status jeho majitele (příborník v klasickém smyslu slovem se rozumí vysoká, zpravidla více než dva metry vysoká, dvou-, tří- nebo čtyřkřídlá konstrukce, jejíž horní část je opatřena prosklenými dvířky a spodní částí je skříň se zaslepenými dvířky nebo zásuvkami) . Klasický příborník se od bufetu většinou liší nižší výškou horního a spodního dílu. Je důležité tyto detaily identifikovat, protože příborník jako kus nábytku se vždy vyznačuje tou nejtradičnější formou - ani tak „svéhlavý styl“, jako je secese, to nemohl změnit. Právě kvůli konzervatismu designu se však příborník stal vynikajícím základem pro ztělesnění kreativních nápadů umělců té doby [110] .

Šatní skříň, Eugène Vallin , 1903
Postel s motýly, Emile Galle , 1904
Modlitební stůl, Antonio Gaudi
Skluzavka a dvě tácky, F.F. Meltzer & Co"
Nábytek v obývacím pokoji, Antonio Gaudi

Secesní keramika

Keramické umění, včetně fajánse, bylo další vzkvétající oblastí secese v anglicky mluvících zemích, spadající pod obecnější hnutí umělecké keramiky. V poslední polovině 19. století došlo ve výrobě keramiky k mnoha technologickým inovacím, zejména k rozvoji vysokoteplotní keramiky, tzv. "Velký oheň" ( francouzský grand feu ) s krystalickou a matnou glazurou. Současně bylo znovu objeveno několik ztracených technik, jako je glazura „býčí krev“ ( francouzsky: sang de boeuf ). Secesní keramika byla ovlivněna také tradiční a současnou japonskou a čínskou keramikou, jejíž rostlinné a květinové motivy se se secesí dobře prolínaly. [111]

Ve Francii umělci „znovuobjevili“ tradiční keramiku – „pískovec“ ( fr. grés ) a začali ji aplikovat pomocí nových motivů. Émile Gallé z Nancy vytvořil hliněné nádobí v přírodních barvách země s naturalistickou tématikou rostlin a hmyzu. Keramika našla nové využití také v architektuře: secesní architekti, mezi nimi Jules Lavirotte a Hector Guimard , začali zdobit fasády budov architektonickou keramikou, z nichž většinu vyrobila firma Alexandre Bigot , a dodali jim tak sochařský vzhled. [111] Jedním z průkopníků francouzské secesní keramiky byl Ernest Chaplet, jehož kariéra v keramice trvala třicet let. Začal vyrábět keramiku ovlivněnou japonskými a čínskými prototypy. Od roku 1886 pracoval s malířem Paulem Gauguinem na návrzích keramických kusů s aplikovanými figurami, několika úchyty, malovanými a částečně glazovanými, a spolupracoval se sochaři Félixem Bracquemontem , Julesem Dalou a Augustem Rodinem . Jeho dílo bylo představeno na výstavě v roce 1900.

Hlavní národní keramické firmy měly důležité místo na pařížské výstavě v roce 1900: Národní manufaktura v Sèvres u Paříže; Nymphenburg , Meissen , Villeroy a Boch v Německu a Doulton ve Spojeném království. Mezi další přední francouzské keramiky patřili Taxil Doat , Pierre-Adrien Dalpayrat , Edmond Lachenal , Albert Dammouse a Auguste Delaherche . [112]

Ve Francii někdy přešla secesní keramika do sochařství. Příkladem je porcelánová figurka „ Tanečník s šátkem “ od Agathona Léonarda , vyrobená pro Národní manufakturu v Sevres, získala uznání v obou kategoriích na pařížské výstavě v roce 1900.

V Maďarsku založil Miklós Zsolnay v roce 1853 továrnu Zsolnay v čele se svým synem Vilmosem Zsolnayem spolu s hlavním designérem Tade Sikorskim na výrobu keramických výrobků. V roce 1893 představil Zsolnay eosinový porcelán . Dovedl továrnu k celosvětovému uznání tím, že své inovativní výrobky předváděl na světových veletrzích a mezinárodních výstavách, včetně světové výstavy 1873 ve Vídni a také světové výstavy 1878 v Paříži, kde Zsolnay získal Grand Prix. Mrazuvzdorné stavební dekorace Zsolnay byly použity v mnoha budovách, zejména během vývoje secese. [113]

Keramické dlaždice byly také charakteristickým znakem portugalské secese a navazovaly na dlouhou tradici portugalských tradičních dlaždic - azulejos .

Glazovaná kameninová váza, Emile Galle , Metropolitan Museum of Art , 1880-1885
Váza, Maurice Dufresne , Francie , 1900
Kalich, Auguste Delaherche , Paříž , 1901
Váza, Jozsef Rippley-Ronai , Maďarsko , 1900
Váza, "Rookwood Pottery Company", Carla Schmidt , 1904

Mozaika secese

Mozaiky byly použity mnoha umělci z různých proudů secese, zejména katalánského modernismu ( Sant Pau Hospital , Palau de la Música Catalana , Casa Lleo Morera a mnoho dalších). Antonio Gaudí vynalezl novou techniku zpracování materiálu zvanou trencadís , která využívala keramický odpad. Barevné majolikové dlaždice s květinovými motivy jsou charakteristickým znakem Majoliky Otty Wagnera ve Vídni (1898) a budov z díla ruské kolonie Abramcevo a také Michaila Vrubela.

"Dům majoliky", Otto Wagner , Vídeň , 1898
Mozaika zobrazující léto jako ženu na zlatém pozadí z byzantského obrození, Antverpy , Belgie
Mandylion, Nicholas Roerich , Talashkino , Rusko , 1908-1914
Mozaiky pro Palác kultury Aladara Körösfoy-Kriš a Mixa Rot Targu Mures , Rumunsko , 1911–1913
Mozaiky, Louis Comfort Tiffany , 1915

Secesní textilie a tapety

Textilie a tapety byly důležitým prostředkem vyjádření secesního ornamentu od samého počátku stylu a nedílnou součástí interiérového designu. V Británii textilní design Williama Morrise odstartoval hnutí Arts and Crafts a později i samotný styl. Mnoho z jeho děl bylo vyrobeno pro obchodní dům Liberty v Londýně, což přispělo k popularizaci stylu v celé Evropě. Jeden z příkladů může také posloužit jako dílo "Silver Studio" ( anglicky Silver Studio ), které předvádělo barevné stylizované květinové vzory. Další výrazné designové dílo vytvořila na Glasgow School Margaret Mackintosh. Glasgow School představila několik výrazných motivů, včetně stylizovaných vajíček, geometrických tvarů a „ Růže z Glasgow “.

Ve Francii významně přispěl k rozvoji designu textilií a secese návrhář Eugene Grasset , který v roce 1896 publikoval dílo „Volná estetika rostliny a její dekorativní aplikace“ ( fr. La Plante et ses Aplikace Ornatales ), navrhující design založený na kombinaci různých barev a rostlin. Mnoho vzorů bylo navrženo a vyrobeno pro velké francouzské textilní výrobce v Mulhouse , Lille a Lyonu v německých a belgických dílnách.

Německý designér Hermann Obrist se specializoval na květinové vzory, zejména cyklámen a styl „bič“ vycházející ze stonků květin, které se staly hlavním motivem tohoto stylu. Belgičan Henri van de Velde představil v bruselském salonu Free Aesthetics ( fr. La Libre Esthéthique ) textilní dílo „Vigil of the Angels“ ( fr. La Veillée d'Anges ) , inspirované symbolikou Paula Gauguina a Nabis. skupina .

V Nizozemsku byly textilie často ovlivněny batikou z nizozemských kolonií ve Východní Indii.

Lidové umění inspirovalo také tapisérie, koberce, výšivky a textilie ve střední Evropě a Skandinávii od autorů Gerharda Münteho a Fridy Hansen z Norska . Design Five Swans od Otty Eckmanna se objevil ve více než stovce různých verzí. Maďarský designér Janos Vasari spojil secesní prvky s folklorními motivy.

Stránka s leknínem z knihy Eugèna Grasseta o dekorativním použití květin, 1899
Textilní design, Koloman Moser , 1899
Bavlna s potiskem pro obchodní dům Liberty, Silver Studio, UK , 1904
Gobelín "Pastýř", Janos Vasari, 1906
Koberec ze sbírky Nadace krále Baudouina, Victor Horta .

Viz také

Média týkající se secese ve výtvarném umění na Wikimedia Commons

Média týkající se secese v architektuře na Wikimedia Commons
Katalánská moderna
Hutsulská secese
Turínská moderna
Muzeum Art Nouveau v Samaře
Muzeum secese v Rize

Poznámky

Komentáře

↑ Termín „moderní styl“ byl poprvé použit francouzskými novináři v 20. století k popisu architektury a dekorativního umění období Fin de siècle , které bylo vnímáno negativně a bylo vnímáno jako cizí (anglické) vlivy. Termín se nepoužíval mimo Francii, protože v angličtině byl termín „art nouveau“ okamžitě přiřazen k art nouveau . Ve francouzštině, “moderní styl” byl nakonec nahrazený termínem “secese” v 80-tých letech, s obrodou zájmu o dekorativní umění 1900s [4] .
↑ Termín „severní moderna“ se vyskytuje výhradně v ruskojazyčné literatuře.

Zdroje

↑ Howard, 1996 , s. 1-2.
↑ Howard, 1996 , s. 2.
↑ 1 2 Selz, Constantine, 1972 , str. 10-11.
↑ Moderní styl . universalis.fr . Encyklopedie Universalis . Získáno 16. června 2022. Archivováno z originálu dne 27. prosince 2021. (neurčitý)
↑ 1 2 Selz, Constantine, 1972 , str. deset.
↑ Kiselev, 2002 , str. 220.
↑ Nechaeva, 2006 , str. 7.
↑ Antoshchuk, 2017 , str. čtyři.
↑ Komarová, 2008 , str. 3.
↑ Gerasimov, 2017 , str. 1-2.
↑ Warren, 2018 , str. 5.
↑ Warren, 2018 , str. 4-6.
↑ Vlasov V. G. Moderní, „moderní styl“ // Nový encyklopedický slovník výtvarného umění. V 10 svazcích - Petrohrad: Azbuka-Klassika. - T. V, 2006. - S. 557
↑ Sternin G. Yu. O moderně // Muzeum, 1989. č. 10. S. 7
↑ Goryunov V.S., Tubli M.P. Architektura moderní éry: koncepty. Pokyny. Mistři. Petrohrad: Stroyizdat, 1992, s. 9
↑ Vlasov V. G. Moderní, „moderní styl“. — S. 557
↑ Rusakova A. A. Na přelomu století // Umění Leningradu. 1991. č. 3. S. 49
↑ V. G. Vlasov . Triáda "historismus, stylizace, eklektismus" a postmilenismus v dějinách a teorii umění] // Elektronický vědecký časopis " Architecton: univerzitní novinky ". - Ural State Art Academy of Arts , 2018. - No. 3 (63) [1] Archivní kopie ze dne 8. listopadu 2019 na Wayback Machine
↑ Fornoff R. Die Sehnsucht nach dem Gesamtkunstwerk. Studien zu einer ästhetischen Konzeption der Moderne. — Curych: Hildesheim, New York: Olms 2004
↑ Frampton K. Moderní architektura: kritický pohled na historii vývoje. — M.: Stroyizdat, 1990
↑ Linnik Yu. V. Archetypy finské modernity // Severní moderna. Dialog kultur. - Petrohrad: Evropský dům, 2005. - S. 36
↑ Kirikov B. M. Architektura Petrohradu moderna. Panské domy a činžovní domy. - Petrohrad: Kolo, 2008. - 576 s. — ISBN 5-901841-41-1
↑ Lisovsky V. G. Severní moderna: Nacionálně-romantický trend v architektuře zemí Baltského moře na přelomu 19. a 20. století. - Petrohrad: Nakladatelství Kolo, 2016. - 520 s.
↑ Rosenthal R., Ratzka H. Dějiny užitého umění New Age. - M .: Umění, 1971. - S. 42-53
↑ Chyba poznámky pod čarou ? : Neplatná značka <ref>; автоссылка2žádný text pro poznámky pod čarou
↑ Rosenthal R., Ratzka H. Dějiny užitého umění New Age. — S. 99
↑ Moderní. charakteristické rysy . StudFiles. Datum přístupu: 9. prosince 2016. Archivováno z originálu 15. prosince 2016. (neurčitý)
↑ V&A Arts and Crafts: Úvod . Získáno 4. ledna 2022. Archivováno z originálu 15. února 2020. (neurčitý)
↑ Secese od Rosalind Ormiston a Michaela Robinsona, 58
↑ Art Nouveau – Art Nouveau Art (22. února 2013). Archivováno z originálu 22. února 2013. (neurčitý)
↑ Secese od Ormistona a Robinsona, 61
↑ Byl pověřen rodinou barvířů a tiskařů Wardle, obchodující jako „Thomas Wardle & Co“ a „Bernard Wardle and Co“. Archivováno z původní knihy The Wardel Pattern Books Revealed 3. prosince 2013.
↑ Oudin, Bernard, Dictionnaiare des Architectes (1994), str. 237
↑ Sembach, L'Art Nouveau str. 47
↑ Fahr-Becker, 2015 , str. 140.
↑ Lahor, 2007 , str. 91.
↑ Sterner (1982), str. 38-42
↑ A. Philip McMahon, "recenze F. Schmalenbacha, Jugendstil ", Parnassus , sv. 7 (říjen 1935), 27.
↑ Reinhold Heller, „Nedávné stipendium o vídeňském „zlatém věku“, Gustav Klimt a Egon Schiele“, The Art Bulletin , sv. 59 (březen 1977), str. 111-118.
↑ Asociace výtvarných umělců Vienna Secession – oficiální stránky . Získáno 4. ledna 2022. Archivováno z originálu dne 25. dubna 2019. (neurčitý)
↑ Lahor, 2007 , str. 63.
↑ Časopis „Coup de Fouet“, sv. 27 (2016), str. 14–25 . Získáno 4. ledna 2022. Archivováno z originálu dne 28. července 2019. (neurčitý)
↑ Lahor, 2007 , str. 120.
↑ Oudin, Bernard, Dictionnaire des Architectes (1994), pp. 33-34
↑ Sembach, L'Art Nouveau (2013), pp. 203-213
↑ Časopis „Coup de Fouet“, sv. 23 (2014), str. 2–35 . Získáno 4. ledna 2022. Archivováno z originálu dne 14. července 2020. (neurčitý)
↑ Ödön Lechner Archivováno 11. dubna 2021 na Wayback Machine - Art Nouveau World
↑ 1 2 Časopis „Coup de Fouet“, sv. 14 (2009), str. 16 . Získáno 4. ledna 2022. Archivováno z originálu dne 16. července 2020. (neurčitý)
↑ [2] Archivováno 10. července 2019 na Wayback Machine The Gödöllő Artists' Colony – článek Davida A. Hilla
↑ 1 2 3 Časopis „Coup de Fouet“, sv. 13 (2009), str. 36–41 . Získáno 4. ledna 2022. Archivováno z originálu dne 16. července 2020. (neurčitý)
↑ Praha archivována 11. dubna 2021 na Wayback Machine - Art Nouveau World
↑ 1 2 Fahr-Becker, 2015 , str. 171.
↑ 1 2 Fahr-Becker, 2015 , str. 170–171.
↑ Fahr-Becker, 2015 , pp. 166–167.
↑ Citace Parc Guell v klasifikaci UNESCO
↑ James Grady, Zvláštní Bibliografická příloha: Bibliografie secese , v „The Journal of the Society of Architectural Historians“, sv. 14 (květen 1955), str. 18-27.
↑ Cronologia Archived 19. září 2020 na Wayback Machine – oficiální stránky Palau Güell
↑ Sicilian Liberty - Italianate Art Nouveau - Best of Sicily Magazine . Získáno 4. ledna 2022. Archivováno z originálu dne 29. ledna 2020. (neurčitý)
↑ Henry R. Hope, recenze H. Lenninga, The Art Nouveau , The Art Bulletin , sv. 34 (červen 1952), 168-171 (zejména 168-169): V roce 1952, Pojednávající o stavu secese, autor poznamenal, že secese ještě nebyla přijatelnou studií pro seriózní dějiny umění nebo předmětem vhodným pro významné muzeum. výstavy a jejich příslušné katalogy. Předpověděl blížící se změnu
↑ Duncan, Alistair, Art deco , Thames and Hudson (1988), str. 147-48
↑ Historické centrum Rigy . UNESCO . Získáno 11. března 2016. Archivováno z originálu 11. července 2017. (neurčitý)
↑ Historické centrum Rigy . UNESCO . Získáno 11. března 2016. Archivováno z originálu dne 22. června 2020. (neurčitý)
↑ Martin, T. & Pusa, E. 1985, str. 12.
↑ Finské národní muzeum archivováno 26. července 2019 na Wayback Machine - Museums of EU
↑ Secesní evropská cesta: Helsinky . www.artnouveau.eu _ Získáno 4. ledna 2022. Archivováno z originálu dne 26. dubna 2016. (neurčitý)
↑ Riley, 2004 , str. 312.
↑ 1 2 Evropská secesní cesta: Ålesund . www.artnouveau.eu _ Datum přístupu: 4. ledna 2022. Archivováno z originálu 4. června 2016. (neurčitý)
↑ Stockholm archivováno 11. dubna 2021 na Wayback Machine – Art Nouveau World
↑ Aarhus archivován 11. dubna 2021 na Wayback Machine - Art Nouveau World
↑ Baltiska utställningen 1914 - Malmö stad . Získáno 4. ledna 2022. Archivováno z originálu dne 24. října 2020. (neurčitý)
↑ Konstantin, Pavel. Arta 1900 v Rumunsku: [ rum. ] . - Editura Meridiane, 1972. - S. 83, 84, 86, 87 & 90.
↑ Elena Olariu…s. 16
↑ Dědictví Temešvár–Cladiri . Heritageoftimisoara.ro . Získáno 23. května 2021. Archivováno z originálu dne 16. května 2021. (neurčitý)
↑ Ungvári, Zrínyi Imre Secesní veřejné budovy Tîrgu Mureș . wondersoftransylvania.com . Získáno 23. května 2021. Archivováno z originálu dne 23. května 2021. (neurčitý)
↑ Str. Metropoliei č. 20 . Získáno 23. května 2020. Archivováno z originálu dne 23. května 2021. (neurčitý)
↑ Mariana Celac, Octavian Carabela a Marius Marcu-Lapadat. Bukurešťská architektura - komentovaný průvodce ] . - Ordinul Arhitecților din România, 2017. - S. 85. - ISBN 978-973-0-23884-6 .
↑ 1 2 Časopis „Coup de Fouet“, sv. 16 (2010), str. 2–10 . Získáno 4. ledna 2022. Archivováno z originálu dne 25. července 2019. (neurčitý)
↑ Ecole d'art et Style sapin Archivováno 26. července 2019 na Wayback Machine - La Chaux-de-Fonds
↑ Fondation Le Corbusier . Získáno 28. července 2019. Archivováno z originálu 14. března 2014. (neurčitý)
↑ 1 2 3 4 Časopis "Coup de Fouet", sv. 11 (2008), str. 2–7 . Získáno 4. ledna 2022. Archivováno z originálu dne 18. července 2020. (neurčitý)
↑ Francisco Augusto da Silva Rocha Archivováno 31. října 2020 na Wayback Machine – Art Nouveau World
↑ Lisabon archivován 17. března 2021 na Wayback Machine – Art Nouveau World
↑ Porto archivováno 5. března 2021 na Wayback Machine – Art Nouveau World
↑ Lahor, 2007 , str. 167.
↑ 1 2 3 Evropská secesní trasa: Buenos Aires . www.artnouveau.eu _ Získáno 4. ledna 2022. Archivováno z originálu dne 23. července 2020. (neurčitý)
↑ Secesní evropská cesta: Mapa . www.artnouveau.eu _ Získáno 4. ledna 2022. Archivováno z originálu dne 17. dubna 2019. (neurčitý)
↑ Secesní evropská cesta: Rosario . www.artnouveau.eu _ Získáno 4. ledna 2022. Archivováno z originálu dne 23. července 2020. (neurčitý)
↑ Časopis „Coup de Fouet“, sv. 10 (2012), str. 44–47 . Získáno 4. ledna 2022. Archivováno z originálu dne 16. července 2020. (neurčitý)
↑ Časopis „Coup de Fouet“, sv. 12 (2008), str. 28–29 . Získáno 4. ledna 2022. Archivováno z originálu 15. července 2019. (neurčitý)
↑ Secesní evropská cesta: Lüderitz . www.artnouveau.eu _ Získáno 4. ledna 2022. Archivováno z originálu dne 23. července 2020. (neurčitý)
↑ Secesní evropská cesta: Valparaiso . www.artnouveau.eu _ Získáno 4. ledna 2022. Archivováno z originálu dne 23. července 2020. (neurčitý)
↑ Villino Silveira Archivováno 11. dubna 2021 na Wayback Machine - Art Nouveau World
↑ Harbin Archivováno 11. dubna 2021 na Wayback Machine – Art Nouveau World
↑ Časopis „Coup de Fouet“, sv. 30 (2018), str. 77–83 . Datum přístupu: 4. ledna 2022. Archivováno z originálu 15. února 2022. (neurčitý)
↑ Palacio de Bellas Artes Archivováno 11. dubna 2021 na Wayback Machine - Art Nouveau World
↑ AATC Artists - Ze'ev Raban . Získáno 4. ledna 2022. Archivováno z originálu 10. května 2004. (neurčitý)
↑ Mishofy, Alec. Sekularizace posvátného. Brill, 2019.
↑ Art Nouveau (nepřístupný odkaz) . TARTLE.NET. Získáno 18. listopadu 2016. Archivováno z originálu 19. listopadu 2016. (neurčitý)
↑ 1 2 Moderní. charakteristické rysy . StudFiles. Získáno 18. listopadu 2016. Archivováno z originálu 19. listopadu 2016. (neurčitý)
↑ Správce. Užité umění, Dekorativní umění, Grafika a knižní design, Malba a sochařství - Umělecká kultura 20. století - Výukové materiály pro studenty . studme.org. Získáno 18. listopadu 2016. Archivováno z originálu 18. listopadu 2016. (neurčitý)
↑ 1 2 Secese. Německá grafika XIX - XX století. Artists' Paintings - Design & Culture Magazine . www.5arts.info Získáno 18. listopadu 2016. Archivováno z originálu 19. listopadu 2016. (neurčitý)
↑ Secesní sochařství , světová muzea a obrazy slavných umělců . Archivováno z originálu 19. listopadu 2016. Staženo 18. listopadu 2016.
↑ Riley, 2004 , str. 318.
↑ 1 2 3 Riley, 2004 , str. 320.
↑ Riley, 2004 , str. 322.
↑ Riley, 2004 , str. 324.
↑ Moderní. Charakteristické vlastnosti - Strana 3 . StudFiles. Staženo 9. prosince 2016. Archivováno z originálu 14. prosince 2016. (neurčitý)
↑ 1 2 D. Kes. Styly nábytku. — Budapešť, 1981.
↑ Secesní nábytek - Historie interiéru . Dominior.org. Staženo 9. prosince 2016. Archivováno z originálu 20. prosince 2016. (neurčitý)
↑ La_belle_epoque. Bufety v moderním stylu. Diskuse na LiveInternet - ruský online deník . www.liveinternet.ru Získáno 18. listopadu 2016. Archivováno z originálu 19. listopadu 2016. (neurčitý)
↑ 12 Riley , 2004 , str. 314–15.
↑ Edmond Lachenal a jeho dědictví , Martin Eidelberg, Claire Cass, Hudson Hills Press; ilustrované vydání (25. února 2007)
↑ Časová osa archivována 19. srpna 2013. , zpřístupněno 23.1.2008

Literatura

Antoshchuk T.I. Tradice národního romantismu v posvátné architektuře 19.–20. století // Colloqium-Journal. - 2017. - č. 8 (8) . - str. 4-6 .
Berseneva A. Moderní architektura. - Jekatěrinburg, 1992.
Berseneva A. Evropská secese: Vídeňská škola architektury. - Jekatěrinburg, 1991.
Borisova E. A., Sternin G. Yu. Ruská moderna. - M . : Sovětský umělec, 1990. - 360 s. — ISBN 5-269-00028-8 .
Volodina T. Modern: Problémy syntézy // Problematika dějin umění. - 1994. - S. 2-3 .
Gerasimov A.P. "Northern Modern" ve výkladu dřevěných domů ve městě Tomsk // Architecton: novinky z univerzit. - 2017. - č. 3 (59) . - S. 1-10 .
Goryunov V.S., Tubli M.P. Modernistická architektura. Koncepty. Pokyny. Mistři. - Petrohrad. : Stroyizdat, 1992.
Dyachenko A. Německá grafika konce XIX - začátek XX století. - M. , 1989.
Kirichenko E.I. Architektonické teorie 19. století v Rusku. - M. , 1993. - T. 1.
Kirichenko E. I. Problémy vývoje ruské architektury v polovině 19. - počátku 20. století. - M. , 1989.
Kirichenko E. I. Ruská architektura 30.–10. let 19. století. - M .: Umění, 1978.
Kiseljov M.F. Symbolismus a secese v umělecké kultuře konce 19.–20. Problém stylu // Kostinského čtení. Sám se svědomím. Články o umění: Sborník článků kritiků současného umění: Věnováno památce vynikajícího uměleckého kritika V. I. Kostina. - M. : Musaget, 2002. - S. 219-238. — 395 s.
Kolotilo M.N. Dámský kostým moderní éry v Rusku. - Petrohrad. , 1999.
Komarova M. M. Švédská obytná budova z éry národního romantismu konce XIX - začátku XX století: tradice a inovace: abstrakt dis. ... Kandidát na dějiny umění: 17.00.04 . - M. : MGU, 2008. - 17 s.
Krastinsh Ya. A. Art Nouveau styl v architektuře Rigy. - M. , 1988.
Lisovský V. G. Moderní styl v architektuře. — M. : Bely Gorod, 2016.
Lisovsky V.G. Northern Modern: Nacionálně-romantický trend v architektuře zemí Baltského moře na přelomu 19.–20. - Petrohrad. : Kolo, 2016.
Miller Judith. Sběratelský průvodce. Moderní. - AST, 2005. - ISBN 5-17-028689-9 .
Nashchokina M.V. Architekti moskevské secese. — 1998.
Nashchokina M. V. Moskevská moderna. - M .: Zhiraf, 2005. - ISBN 5-89832-042-3 .
Nashchokina M. V. Moskevská moderna. Problém západoevropských vlivů. - M. , 1999.
Nashchokina M. V. Sto architektů moskevské secese. - M. , 2000.
Nechaeva N. A. Estetická teorie modernity v Rusku: Abstrakt práce. ... kandidát filozofických věd: 09.00.04. - Petrohrad: ruský stát. Vysoká škola pedagogická. A. I. Herzen, 2006. - 28 s.
Nikolaeva S. I. Estetika symbolu v architektuře ruské moderny. — M. : Directmedia Publishing, KnoRus, 2003.
Rosenthal R., Ratzka H. Dějiny užitého umění moderní doby. - M .: Umění, 1971.
Sarabyanov D.V. Moderní styl. Origins. Příběh. Problémy. Ve 2 dílech. - M .: Umění, 1989.
Sarabjanov D. V. Moderní. Historie stylu. — Galart, 2001.
Sarabyanov D.V. Ruská malba 19. století mezi evropskými školami. - M. , 1980.
Sternin G. Yu.Ruská umělecká kultura druhé poloviny 19. - počátku 20. století. - M. , 1984.
Sternin G. Yu. O moderní // Muzeum. - 1989. - č. 10 .
Toubli M. P. Éra moderny je příkladem synergického kulturního prostoru // Teoretický časopis ruské estetické společnosti: časopis. - Petrohrad. : Terra Aestheticae, 2018. - č. 1(1) . - S. 145-169 .
Tubli M.P. Takže pořád stejně - "Style" nebo "Epocha"? // Architektonický almanach: journal. - Petrohrad. : SPbGASU, 2018. - č. 3 . - S. 19-27 .
Far-Becker G. Art Nouveau. - Konemann, 2004. - ISBN 3-8331-1250-6 .
Průvodce Hardy W. Art Nouveau. - Duha, 2008. - ISBN 978-5-05-006996-2 , 1-85627-832-8.
Neznámý Faberge. - 2003. - ISBN 5-901772-08-3 .
vyd. Shestakov V.P. Morris Estetika a modernita. - M. , 1987.
Art Nouveau = Art Nouveau (anglicky) / Peter Selz, Mildred Constantine. — New York: The Museum of Modern Art, Arno Press, 1972. — 238 s. — ISBN 0-405-01573-9 .
Fahr-Becker, Gabriele. L'Art Nouveau: [ fr. ] . - HF Ullmann, 2015. - ISBN 978-3-8480-0857-5 .
Howarde, Jeremy. Art Nouveau: International and National Styles in Europe = Art Nouveau: International and National Styles in Europe (anglicky) . - Manchester, New York: Manchester University Press, 1996. - 240 s.
Lahor, Jean. L'Art nouveau: [ fr. ] . — Baseline Co. Ltd, 2007. - ISBN 978-1-85995-667-0 .
Riley, Noel. Grammaire des Arts Décoratifs: [ fr. ] . — Flammarion, 2004.
Warren, Richard. Art Nouveau and the Classical Tradition = Art Nouveau and the Classical Tradition (anglicky) . — Londýn, New York: Bloomsbury, 2018. — 232 s.

Odkazy

Článek „Secese, Metro a Guimard“ archivován 11. května 2019 na Wayback Machine
Článek Moderní styl v architektuře a interiéru

postimpresionismu

19. století

Pokyny

Malíři

20. století

Pokyny	fauvismus " Modrý jezdec " " most " Expresionismus Kubismus
Malíři	Georges Braque Charles Camoin Andre Derain Raoul Dufy Henri Matisse Albert Gleizes Ernst Kirchner Karl Schmidt-Rottluff Wassily Kandinsky Sofie Levitská Franz Mark Jean Metzinger Henri Othman Francis Picabia Pablo Picasso Robert Pichon Henrietta Tearmanová Jean Marchand Othon Friesz Walter Sickert

Výstavy

Salon nezávislých
Společnost XX
Výstava Volpini
Le Barc de Boutteville

kritiků

jiný

Směry v evropském umění
Starověk	Umění starověkého světa starověké řečtiny starověký římský starověký egyptský keltský Vizigótský etruské
Středověk	Anglosaské umění Arabsko-normanské umění byzantské umění gotický včetně mezinárodní gotiky předřímský styl Merovejské umění karolínské obrození otonské umění Staré ruské umění vikingské umění Období stěhování národů umění ostrovní umění raně křesťanské umění románské umění
renesance	Antverpský manýrismus Vrcholná renesance Dunajská malířská škola Italská malba Manýrismus Německá renesance Rané nizozemské malířství Romanismus Severní manýrismus vlámské malířství Škola ve Fontainebleau
17. století	Barokní Zlatý věk holandského malířství karavaggismus Klasicismus
18. století	Neoklasicismus Rokoko Romantismus Sentimentalismus
19. století	Akademie barbizonská škola Biedermeier heidelberská škola Dekadence Impresionismus umění a řemesla historismus Kalighat Kloisonnismus Kostombrismus Macchiaioli Moderní Nabis Nazaréné naivní umění neoimpresionismus postimpresionismu Prerafaelité Pointilismus Realismus (umění) / Realismus (malba) Symbolismus Syntetismus Asociace putovních výstav umění Fumismus Hudson River School Eklektismus Grunderstvo éra Estetika
20. století	Letterist International Předvoj abstraktní expresionismus Amazonský pop art Art brut art deco Bauhaus Vídeňská škola fantastického realismu Videoart Vorticismus dadaismus De Stijl akční malba malba barevného pole instalace Mezinárodní typografický styl Umění vytrvalosti Umění a jazyk Umění místa kinetické umění KOBRA Koncepční umění Kubismus land art Lettrismus Lyrická abstrakce Rayismus mediální umění metafyzické umění Minimalismus Mladí britští umělci Most Neodada Neo-fovismus Neoexpresionismus Nová materialita nová vize N.M.H.O. Nový realismus organická abstrakce Orfismus Populární umění popový surrealismus Precisionismus Purismus římská škola modrý jezdec Synchromismus Systémové umění situacionismus sociální realismus socialistický realismus Suprematismus Surrealismus Tachisme Fluxus fauvismus Fotorealismus Futurismus škola odpadkového koše Expresionismus
XXI století	superplochý Superúder Umělecká intervence hyperrealismus Umění vztahů Metamodernismus neofuturismus Parametrismus posturbanismus zvukové umění Stackismus
jiný	primitivní umění Postmoderní umění Modernismus ve výtvarném umění Modernismus Pozdní modernismus Feministická umělecká hnutí

Slovníky a encyklopedie	Velká dánština Velká dánština Skvělý norský Velký Rus Cyrila a Metoděje okolo světa Larussa Britannica (online) Treccani Universalis Universalis
V bibliografických katalozích	BNF : 11935706p GND : 4028939-4 J9U : 987007294793805171 LCCN : sh85008032 NKC : ph237434 , ph237433